MARCEL WANDERS LANZA REVERIE EN COLABORACIÓN CON WALTERS

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WALTERS, 2020

Diseño de producto | Mueble para exteriores

Inspirado para crear un nido de relajación y un hermoso lugar para soñar despierto, Reverie es una colección al aire libre de confort sofisticado. Combinando la firma con lo suave, la colección Reverie de Marcel Wanders para Walters incluye una silla de una plaza, una silla de dos plazas, una tumbona, un diván y mesas cuadradas y redondas. Su nombre deriva de un estado de agradablemente perdido en los pensamientos de uno; un sueño

Reverie está diseñado con el cuerpo y el alma humanos en mente, cada silla ofrece restauración personal. En ángulo para acomodar diferentes posiciones reclinables, el material de resina tejida es tan elegante como resistente. Con su patrón ornamentado, las piezas se pueden personalizar mientras las almohadas crean un ambiente acogedor.

Las mesas auxiliares y las mesas de café completan este conjunto que envuelve a las personas en la tranquilidad moderna y les ofrece una sensación de seguridad y la libertad de soñar. Ahora más que nunca, abrace el aire libre y cree un santuario con Reverie.

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El resultado: una nueva colección de mobiliario Viccarbe x Ecoalf, realizada con tejidos creados a partir de materiales reciclados.

El objetivo del acuerdo es liderar el camino hacia la
sostenibilidad dentro de la industria del diseño contemporáneo.  Gracias a esta unión Viccarbe incorporará las
últimas innovaciones de sostenibilidad en el desarrollo de sus productos y
Ecoalf explorará otros caminos distintos a la industria de la moda.

La primera fase de esta colaboración pasará por la utilización de sus tejidos en la colección Viccarbe, y por el amueblamiento de sus headquarters y tiendas en todo el mundo por parte de la editora de mueble contemporáneo. La segunda fase del acuerdo supondrá el desarrollo de una nueva línea de mobiliario Ecoalf by Viccarbe.

Ecoalf es una referencia en moda sostenible: desde el 2012 ha
revolucionado el sector de la moda con su colección de ropa, calzado y accesorios,
confeccionados, a partir de materiales reciclados como botellas de plástico
PET, café, redes, lana y algodón post-industrial, entre otros. Su objetivo:
dejar de utilizar los recursos naturales del planeta de forma indiscriminada.

Viccarbe, como prestigiosa editora de mobiliario contemporáneo, está presente en muchos espacios de todo el mundo con sus diseños polivalentes.

La nueva colección «Viccarbe x Ecoalf»

El primer ejemplo de la colaboración, la icónica colección Maarten de Viccarbe sumará una nueva línea tapizada con tejidos Ecoalf, confeccionados a partir de materiales re­ciclados de distintos tipos de residuos (botellas de plástico, redes de pesca, restos del café…). La idea es que esta  nueva colección vea la luz este próximo verano.

Es un honor formar parte de este proyecto, compartiendo nuestro conocimiento y tecnología sobre tejidos reciclados, transformándolos finalmente en diseños atemporales. Creo que Viccarbe y Ecoalf comparten fuertes valores en torno al diseño y los estándares de calidad y por ello hoy unimos fuerzas, para presentar una propuesta duradera basada en la idea de diseño contemporáneo y que tenga un impacto positivo en nuestro entorno.”

Javier Goyeneche, fundador y presidente de Ecoalf

“Viccarbe es un referente internacional en mobiliario colaborativo con unas profundas raíces mediterráneas, que hacen que nuestra colección sea admirada por su amabilidad y positivismo. Por lo que Ecoalf coincide plenamente en su visión respetuosa e innovadora con todo lo que nos rodea. Ambas compañías nos esforzamos no solo en ser las mejores empresas del planeta, sino las empresas mejores para el planeta. Por lo que estamos muy ilusionados con este nuevo partnership estratégico, con el que crear juntos mobiliario del que sentirnos profundamente orgullosos”

Víctor Carrasco, fundador y presidente de Viccarbe

Esta nueva y ecológica joint venture se ha proyectado bajo el lema «Because There is No Planet B», abanderado por Ecoalf desde sus comienzos. Nuevas ideas para nuevos tiempos.

