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Connected (Conectados) ha sido un experimento destinado a explorar cómo el diseñador y el editor, dos partes del mismo todo, han ajustado sus métodos a la nueva realidad. Por encargo de la la American Hardwood Export Council (AHEC), Benchmark Furniture y el Design Museum nueve diseñadores internacionalmente reconocidos, crear una mesa y una silla en madera durante el confinamiento. El desafío: que se adaptase a las nuevas formas de trabaja y vivir en casa

Y es que nuestras formas de interactuar,  trabajar y vivir  han cambiado significativamente. Utilizando la tecnología hemos tenido que adaptarnos para trabajar juntos a distancia y crear, diseñar y escribir desde nuevos despachos, oficinas y talleres improvisados.

Todos los diseños se han fabricado utilizando madera de tres frondosas estadounidenses: roble rojo, arce y cerezo que, en conjunto, representan más del 40% del volumen de toda la madera en pie en los bosques estadounidenses de frondosas. Y es un material tan poco utilizado como bello y sostenible.  Cada diseñador fue emparejado con un artesano del taller de carpintería Benchmark en Berkshire, con quien ha desarrollado su pieza. Tanto los diseñadores como los artesanos han trabajado para hacer realidad las ideas de los diseñadores basándose, únicamente, en la comunicación digital y en la videoconferencia.  Desde que comenzó el proceso, en el mes de junio, los diseñadores han trabajado grabando los procesos creativos, ideas, bocetos y compartiéndolos con los artesanos.  El enfoque ha requerido la máxima confianza en los  en los fabricantes ya que los diseñadores no han visto prototipos ni han tenido ningún contacto físico con las piezas hasta verlas expuestas en el Design Museum.

Los nueve diseñadores participantes en el proyecto Connected han sido (ver imagen, de izquierda a derecha y de arriba a abajo): Maria Jeglinska-Adamczewska (Polonia); Ini Archibong (Suiza); Jaime Hayon (España); Thomas Heatherwick (Heatherwick Studio-Reino Unido); Azusa Murakami y Alexander Groves (Studio Swine- Reino Unido / Japón); Sabine Marcelis (Holanda); Maria Bruun (Dinamarca); Arianna Lelli Mami y Chiara di Pinto (Studiopepe-Italia);. Sebastian Herkner (Alemania). Los resultados se han presentado en el Design Museum de Londres.

Ini Archibong (Suiza). Kadamba Gate

Cerezo, roble rojo modificado térmicamente estadounidense

Kadamba Gate está impulsada por una fuerte narrativa que guía la elección del material y la construcción de la pieza. Tanto la mesa como el banco son piezas para el exterior. Los pilares escultóricos, están inspirados en la Calzada del Gigante en Irlanda del Norte y construidos con una mezcla de roble rojo, cerezo y roble rojo modificado térmicamente. La tapa es de madera laminada y mecanizada, con un acabado epoxi brillante lleno de color y con complicados detalles de latón extraible, que también funcionan como sistema de drenaje en el exterior. El banco es de una construcción similar y ambos, se pueden cubrir con una funda extraible de cuero curtido con el perímetro cosido, hecho por los especialistas en cuero de Bill Amberg Studio.

“Para mí es importante formar parte del proyecto Connected porque “es una oportunidad de trabajar con madera y de ser consciente del efecto que nuestro uso de la madera va a tener en el planeta en 2020”

Ini Archibong

Maria Bruun (Dinamarca). Nordic Pioneer

Arce estadounidense

La colección de Maria, Nordic Pioneer, es una lección magistral de diseño nórdico. De una gran pureza, tanto la silla como la mesa dejan el protagonismo a los materiales y la fabricación. Realizada íntegramente en arce estadounidense, un detalle clave del diseño es la elegante bisagra de madera que recorre todo el tablero de la mesa para levantar y para abatir la hoja. Los pies torneados y redondeados embuten el perfil cuadrado de las patas. El asiento de Maria hace referencia a la linealidad y funcionalidad de la mesa, mientras que los taburetes apilables, con asientos redondeados, mecanizados a partir de arce macizo celebran la elección del material.

“Durante la pandemia, descubrí que “necesitaba rodearme de materiales hermosos y significativos. También quería crear un lugar donde pudiera conectarme con el mundo nuevamente

María Bruun

Jaime Hayon (España). Mesamachine

Cerezo estadounidense

El representante de España, el prolífico diseñador Jaime Hayón ha creado una mesa multiusos en madera de cerezo. Mesamachine proporciona al mismo tiempo, un espacio para trabajar, para jugar, para comer y para pasar tiempo con la familia. Como una navaja suiza, los elementos funcionales pueden abrirse y ampliarse para cumplir una multitud de funciones. La tapa principal de la mesa está creada como si fuese una caja hueca, con nervaduras tensoras ocultas a lo largo de su longitud. Las diversas soluciones de almacenaje y estanterías extensibles funcionan sobre guías de madera que han implicado un elevado grado de precisión para su fabricación. Dos taburetes y un banco de diseño similar, con caras sonrientes recortadas en la superficie , agregan el toque lúdico y happy que caracteriza al diseñador.

 “Me gusta la idea de honrar algo tan simple como un trozo de madera, un material básico que se ha utilizado durante generaciones. Me encanta eso. Estamos explorando este material y buscamos hacer algo asombroso con él”.  “En este proyecto se puede esperar de mí algo que nunca antes se había visto porque mi desafío ha sido hacer una pieza extraordinaria y aprender haciéndola

Jaime Hayon

Heatherwick Studio (Reino Unido). Stem

Arce estadounidense

Stem hace honor a la biofilia al incorporar plantaciones en patas de arce estadounidense mecanizadas con tecnología CNC, sujetas a la tapa de vidrio de la mesa.  Los  miembros del equipo, después de pasar tres meses en el misma mesa de trabajo, comunicándose por videoconferencias, anhelaban el contacto con la naturaleza ya que comenzaban a ver el espacio a su alrededor como un mini estudio de televisión en el que lo que está detrás y alrededor de cada uno Ahora queda a la vista de todo el mundo. La inspiración inicial se desarrolló a partir del oficio de tallar cucharas de madera El mismo principio se aplica a una estantería con montantes de madera tallada y estantes de vidrio. El asiento está tapizado con piel de oveja, con una base tallada que hace juego con los elementos de la mesa.