Más info:

Ecoalf: https://ecoalf.com/es/

Viccarbe: https://www.viccarbe.com/es/

La entrada Viccarbe y la firma de moda Ecoalf unidas para potenciar la sostenibilidad en el diseño de mobiliario se publicó primero en teresaherreroliving.com.

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El estudio Llongueras Clotet Arquitectes es el autor de la reforma. Además el interiorista Rai Pianto y el diseñador gráfico Dani Rubio Arauna son piezas clave en el diseño del interiorismo y en la gráfica  del centro

Sant Joan de Déu es un hospital dedicado exclusivamente a la atención de mujeres, niños y adolescentes menores de 18 años y uno de los centros maternoinfantiles más importantes de Europa por su actividad. Es un hospital privado sin ánimo de lucro que pertenece a la Orden Hospitalaria de Sant Joan de Déu.

El diseño en Sant Joan de Déu

El estudio Llongueras Clotet Arquitectes inició el plan de renovación del hospital en 2004, un plan que todavía hoy continúa. El objetivo de éste ha sido crear un entorno agradable para contribuir a reducir la ansiedad en los niños que tienen que recibir tratamiento.

Entre las reformas realizadas destaca el nuevo hall del hospital, que ha permitido salvar el desnivel entre el edificio y la gran plaza que hay delante. También, el nuevo espacio creado para el servicio de Urgencias, que se ha convertido en una gran fachada sobre la ciudad, y el nuevo edificio de Consultas externas.

En todo el proyecto se ha cuidado de forma especial, la luz, por los colores y los materiales, con el fin de transmitir buenas sensaciones y tranquilidad a las familias.

El estudio de interiorismo Rai Pinto y el diseñador gráfico Dani Rubio Arauna han sido también piezas clave en el diseño del interiorismo y en los elementos gráficos del centro. Su aportación: crear un código visual singular y comprensible. Se ha trabajado para introducir el arte en el espacio como un elemento diferenciador, así como objetos sorprendentes para los niños, desde grandes peceras que hacen de ventana, a esculturas para interactuar.

El sistema de señalización resulta sorprendente para los visitantes, lo entienden fácilmente y además transforma el hecho de caminar por los largos y complicados pasillos y salas de espera de un hospital en un acto lúdico y entretenido.

Todo
ello han logrado que el hospital merezca la Medalla del FAD 2020, un garlardón
que  desde 1928 distingue cada año el
reconocimento del trabajo o la trayectoria de proyectos o instituciones. La
medalla del FAD 2020 reconoce al Hospital Sant Joan de Déu Barcelona, el centro
referente en atención maternoinfantil, un caso de éxito sobre como el diseño y
la rquitectura pueden hacer nuestra vida más confortable.

Así lo explica la Junta del FAD (Fomento de las Artes y del Diseño) : “Por haber incorporado el diseño, en todas sus vertientes, como una herramienta para la mejora del bienestar de los niños durante las residencias en el hospital. Por haber huido de la infantilización y haber creado un código visual eficaz para todos los usuarios del centro, desde niños a adolescentes, personal sanitario y familias. Por desarrollar proyectos con profesionales y escuelas de diseño que reconfiguran el entorno entendido desde la plasticidad del cerebro, el cual influye de manera directa en el sistema inmunológico y así, contribuir a la recuperación de las enfermedades de un colectivo especialmente vulnerable. Por entender la figura de los hospitales como instituciones que promueven la innovación, parte de esta a través del propio diseño en la mejora de las experiencias del paciente. Por ser un caso de éxito sobre cómo el diseño y la arquitectura pueden hacer nuestra vida más confortable.”

Además de la medalla del FAD, el interiorismo y el sistema gráfico del hospital han sido reconocidos y con prestigiosos galardones internacionales como el Interior Design Best of the Year Award, el D&AD Award, y los Premios ADG Laus de diseño gráfico y comunicación visual.

Photos: Araudna Pinto/FAD

Más info:

FAD: https://www.fad.cat/es

La entrada Hospital Sant Joan de Déu Barcelona medalla del FAD Barcelona se publicó primero en teresaherreroliving.com.