“Esta crisis nos ha arrojado repentinamente a nuestros hogares. Los trabajadores pasan tres meses sentados en una silla. Los muebles significan incluso más que antes y son parte de una experiencia colectiva, así como una experiencia personal. Siento como si faltara una herramienta en nuestros hogares. En un momento de videoconferencia ¿ tenemos realmente lo que necesitamos a nuestro alrededor?. Intentamos que los lugares se involucren en la dimensión humana de nosotros mismos. He visto el proyecto como una oportunidad para hacer que nuestro trabajo sea más vivo: con la naturaleza, con nuestras ideas y con nuestra imaginación”

Heatherwick Studio

Sebastian Herkner (Alemania). Stammtisch

Roble rojo y arce estadounidenses

Con una forma orgánica y modular, Sebastian quiso crear un paisaje donde los diversos elementos de quehacer diario se uniesen. El nombre Stammtisch se traduce como la “mesa de los habituales“, un espacio alrededor del cual amigos y familiares se reúnen. Ha utilizado materiales cuidadosamente seleccionados, la mesa está hecha de roble rojo, blanqueado con un acabado de aceite natural blanco mate. La bandeja grande está hecha en arce, tratada con amoniaco y con un acabado de aceite natural mate transparente. Sus taburetes y la bandeja pequeña están hechos con roble rojo enegrecido. La madera para el tablero de la mesa y otros componentes se ha moldeado en una tupí para lograr la forma específica deseada que es un aspecto clave en el diseño de Sebastian. Los componentes se unieron y encolaron cuidadosamente para que el diseño jugase con los contrastes producidos por las diferentes direcciones de la fibra de la tapa de la mesa y de las bandejas móviles, que pueden desplazarse a lo largo de la tapa por sus carriles marcados.

“Algunas personas dicen que es la nueva normalidad. Sin duda, es una nueva forma de comunicación. Es un tipo de diálogo diferente y una forma diferente de desarrollar un proyecto. Es una aventura”.“Nos inspiramos mucho en los propios materiales. La madera es honesta, lo cual es muy importante para mi diseño. En casa necesitamos algo que tenga una calidad táctil. Esto podría ser una mesa de madera

Sebastian Herkner

Maria Jeglinska-Adamczewska (Polonia). Arco

Cerezo estadounidense

El asiento y la mesa Arco de María se inspiran en las formas escultóricas y la arquitectura de las abadías benedictinas. La mesa toma como elemento clave de diseño una curva prominente a lo largo del canto longitudinal de la tapa y está fabricada en madera de cerezo estadounidense de la más alta calidad con tablas cuidadosamente emparejadas por su veteado y mecanizadas. Las patas de la mesa, en ángulo respecto a la vertical, tienen una forma inusual de cuarto de luna. La silla está diseñada para ser escultural y para imitar las curvas del cuerpo. Aunque puedan parecer estructuralmente simples, algunos procesos de su construcción, como el emparejamiento de marcos, muestran el nivel de competencia que ha habido en la fabricación. Los paneles laterales de la silla están fabricados siguiendo una técnica extraída de la fabricación de barriles.

“La pieza recuerda el consuelo emocional que los objetos pueden brindarnos. Proporcionan un sentido de identidad y son capaces de comunicar quién eres a otras personas. Me encanta el color y la veta de la madera de cerezo estadounidense”.

”La pandemia me ha abierto los ojos sobre el trabajo desde casa y la calidad del espacio que me gustaría lograr. También me ha recordado el consuelo emocional que los objetos pueden brindarnos. Proporcionan un sentido de identidad y son capaces de comunicar quién eres a otras personas”

Maria Jeglinska-Adamczewska

Sabine Marcelis. (Países Bajos). Candy Cubicle

Arce estadounidense

El escritorio inspirado en la escena de la maleta en Pulp Fiction, se transforma del “modo trabajo” al “modo escondido” con un elemento de sorpresa en el interior. Las superficies exteriores utilizan chapa de arce estadounidense con un acabado de aceite blanco. El interior, que tiene compartimentos para libros y un ordenador, está fabricado con la misma chapa de arce, pero recubierto con una laca translúcida de alto brillo amarillo y pulido a mano para obtener un fino acabado. Ofrece un impacto de brillante color cuando el cubículo está abierto, viéndose la fina veta del arce a través de la laca. La pieza se soporta sobre ruedas amarillas a juego que permiten cerrar la pieza fácilmente al terminar la jornada laboral. El asiento de Sabine, un taburete circular, es de arce macizo, con ruedas a juego.