“Until one has loved an animal, a part of one’s soul remains unawakened.” Pushing the boundaries of shape and form, Matteo’s ANIMAGIC collection is a celebration of animal forms in andromorphous design. An odd mix of humour, luxury and utility, these pieces go beyond being furniture – they are magical, sculptural objects, almost life like, that make you smile every time you glance at them.

SCARLET-SPLENDOUR-1animagic

SCARLET-SPLENDOUR-1animagic

Scarlet Splendour – Animagic

Wedged somewhere in fantasy land between Willy Wonka and Alice in Wonderland, these luxury designer pieces will blow your mind. Meet Scarlet Splendour.

Scarlet Splendour: the first time we’ve ever used the company name, which describes exactly who they are, as the title of an article. The hot colours of India, the hot stars of the silver screen and the splendour that all this evokes. Add a large dollop of humour, the extraordinary design skills of its founders, Indian craftsmanship and best of what Italy offers the world of international furniture design, and success is almost a given.

Almost, but not quite. Like a meal prepared by a top chef, all the ingredients must be measured and fall in exactly the right places, and of course, a key element is entrepreneurship. Siblings Ashish Bajoria and Suman Kanodia debuted their first collection of 15 pieces, titled Vanilla Noir, during the Milan Design Week in 2015, paying homage to the era of silent movies with their light-hearted irony and underlying depth in black and white, and they pulled it off with only three month’s preparation. Little wonder then that this Kolkata-based brand has expanded so rapidly.

More than 50 trips to various Italian cities and regions later, the founders realised that bringing European design and Indian craftsmanship together is what creates the kind of previously unseen synergy they were aiming for. Scarlet Splendour successfully transcends geographical borders while staying true to its mission: to preserve the artisan traditions of India and open them up to the rest of the world through top international design.

Above: The Ciuco Cabinet by Matteo Cibic is a decadent conversation piece.

The pieces, whose design link to India is mainly in the colours and certain design details of the whole, veer between surrealism, absurdism, Art Deco, the playful works of artists like Barry Flanagan and Jeff Koons, and not least, functionalism, although in time, perhaps, they themselves will become an “ism”.

Each piece is startling: “For us the drama is all about standing out and creating impact”, and each has been designed by the founders or their top-notch collaborators and made to the highest standards of Indian craftsmanship. Each also has an element of fun, from the rabbits’ heads and ears on otherwise fairly sober drinks cabinets to the outrageous shapes, doors and other details. To see their Madame Verdoux cabinet from the Vanilla Noir collection, for example, is to both have a laugh at the absurdity of a two-metre high water bottle and to look into the colonial past of India itself. To see the spidery legs on their Nika Zupanc pieces, which seem to float above the floor, is to realise the genius of 1950s furniture design, and to see the 88 Secrets Bar cabinet is to know that these people have a fine respect for the Art Deco period. Plainly put, they know their stuff.

Above: Siblings Ashish Bajoria and Suman Kanodia

UDesign talked to Ashish Bajoria shortly after the release of the brand’s latest collection, which brings together designers from Italy, Slovenia and Holland.

The motto of your company is “Craft, drama and luxury”. Where does the drama fit in?

Each product is hand-made, each is a luxury piece, and each is dramatic and maximalist as well. We know it creates a certain drama in the space around it, wherever it is. For us the drama is about standing out and creating impact. I don’t want to call them statement pieces, but they are indeed dramatic.

Turin’s Icona Design last popped up on our radar with an insanely expensive, v8-engined supercar prototype called the Vulcano whose entire bodywork was fashioned from raw titanium. Now, it’s back with an electric yacht design inspired by «the numbers of nature.»

The Icona Fibonacci, a catamaran design out of Turin, Italy 

Icona Design

The Icona Fibonacci is an asymmetrical catamaran. Its chief nod to the Fibonacci sequence would appear to be a pair of sprawling ornamental staircases that wrap themselves around the sides giving access to the flying upper deck and the helm. It might have made more sense to call it the Steinway because its roof lifts off like the lid of a grand piano and the overall shape reminds us more of that than of a seashell.