Mi objetivo ha sido acercarme a la madera de una manera inesperada e intentar crear una pieza que contuviese un interior inesperado. No hay nada que me guste más que trabajar juntos, intercambiar ideas y hacer cosas presencialmente. Cuando colaboro con los fabricantes siempre trato de ir y estar presente. Definitivamente la situación actual es muy diferente, pero, por otra parte, pienso que trabajar digitalmente puede suprimir barreras”

Sabine Marcelis

Studiopepe (Italia). Pink Moon

Arce estadounidense

Pink Moon juega con la idea de ciclos de renovación y nuevos comienzos, inspirados en la luna rosa de primavera. Su fabricación incluyó incrustaciones en las patas de la mesa para crear contrastes y un asiento contemporáneo inspirado la silla de Charles Rennie Mackintosh. Para esta pieza se eligió la madera de arce estadounidense. Primero se seleccionó la madera y, con CNC, se hicieron los rebajes para las incrustaciones de las patas. Las piezas fueron luego teñidas y aceitadas. El tablero de la mesa fue cortado también a la forma deseada inspirada en la naturaleza. Se empalmaron las patas y luego, las incrustaciones de contraste, se enrasaron. El inusual respaldo de la silla comprende una gran “luna” de arce, mecanizada por CNC en dos mitades, perforada para aceptar las patas traseras y luego teñida. Cuando las dos mitades se unen, se crea una unión sin costuras, con Pink Moon suspendida por el marco inspirado en Mackintosh.

Queríamos ver la pandemia como una oportunidad para repensar nuestra forma de trabajar juntos. Ha sido una época muy desafiante. Curiosamente, ha sido un período bastante creative y un período de transformación.”  

“Nos gusta la honestidad de la madera. Amamos los materiales naturales. La madera es interesante porque puedes pintarla, grabarla o crear incrustaciones. Puedes hacer muchas cosas con la madera. Es un material muy fuerte, es muy táctil, tiene una belleza interior. Es lo que es y es hermoso

Arianna Lelli Mami y Chiara Di Pinto. Studiopepe

Studio Swine (Reino Unido / Japón) Humble Administrator

Roble rojo y cerezo estadounidense

Studio Swine diseñó un asiento y una mesa como si fuese un trono, inspirados en los jardines tradicionales chinos y en el arquetipo de la silla Ming. Después de pasar el confinamiento en Tokio, la pareja que forma Studio Swine tenían ansía de naturaleza y querían hacer honor a la madera en su forma más pura. Eligieron el cerezo estadounidense por su calidez y los tonos caramelo para el asiento y la pata trasera macizos, con patas delanteras, brazos y respaldo de roble rojo estadounidense curvados al vapor. El curvado de los brazos fue ambicioso y complejo de fabricar, ya que se dobla a través de una doble curvatura, lo que requiere un equipo de seis artesanos y una plantilla especialmente construida para crear su forma inusual. La mesa utiliza para las patas, una pieza limpia y suave de cerezo estadounidense, con el perfil y la veta de testa visibles a través de la parte superior de la tapa de la mesa. Bajo la la tapa, un estante, útil para colocar el portátil, actúa como elemento tensor de la mesa.

“Nos gusta  la honestidad de la madera. Amamos los materiales naturales. La madera es interesante porque puedes pintarla, grabarla o crear incrustaciones. Puedes hacer muchas cosas con la madera. Es un material muy fuerte, es muy táctil, tiene una belleza interior. Es lo que es y es hermoso. Tiene calidez, grandes cualidades sensoriales y nos puede conectar con la naturaleza incluso estando confinados

Azusa Murakami y Alexander Groves. Studio Swine

Los resultados se pueden ver hasta el 11 de octubre en el Design Museum” y en la página web de Connected

La entrada Connected: nuevas formas de trabajar y diseñar en el Design Museum de Londres se publicó primero en teresaherreroliving.com.

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El estudio Llongueras Clotet Arquitectes es el autor de la reforma. Además el interiorista Rai Pianto y el diseñador gráfico Dani Rubio Arauna son piezas clave en el diseño del interiorismo y en la gráfica  del centro

Sant Joan de Déu es un hospital dedicado exclusivamente a la atención de mujeres, niños y adolescentes menores de 18 años y uno de los centros maternoinfantiles más importantes de Europa por su actividad. Es un hospital privado sin ánimo de lucro que pertenece a la Orden Hospitalaria de Sant Joan de Déu.

El diseño en Sant Joan de Déu

El estudio Llongueras Clotet Arquitectes inició el plan de renovación del hospital en 2004, un plan que todavía hoy continúa. El objetivo de éste ha sido crear un entorno agradable para contribuir a reducir la ansiedad en los niños que tienen que recibir tratamiento.

Entre las reformas realizadas destaca el nuevo hall del hospital, que ha permitido salvar el desnivel entre el edificio y la gran plaza que hay delante. También, el nuevo espacio creado para el servicio de Urgencias, que se ha convertido en una gran fachada sobre la ciudad, y el nuevo edificio de Consultas externas.

En todo el proyecto se ha cuidado de forma especial, la luz, por los colores y los materiales, con el fin de transmitir buenas sensaciones y tranquilidad a las familias.

El estudio de interiorismo Rai Pinto y el diseñador gráfico Dani Rubio Arauna han sido también piezas clave en el diseño del interiorismo y en los elementos gráficos del centro. Su aportación: crear un código visual singular y comprensible. Se ha trabajado para introducir el arte en el espacio como un elemento diferenciador, así como objetos sorprendentes para los niños, desde grandes peceras que hacen de ventana, a esculturas para interactuar.

El sistema de señalización resulta sorprendente para los visitantes, lo entienden fácilmente y además transforma el hecho de caminar por los largos y complicados pasillos y salas de espera de un hospital en un acto lúdico y entretenido.

Todo
ello han logrado que el hospital merezca la Medalla del FAD 2020, un garlardón
que  desde 1928 distingue cada año el
reconocimento del trabajo o la trayectoria de proyectos o instituciones. La
medalla del FAD 2020 reconoce al Hospital Sant Joan de Déu Barcelona, el centro
referente en atención maternoinfantil, un caso de éxito sobre como el diseño y
la rquitectura pueden hacer nuestra vida más confortable.

Así lo explica la Junta del FAD (Fomento de las Artes y del Diseño) : “Por haber incorporado el diseño, en todas sus vertientes, como una herramienta para la mejora del bienestar de los niños durante las residencias en el hospital. Por haber huido de la infantilización y haber creado un código visual eficaz para todos los usuarios del centro, desde niños a adolescentes, personal sanitario y familias. Por desarrollar proyectos con profesionales y escuelas de diseño que reconfiguran el entorno entendido desde la plasticidad del cerebro, el cual influye de manera directa en el sistema inmunológico y así, contribuir a la recuperación de las enfermedades de un colectivo especialmente vulnerable. Por entender la figura de los hospitales como instituciones que promueven la innovación, parte de esta a través del propio diseño en la mejora de las experiencias del paciente. Por ser un caso de éxito sobre cómo el diseño y la arquitectura pueden hacer nuestra vida más confortable.”

Además de la medalla del FAD, el interiorismo y el sistema gráfico del hospital han sido reconocidos y con prestigiosos galardones internacionales como el Interior Design Best of the Year Award, el D&AD Award, y los Premios ADG Laus de diseño gráfico y comunicación visual.

Photos: Araudna Pinto/FAD

Más info:

FAD: https://www.fad.cat/es

La entrada Hospital Sant Joan de Déu Barcelona medalla del FAD Barcelona se publicó primero en teresaherreroliving.com.

Un extracto del libro “Impression d’Ailleurs” Editions de L’Aube de Philippe Starck con Gilles Vanderpooten

“El legado del surrealismo es interesante: la posibilidad de hacer la realidad absurda fue muy liberadora y fértil. La tensión, la explosión, la chispa de este telescopio es brillante. Podemos encontrarlo en el ejemplo del cuarzo cuando se presiona para obtener electricidad. Si usted frota dos piedras juntas que son completamente contradictorias, de ellas saldrá un tercer elemento.

PHILIPPE STARCK – SURREALISMO SEGÚN STARCK

SURREALISMO SEGÚN STARCK

El interés del surrealismo es que es “divertido”. Es un buen boleto de entrada para poesía, distanciamiento, puesta en perspectiva, en realidad y humor, rebelión, subversión …

Se podría decir que estoy empleando “neo-surrealismo” cuando uso estilos que no coinciden u objetos que no deberían estar donde están. Son como los despertadores que llamo “sorpresas fértiles”. Las trampas están premeditadas para que el ojo de rutina sea despertado por una anomalía. Como no considero las características culturales, no me importa: puedo hacer cualquier cosa. Soy muy libre en mi creación. En mi proceso de trabajo, aparece naturalmente un catálogo de anacronismos, incongruencias, que uso a medida que avanzo. Mi único talento es que mi catálogo no viene de la nada y si todo está bien, no es por casualidad. Se deriva de una estrategia subyacente, un deseo, una premeditación del efecto sobre el otro.

En el surrealismo, podemos observar un efecto óptico, subjetividades, un estado febril o incluso una sensibilidad excesiva. Pero lo real, a pesar de su esencia de un cóctel improbable que se agita en todas las direcciones, orientado más o menos torcido, es lo suficientemente interesante como para no necesitar imaginar en vano un más que real “. Philippe Starck

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Piensa en un paraíso de color pastel donde nunca quieres irte. Kelly Behun diseñó el ambiente al aire libre de lujo perfecto donde estos propietarios seguramente pasarán la mayor parte de su precioso tiempo en familia. Con un toque femenino y lleno de muebles de arte de la galería de arte Future Perfect, que adorna por completo este lugar exterior y hogar de lujo en general, este proyecto de diseño de interiores seguramente tiene la marca registrada de Kelly Behun en todo el proyecto de diseño moderno.

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En este diseño al aire libre, el mobiliario moderno reina absolutamente. Todo es diferente, pero al mismo tiempo, todo va perfectamente junto. Es una mezcla de estilos y colores pasteles donde el rosa definitivamente prospera y toma el escenario perfecto. Esta es Kelly Behun, una diseñadora de interiores que crea lugares femeninos únicos a través de colores suaves que dan cierta delicadeza al producto final de diseño contemporáneo. ¡Es una experiencia maravillosa!

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Kelly Behun creció en Pittsburgh, PA, y asistió a la Wharton School de la Universidad de Pennsylvania. Ahora es reconocida como una de las mejores diseñadoras de interiores que inspira al mundo con su gusto de alta gama. Es probable que sea la única acólita del mundo de Andrée Putman, Philippe Starck e Ian Schrager. La diseñadora con sede en Nueva York, Kelly Behun, crea espacios que combinan la elegancia con un poco de locura para clientes de alto perfil como Ian Schrager, Ivanka Trump y Wendi Murdoch.

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Para este diseño de lujo, era importante elegir los muebles de exterior más perfectos y exclusivos. Como se trataba de un proyecto que se centraría principalmente en el exterior, Kelly Behun centró toda su creatividad y fuerzas de diseño en el área exterior. La inspiración fue infinita debido al increíble paisaje que rodea la propiedad, un detalle muy importante, que estamos seguros de que alimentó completamente la inspiración del diseñador.

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Con más de 40 años de experiencia a la vanguardia de la industria del diseño, Kelly Hoppen es uno de los diseñadores de interiores más famosos y buscados del mundo. Fue su implacable pasión por el diseño a los dieciséis años lo que inició su carrera icónica. El estilo mundialmente reconocido y en constante evolución de Kelly se define por una sutil fusión de Oriente y Occidente; Líneas limpias y tonos neutros, intuitivamente equilibrados con una opulenta calidez.