Still, this 55-footer (16.7 m) is a beauty to look at in the renders, reasonably compact but with defined areas for socializing, sunbathing and below-deck privacy.

The Fibonacci is a 55-foot asymmetrical catamaran concept with 400 kW of electric propulsion
Icona Design

It would be powered by a pair of 200-kilowatt (270-hp) electric motors, running off a pair of 340-kWh battery packs that make it suitable for weekend cruises with around 12 hours of cruising and another 12 hours of sitting about enjoying yourself. Pure range would be about 150 miles (240 km) when cruising at 10 knots (11.5 mph, 18.5 km/h). Charging could supposedly be accomplished in 20 minutes according to the company, but that seems like a ludicrous miscalculation to us.

Extending the range may be possible using a polymer electrolyte hydrogen fuel cell arrangement that keeps things relatively eco-friendly while seriously upping the energy density – although you’ll have to give up some space below deck to go that way.

Will this one make it to the prototype stage, or will it merely serve as a portfolio piece for Icona and its partners Hydrotec, Terra Modena, ASG Power and Studio RPR? It’s hard to say, but it sure is a nice thing to look at.

Un extracto del libro “Impression d’Ailleurs” Editions de L’Aube de Philippe Starck con Gilles Vanderpooten

“El legado del surrealismo es interesante: la posibilidad de hacer la realidad absurda fue muy liberadora y fértil. La tensión, la explosión, la chispa de este telescopio es brillante. Podemos encontrarlo en el ejemplo del cuarzo cuando se presiona para obtener electricidad. Si usted frota dos piedras juntas que son completamente contradictorias, de ellas saldrá un tercer elemento.

PHILIPPE STARCK – SURREALISMO SEGÚN STARCK

SURREALISMO SEGÚN STARCK

El interés del surrealismo es que es “divertido”. Es un buen boleto de entrada para poesía, distanciamiento, puesta en perspectiva, en realidad y humor, rebelión, subversión …

Se podría decir que estoy empleando “neo-surrealismo” cuando uso estilos que no coinciden u objetos que no deberían estar donde están. Son como los despertadores que llamo “sorpresas fértiles”. Las trampas están premeditadas para que el ojo de rutina sea despertado por una anomalía. Como no considero las características culturales, no me importa: puedo hacer cualquier cosa. Soy muy libre en mi creación. En mi proceso de trabajo, aparece naturalmente un catálogo de anacronismos, incongruencias, que uso a medida que avanzo. Mi único talento es que mi catálogo no viene de la nada y si todo está bien, no es por casualidad. Se deriva de una estrategia subyacente, un deseo, una premeditación del efecto sobre el otro.

En el surrealismo, podemos observar un efecto óptico, subjetividades, un estado febril o incluso una sensibilidad excesiva. Pero lo real, a pesar de su esencia de un cóctel improbable que se agita en todas las direcciones, orientado más o menos torcido, es lo suficientemente interesante como para no necesitar imaginar en vano un más que real “. Philippe Starck

Donde plasmó todas sus teorías arquitectónicas, entre ellas el “bio-realismo” señalando la relación entre arquitectura y salud. Kettal presenta la estructura VDL Penthouse, de 12×4 m, manteniendo intacta la distribución interior original de la obra y también en una versión con el interior diáfano. Bajo la supervisión de Dion Neutra, su hijo, se han actualizado las técnicas constructivas y los materiales, respetando todos los detalles. Se ha desarrollado un sistema domótico para el control de la iluminación, aire acondicionado, calefacción etc…

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“La caja se abre totalmente mediante las puertas correderas, de modo que las habitaciones reales de la casa son los espacios del jardín. La casa, en su libre relación con el terreno, los árboles y el mar, está en constante proximidad con el vasto orden de la naturaleza, que actúa como orientador y ‘amortiguador de shocks’ Y debería dotar de la relajación necesaria tras las complicaciones de los problemas diarios.” R. Neutra

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Kettal presenta la estructura VDL Penthouse, de 12×4 m, manteniendo intacta la distribución interior original de la obra y también en una versión con el interior diáfano. Bajo la supervisión de Dion Neutra, su hijo, se han actualizado las técnicas constructivas y los materiales, respetando todos los detalles.