KELLY HOPPEN, DISEÑADORA DE INTERIORES PARA LAS CELEBRIDADES

KELLY HOPPEN, ES UNA DE LAS DISEÑADORAS DE INTERIORES MÁS FAMOSAS Y BUSCADAS DEL MUNDO

Su manera de entender y concebir los espacios ha creado escuela. Kelly Hoppen (Johannesburgo, Sudáfrica, 1959) lleva más de 40 años defendiendo un interiorismo ‘british’ basado en los tonos topo y la decoración vintage.

Viajera incansable y amante del arte y la palabra, sus creaciones combinan la riqueza del mundo occidental con el exotismo de la cultura oriental.

Su labor e implicación con el diseño concuerda con la filosofía de PORCELANOSA Grupo, que otorgará el Premio Honorífico por su labor profesional en la gala de los XII Premios Premios de Arquitectura e Interiorismo.

La cartera de Kelly cuenta con una selección diversa de proyectos que abarcan las últimas cuatro décadas. El equipo de Kelly ha puesto su sello en las casas, yates, hoteles y aviones de clientes privados de todo el mundo, incluidas las direcciones muy solicitadas y exclusivas en China en la Bahía de Shenzhen al crucero más impresionante hasta la fecha con Celebrity Cruises Edge Class; redefiniendo los viajes por mar.

Kelly tiene el honor de recibir numerosos premios de diseño y en 2009 recibió un MBE por sus servicios de diseño de interiores.

Autor de nueve libros de diseño, Kelly también es una personalidad de la televisión, que aparece como inversionista en Dragon’s Den de la BBC, un juez en el Great British Design Challenge, y más recientemente como candidato a Celebrity Apprentice en ayuda de Comic Relief.

Su gran oportunidad llegó a los 16 años, cuando un amigo de su padre le pidió que diseñara su cocina. “Fue mi primer encargo y desde entonces no he parado”, me comenta. “Mi pasión fue en aumento y los proyectos se multiplicaron”.
Kelly ha alcanzado el estatus de icono y su sello contemporáneo queda patente en numerosas propiedades de alto nivel, aviones privados, superyates y proyectos comerciales en todo el mundo.

Kelly está muy solicitada y en la actualidad trabaja en unos 50 encargos. Cuando no está diseñando interiores, está ocupada escribiendo libros, ideando productos para su tienda online, apoyando a empresarios e invirtiendo en nuevos e innovadores negocios.

Su filosofía de diseño
Esta diseñadora de interiores, de renombre mundial, es famosa por su preferencia por el color gris topo y el minimalismo. Asimismo, trabaja habitualmente con colores neutros, característicos de su estilo vintage, en el que aúna lo oriental y lo occidental.

“Me gusta la sencillez de esta paleta. No solamente resulta fácil trabajar con ella y combinar diferentes colores, texturas y telas, sino que rezuma lujo. Estos tonos complementan cualquier toque de color o elemento especial que quieras añadir a la habitación”.

Inspiración, inspiración, inspiración…
El trabajo de Kelly se ha visto influido tanto por la capital británica, donde reside, como por los viajes que realiza al extranjero.

“Los viajes me inspiran muchísimo. Viajo a muchos lugares maravillosos por trabajo y todos ellos me inspiran. Viajo con regularidad al Lejano Oriente, América y Europa. Me apasionan la tranquilidad, armonía y modo de vida de la filosofía oriental”.

One Shenzhen Bay”, en China

One Shenzhen Bay”, en China

Uno de los últimos proyectos de Kelly, la reina del color topo, es “One Shenzhen Bay”, en China, y constituye un extraordinario proyecto de una enorme magnitud. Lleva el lujo atemporal hasta las máximas cotas y despliega su icónica filosofía de diseño consistente en líneas estilizadas y puras y una sutil fusión de detalles occidentales y orientales.

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Profesionales de la edición Casa Decor 2020 (5)
27 / 02 / 2020

Llegamos a la cuarta planta, final de nuestro repaso para conocer a los profesionales que estarán en Casa Decor 2020. A tan solo una semana de la inauguración de la Exposición, todos ellos ultiman los detalles que harán de sus espacios fuente de inspiración para visitantes y profesionales, y de Casa Decor, la mejor plataforma de interiorismo, tendencias y estilo de vida de Europa.

Habitaca

Inspirándose en la decoración palaciega de los siglos XVIII y XIX con todo su esplendor, mezclado con el espíritu del apar-tamento de Coco Chanel en la Rue Cambon de París, Begoña Nicolau y Ela Blasco Villanueva, han proyectado el recibidor «Renacer». A la inherente elegancia del estilo clásico, le han querido dar un toque de modernidad, haciendo que resurja con las tendencias actuales que incluyen arte, colores neutros y contraste. Atreviéndose a jugar con la luz y proponiendo las lámparas antiguas como nueva tendencia decorativa.

Pia Paisajismo

Coqueta y magníficamente decorada, la terraza proyectada por el equipo de Pia Paisajismo en Casa Decor 2019 demostró una cosa: que se puede crear un bosque en un ático en pleno centro de Madrid, convirtiéndolo en un oasis de calma y tranquilidad donde olvidarnos del estrés y la rapidez del entorno urbano que nos rodea.

En Casa Decor 2020, a falta de espacios exteriores, a los componentes de Pia Paisajismo les surgió la duda de su participación en la Exposición de este año. Sin embargo, nada más entrar en Velázquez 21 y ver los espacios disponibles, les surgió una idea de manera natural, tan sencilla y compleja a la vez: crearían un bosque onírico en un interior y qué mejor manera de completarlo que con una biblioteca, algo imposible de encontrar, pero que todo el mundo desearía tener. Así han completado su espacio «Biblioteca en un bosque». Estamos seguros que lo han resuelto con toda garantía.

Ele Room 62

Participantes por separado en varias ediciones de Casa Decor, entre los años 2012 y 2014, en la edición de  2016 las interioristas Inmaculada Recio y Silvia Trigueros se presentaron con su estudio de interiorismo Ele Room 62.  Su primer proyecto como equipo fue el comedor privado «Ínsula Barataria«, un espacio organizado en tres ambientes: una cocina y dos comedores.

En 2017 participaron con dos espacios: el dormitorio «Living Green» y el baño para Jacob Delafon, con una zona para ella y otra para él. En 2018, Ele Room 62 realizó tres proyectos: el hall «La espera de la dama» para Alvic; el apartamento de Bélgica y el baño «Luí, lei» para Axor.

En 2019, Ele Room 62 colaboró con la firma Gira para recrear «The Cage» un lobby de hotel con un aire atrevido, pero con un estilo elegante, contemporáneo y fresco. En esta edición, Ele Room 62 dará forma al espacio de Bang & Olufsen, un salón-comedor-bar de estética japonesa.

Cynthia Román

El baño «Perdurabilidad en el tiempo» fue el proyecto con el que la interiorista participó en Casa Decor 2014. Su segunda intervención no llegó hasta la edición del año pasado, donde se encargó de diseñar otro proyecto de baño, en este caso se traba de los aseos de uso público de Núñez de Balboa, 86.

En Casa Decor 2020, ha cambiado de registro para presentarnos un dormitorio con el que que nos invita a conectar con nosotros mismos y a dejar al otro lado de la puerta cualquier preocupación, convirtiéndose así en nuestro templo mas privado.

Angelina Sanz

En Perpendicular Arquitectura, una empresa joven, pero compuesta por profesionales con más de 20 años de experiencia en la construcción de retail, gestionan proyectos arquitectónicos completos, ofreciendo un servicio integral con una calidad excelente, desde la realización del proyecto, construcción e instalación, hasta llegar al mantenimiento una vez finalizada la obra.

Llega por primera vez a Casa Decor con el proyecto «Sinergía», ambientado en una habitación de juegos para hombres, que representa la sinergia entre un estilo clásico con otro minimalista, con una base monocromática para que sus formas y relieves sean lo representativo de cada estilo.

Personalk

PersonalK. Diseño de Interiores a Medida, el estudio fundado por Pilar Alberola y Lucía González-Orús cuya actividad principal es la arquitectura de interiores y la decoración, interviene por primera vez en Casa Decor de la mano de la firma Delamora Espacio Integral para realizar el proyecto «Cocina in & out», inspirado en una villa mediterránea donde convive el mueble de vanguardia con la naturaleza.

Wanna

El equipo de Wanna ha sido el encargado de diseñar el espacio Formica Group. Se trata de un dormitorio con baño al que han llamado «Horizonte 88. Glamping lunar donde ver las estrellas», donde se une el glamping, un estilo de viaje en auge que cobrará relevancia en hospitality, con un interior inmersivo de colores inspirados en el cielo y la tierra, a los que aportan contraste gráfico mediante metálicos.

Francisco Silván

Francisco Silván, funda Arquitectura de Interior, en el 2002. De familia con fuertes inquietudes artísticas, crece y se desarrolla como Artista Plástico, desde muy joven en distintos ámbitos artísticos. En su estudio, realiza proyectos a medida dirigidos a un perfil de cliente que aprecia la exclusividad, la originalidad y la calidad. Como diseñador vanguardista ha desarrollado proyectos de arquitectura de interior, para empresas del sector servicios, hostelería, así como para un público privado. En la actualidad, enfoca su desarrollo artístico hacia el mundo del diseño contemporáneo.

Geberit, firma que ha colaborado en varias ediciones de edición de Casa Decor, este año ha elegido a Francisco Silván como diseñador oficial de su espacio, después de que éste se hiciera con el primer premio del concurso convocado por la firma suiza, experta en porcelana sanitaria y tecnología para el baño, y el Colegio Oficial de Decoradores y Diseñadores de Interior de Madrid.  

Mónica Garrido

En 2015, los baños de La Palma, 10, diseñados por Mónica Garrido, gustaron tanto que no se desmontaron después de la exposición. Siguieron siendo los baños públicos de El Paracaidista, un gran multiespacio, con concept store, decoración, belleza, coctelería, cine, café y restaurante con terraza, hasta su cierre el años.

Tres años después, en 2018, la decoradora volvió a Casa Decor para diseñar el lobby de un hotel, donde interpretaba las luminarias de LZF Lamps: elegantes, sobrias, naturales y con unas curvas delicadamente perfectas.

En Casa Decor 2020, Mónica está realizando un dormitorio para el espacio de La Redoute, la tienda online especializada en moda y decoración del hogar.

Deulonder

Cada vez que Deulonder, el estudio de interiorismo especializado en la realización de cocinas y planchadores dirigido por las interioristas Chone de la Sotilla y Lluïsa Deulonder, ha realizado un proyecto en Casa Decor, y llevan 12 entre Madrid y Barcelona, visitantes y profesionales del sector quedan fascinados.

En la primera edición de los Premios Casa Decor en 2013, los visitantes con sus votos dieron como ganador a su proyecto de cocina, con planchador, comedor y zona de despensa. Tres años después, en 2016, volvieron a alzarse con el premio por su maravillosa cocina  Las dos doncellas – Family Room, con zona de comedor y dos espacios adicionales: una despensa y un cuarto de lavabo y plancha.

En Casa Decor 2019, volvieron a alzarse con el Premio del Público por su cocina-comedor «The Living Cook», un espacio con múltiples zonas, lleno de detalles que delataban el placer por el arte culinario y la buena mesa.

En esta edición, seguro que volverán a dejarnos fascinados con el cuarto de lavado y plancha «Utility Room» en el que están aplicando el principio de “un sitio para cada cosa y cada cosa en su sitio”, con el estilo “cosy” que les caracteriza.