Se ha desarrollado un sistema domótico para el control de la iluminación, aire acondicionado, calefacción etc…

Richard Neutra construyó su casa gracias a una donación del filántropo holandés Dr. Van Der Leeuw (de ahí el acrónimo VDL). Esta casa es un ejemplo particularmente importante del trabajo de Richard Neutra porque encapsula todas las teorías arquitectónicas que planteó por primera vez en su libro Wie Baut amerika ?, 1927 y más tarde en sus reflexiones más filosóficas Survival Through Design, 1953.

Siete años después, cuando la familia había crecido, construyó un anexo en el jardín. En 1963, la casa fue devastada por el fuego, dejando solo el anexo en pie.

En ese momento, Richard Neutra y su hijo Dion Neutra reconstruyeron la casa y agregaron un solarium / atico en la parte superior de la estructura original. Incorporó todo lo que había aprendido a lo largo de los años en esta reconstrucción: modularidad, control del clima natural, techos de agua, interacción con el entorno natural, avances tecnológicos, etc.

 

Richard Joseph Neutra (Viena, 1892 – Wuppertal, 1970) fue un arquitecto y teórico austriaco-estadounidense. Se graduó de la Universidad Tecnológica de Viena en 1912. El encuentro de Neutra con Adolf Loos, a quien consideraba «el maestro al que le debo todas mis ideas sobre arquitectura», en 1910 desempeñó un papel fundamental en su educación. En 1923 se mudó a los Estados Unidos de América.

Mientras estaba en Chicago, Neutra conoció a Louis H. Sullivan, quien estaba en el último año de su vida, justo cuando el maestro estaba completando su principal trabajo teórico y testamento cultural, La autobiografía de una idea, que se publicó en 1924. Más tarde, durante Durante una breve estancia en Taliesin en 1925, colaboró con el influyente arquitecto Frank Lloyd Wright.

Su poesía, basada en la estrecha relación entre arquitectura y habitante, contribuyó ampliamente a la definición del «estilo de California», que se convirtió en un fenómeno mundial en la década de 1950.

Dion Neutra, nacido el 8 de octubre de 1926, es un arquitecto y consultor modernista y de estilo internacional estadounidense que comenzó a trabajar con su padre, Richard Neutra (1892-1970). Dion comenzó a entrenar con su padre a los 11 años. Mientras asistía a la Universidad del Sur de California, pasó su tercer año estudiando en el extranjero en el Instituto Federal Suizo de Tecnología, y se graduó cum laude.

Richard y Dion Neutra Architecture han estudiado la notable relación entre el hombre, la naturaleza y la arquitectura durante 90 años.

copyright © J. Paul Getty Trust. Getty Research Institute, Los Angeles (2004.R.10).  VDL Research House II

 

 

 

 

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Piensa en un paraíso de color pastel donde nunca quieres irte. Kelly Behun diseñó el ambiente al aire libre de lujo perfecto donde estos propietarios seguramente pasarán la mayor parte de su precioso tiempo en familia. Con un toque femenino y lleno de muebles de arte de la galería de arte Future Perfect, que adorna por completo este lugar exterior y hogar de lujo en general, este proyecto de diseño de interiores seguramente tiene la marca registrada de Kelly Behun en todo el proyecto de diseño moderno.

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En este diseño al aire libre, el mobiliario moderno reina absolutamente. Todo es diferente, pero al mismo tiempo, todo va perfectamente junto. Es una mezcla de estilos y colores pasteles donde el rosa definitivamente prospera y toma el escenario perfecto. Esta es Kelly Behun, una diseñadora de interiores que crea lugares femeninos únicos a través de colores suaves que dan cierta delicadeza al producto final de diseño contemporáneo. ¡Es una experiencia maravillosa!