Gabriel Bautista

Y llegamos al espacio 64 y último que configura la edición de Casa Decor 2020, donde Gabriel Bautista, de Antro Design, está realizando el proyecto «Mainstream», una sala de televión para el disfrute de la cultura popular, difundida a través de la televisión. Un ambiente irreal que transporte a un espacio de abstracción, donde la música, la iluminación y el televisor son protagonistas.

Gabriel Bautista se estrenó en Casa Decor con el mural de expositores de 2018, «La Rotativa«, una instalación con más de 65 metros de papel impreso en continuo movimiento con la cual el decorador consiguió mostrar toda la creatividad de las empresas que hicieron posible el evento. Y en 2019, nos sorprendió con el espacio que acogía la entrada y la taquilla de Núñez de Balboa 86, un proyecto que firmó con la colaboración del arquitecto Andrés Ruiz Bernabé.

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Los propietarios de esta casa pidieron una cosa al reclutar a Vincenzo De Cotiis para diseñar su casa, la privacidad. Debido a la proximidad a sus vecinos, este aspecto fue clave para el diseño de esta casa. El diseñador italiano construyó una residencia concreta de extravagancia, perfección y detalles increíbles de múltiples materiales que llamarán su atención por completo.

Sofá personalizado, mesa de cóctel con superficie de mármol y estanterías de hierro y vidrio de De Cotiis.

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En la terraza, una mesa auxiliar de mármol y latón de Vincenzo De Cotiis se encuentra junto a un par de sillas vintage.

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Cuando se le pidió que mencionara las influencias más importantes en su trabajo, Vincenzo De Cotiis, el arquitecto, diseñador y artista con sede en Milán, se opuso y dijo: “Me considero omnívoro. Me alimento de muchos estímulos diferentes que abarcan arte, arquitectura e imágenes «.

Vincenzo De Cotiis define este proyecto de diseño de interiores como un «búnker de diseño contemporáneo adaptado para acomodar la vida cultural de una pareja educada», De Cotiis toma este «búnker» y le da calidez, textura y escala humana.

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Los espejos FontanaArte cuelgan en el baño principal.

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Tan pronto como entras en la casa de lujo, te encuentras con una espaciosa sala de estar y, al final, hay una piscina, perfecta para ese calor italiano. Muchos de los artículos de diseño de muebles están hechos por el propio Vincenzo De Cotiis, como puede haber reconocido al mirar las mesas y lámparas del centro. Más allá del salón, un área de comedor skylit está amueblada con una mesa personalizada y sillas de madera, diseñadas por De Cotiis, que están cubiertas de terciopelo Hermès.

 


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En la sala de estar de la sala de estar, De Cotiis diseñó los asientos de gamuza personalizados en las bases de latón.

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Jarrones antiguos y bustos de cerámica inspirados en Giuseppe Arcimboldo para alinear una escalera de hierro negro.
Fotografía de Oberto Gili

Fuente: Architectural Digest


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El mundo del diseño ruso está prosperando, hoy en día escuchamos tantos grandes proyectos de diseño de interiores e ideas de diseño arquitectónico que pertenecen a las mejores mentes del diseño moderno. La casa en el paisaje hecha por la firma de diseño rusa Niko Architect es una verdadera joya escondida que el paradero de Moscú guarda en secreto. Una residencia orgánica y futurista integrada en un pueblo a las afueras de Moscú.

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Este diseño arquitectónico se desarrolló desde el exterior hacia el interior, teniendo en cuenta los alrededores del edificio, el hermoso paisaje que lo lleva completamente a un estado mental tranquilo. La casa se fusiona con los paisajes artificiales que rodean el diseño de lujo a lo largo de la continuidad del flujo mutuo del paisaje en el edificio y el edificio en el paisaje.

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«Como resultado del entorno inexpresivo, la base conceptual fundamental era la integración del edificio en un paisaje creado artificialmente y la conexión inextricable de la arquitectura con la estructura del sitio del patio abierto», explica Niko Architect.

Todo el diseño arquitectónico de este diseño contemporáneo es casi un desenfoque total entre el espacio exterior y el interior. Como en un organismo vivo, cada elemento dentro del proyecto está bien equilibrado y conectado con el todo, como el espacio externo, que se entrelaza con la sala de estar, el dormitorio y otras habitaciones de la casa.

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Se logra una conexión adicional con el entorno exterior con una serie de tragaluces circulares dentro del edificio, que están orientados al movimiento del sol y aportan mucho aire natural y luz al interior moderno. ¿No es esta arquitectura moderna tan hermosa? ¡Honra a la flora de una manera tan gigantesca!

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Photography credits: Vasiliy Khurtin (exterior), Sergey Ananiev (interior)


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Diseñado como una «caja de vidrio», Gengbo se inspiró en sus viajes para darle vida al diseño de su hogar. El diseñador chino Gengbo, director de diseño de Studio YHDQ, diseñó un loft moderno de 200 metros cuadrados. Gengbo pensó en el concepto de su hogar como una «caja de vidrio» donde expondría todos los recuerdos de sus viajes y se fusionó con muebles modernos.

Diseño de lujo

En el primer piso se encuentran la sala de estar, el comedor y la cocina, donde hay un diseño abierto que se adapta a las necesidades de Gengbo, a quien le gusta recibir invitados en su hogar moderno. El arte es parte de cada una de las áreas sociales, desempeñando un papel de liderazgo en este diseño contemporáneo que roba los ojos.

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Ubicada en Chongquing, China, BOBO House se llevó a cabo durante 1 año y 8 meses. La estructura original de este proyecto consistía en dos lofts, pero la mayoría de las paredes se eliminaron para hacer el espacio transparente, de ahí la reminiscencia de una caja de vidrio. Por otro lado, las paredes fueron pintadas en una variedad de tonos verde oscuro complementados con tonos blancos, creando así un ambiente donde «menos es más». Sin duda uno de sus proyectos de diseño de interiores más emblemáticos.

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Para la cocina, Gengbo integró estantes en blanco y negro que contrastan con el fondo verde, mientras que una isla metálica produce un efecto sofisticado.

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Con este proyecto de diseño para el hogar, Gengbo demuestra que no es necesario saturar las texturas o los colores con un espacio para crear un ambiente elegante, por el contrario, su cuidadosa selección de piezas lo ayudó a construir un hogar que refleja su personalidad e integra las tendencias de diseño.

¿Te gustó este diseño de lujo para el hogar?


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 Ingo Maurer 
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El mundo del diseño está de luto. Ingo Maurer murió a los 87 años, el lunes 21 de octubre rodeado de familiares en su casa elegida de Munich, donde ha producido todo su trabajo desde 1970. Ingo Maurer fue un diseñador industrial y un verdadero diseñador. pionero especialmente en diseño de iluminación, que realmente dejó su impacto en este mundo!

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“POETA DE LA LUZ”

Echemos un vistazo a algunos de sus productos de arte contemporáneo más audaces y recordemos los viejos tiempos en que el diseñador alemán se hizo un nombre.

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Breaking Buddha de Ingo Maurer presenta una serie de máscaras que forman una luz. Imagen de Tom Vack

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A lo largo de cinco décadas, Maurer volvió a conceptualizar el diseño de iluminación con la lengua firmemente en la mejilla, mientras se encontraba entre los primeros en adoptar las últimas innovaciones técnicas desde LED hasta OLED.

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Luzy Gloves

En el transcurso de su extraordinaria carrera, Ingo Mauer ganó muchos de los más altos elogios de la industria, desde el Compasso d’Oro hasta el Premio de Diseño de la República Federal de Alemania, así como el título de Royal Designer of Industry, que le fue otorgado por La Real Sociedad Británica de Artes.

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La luz Zettel’z 6 de Maurer fue diseñada en 1998. Ingo Maurer nació en 1932, en el breve período entre la primera y la segunda guerra mundial, en una pequeña isla en el lago de Constanza llamada Reichenau. “Me considero una hierba”, dijo en lo que quizás fue una de sus últimas entrevistas. “Simplemente crecí, y una hierba siempre vuelve a aparecer. Fui a la escuela solo seis años a causa de la guerra. Eso fue todo.”

A partir de ahí, completó un aprendizaje como maquinista antes de estudiar gráficos comerciales en Munich. En 1960, escapó de una Alemania dividida, viviendo entre Nueva York y San Francisco durante tres años mientras trabajaba como diseñador gráfico y director de arte para una pequeña agencia de publicidad.

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Bombilla, creación de Ingo Maurer que establece el nombre del diseñador en los libros de historia. Pero su carrera no despegó por completo hasta 1966, cuando creó uno de sus diseños más conocidos. La bombilla fue originalmente conceptualizada para su instalación en Venecia y consiste en una bombilla ordinaria, envuelta dentro de una esfera de vidrio más grande para formar una lámpara de mesa. Sin embargo, resultó tan popular, que Ingo Maurer fundó su propia compañía de producción ese mismo año, para producir en masa el diseño. La pieza todavía es producida hoy por su equipo de 70 personas en Munich. Su esposa Jenny Lau, quien supervisó el lado comercial de la operación, murió en 2014.

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Lucellino Table, 1992
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Porca Miseria!, 1994
Bulb se encuentra en la colección permanente del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), junto con algunas de las otras obras fundamentales del diseñador, como la bombilla alada Lucellino y Porca Miseria. Una araña hecha de un conjunto de porcelana rota y vajilla. Su trabajo, que abarca arte y diseño funcional, ha sido explorado a través de exposiciones individuales en el Museo Cooper Hewitt de Nueva York y el Museo Stedelijk en Amsterdam, entre otros.“Poet Of Light” Ingo Maurer’s Pioneer Ideas - Reminiscing His Design   Ingo Maurer A Life Dedicated To Making The World Brighter 8
Bulb se encuentra en la colección permanente del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), junto con algunas de las otras obras fundamentales del diseñador, como la bombilla alada Lucellino y Porca Miseria. Una araña hecha de un conjunto de porcelana rota y vajilla. Su trabajo, que abarca arte y diseño funcional, ha sido explorado a través de exposiciones individuales en el Museo Cooper Hewitt de Nueva York y el Museo Stedelijk en Amsterdam, entre otros.
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Ingo Maurer baña a Torre Velasca en luz roja para el evento Audi City’s Lab
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Más allá de sus lámparas comerciales, Ingo Maurer también creó instalaciones de iluminación a gran escala, por ejemplo para el desfile de moda de 1999 de Issey Miyake en el Parc de la Villette, el atrio de Lafayette Maison en París y la Torre Velasca en Milán. Ingo Maurer trabajó hasta el final de su vida, explicando en una entrevista con el Goethe Institut:

“Aunque a veces me gustaría empacarlo todo porque tengo la sensación de que todo va a ser demasiado para mí, luego pienso en todos esos empleados, muchos de los cuales han estado con nosotros durante tantos años”. “Cuando fundé la firma, asumí una gran responsabilidad por estas personas y quiero apoyar y hacer avanzar a la empresa todo el tiempo que pueda. Después, tendrán que prescindir de mí, pero estoy muy seguro de que lo lograrán “.

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Installation for Residenztheater, Munich, 2019
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La instalación de arte final de Ingo Maurer, una lámpara de araña de barrido hecha de más de 3.000 hojas plateadas, se completó en el Residenztheater de Munich el 18 de octubre, pocos días antes de su muerte. ¿Te ha gustado este artículo?

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