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Kelly Behun creció en Pittsburgh, PA, y asistió a la Wharton School de la Universidad de Pennsylvania. Ahora es reconocida como una de las mejores diseñadoras de interiores que inspira al mundo con su gusto de alta gama. Es probable que sea la única acólita del mundo de Andrée Putman, Philippe Starck e Ian Schrager. La diseñadora con sede en Nueva York, Kelly Behun, crea espacios que combinan la elegancia con un poco de locura para clientes de alto perfil como Ian Schrager, Ivanka Trump y Wendi Murdoch.

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Para este diseño de lujo, era importante elegir los muebles de exterior más perfectos y exclusivos. Como se trataba de un proyecto que se centraría principalmente en el exterior, Kelly Behun centró toda su creatividad y fuerzas de diseño en el área exterior. La inspiración fue infinita debido al increíble paisaje que rodea la propiedad, un detalle muy importante, que estamos seguros de que alimentó completamente la inspiración del diseñador.

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Diseñados a principios del siglo XIX por Charles Percier y Pierre Fontaine, arquitectos líderes de la época, los edificios de cuatro pisos se completaron a mediados de la década de 1830. Hoy en día, los apartamentos en el interior ofrecen algunas de las vistas más espectaculares en cualquier parte del corazón de París, con vistas al icónico barrido desde la Place de la Concorde hasta el Louvre, y Jean Louis-Deniot decidió rediseñar por completo esta casa de lujo y dársela un aspecto «más fresco».

El techo y las paredes con bóveda de cañón recién impartidos en el hall de entrada están revestidos completamente de mármol de Carrara. Presidente, R&Y Augousti
Su replanteamiento del apartamento de 2,000 pies cuadrados es un estudio de refinamiento, una mezcla hábil de lo clásico con el diseño contemporáneo que comienza en el hall de entrada.

Jean Louis-Deniot's Empire-Era Elegance In A Parisian Luxury Home JeanLouis Deniots Empire Era Elegance In A Parisian Luxury Home 2
Los paneles Louis XVI y el parqueterie point de Hongrie son originales. Sillas, Saporiti Italia (s. XX). Obra abstracta, René Galassi.
«Expande el espacio y crea una sensación de drama», dice Jean Louis-Deniot sobre los altos techos y paredes en mármol de Carrara.
El uso del mármol es un estilo y un acento muy característicos en la era francesa y es por eso que el mejor diseñador decidió introducir este elemento en este glorioso proyecto de diseño de interiores. En esta división de habitaciones, no hay iluminación natural y es por eso que el uso de un piso más oscuro y techos y paredes claros hacen que la entrada se vea más grande.
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Una barra de plata y oro en la sala de estar iluminada por la luna como la sala de lavandería. Los accesorios del bar, los frisos originales con temas musicales de Margot sobre las puertas de la sala de estar aportan un contraste lírico a las obras de arte modernas.
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Un sofá curvo personalizado y mesitas de porcelana rosa (Djim Berger) se mezclan con un sillón bergère atribuido a Georges Jacob. Silla de almeja, Philip Arctander.
¿Busca maneras de replicar esta moderna sala de estar?
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«La yuxtaposición de elementos que normalmente no se unen hace que todo se sienta más emocionante», dice el diseñador.


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Los pisos en el baño principal se inclinan en tres dimensiones gracias a un ingenioso arreglo de mármol de Tarquin y Carrara ideado por Deniot. Art, Jérôme Robbe
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El revestimiento de madera en el dormitorio principal es de granito pintado de imitación; La tapicería de la pared está diseñada para parecerse al mármol. El colgante lacado «hip hop» es de Hervé Van der Straeten, conocido por su refinada alegría.
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Deniot trasladó una estantería Maison Jansen del comedor a la biblioteca y luego repitió sus detalles metálicos en el revestimiento y añadió tapicería de pared de tweed. Una alcoba con adornos dorados fue diseñada como una pequeña galería para una escultura figurativa de Philippe Valentin.

Esa filosofía también definió el enfoque de Deniot hacia la sala de estar. Después de crear un telón de fondo tradicional con una boiserie del siglo XVIII pintada de gris, equipó el espacio casi por completo con muebles de diseño moderno y de mediados de siglo, incluidas piezas de su propio diseño, como una mesa de cóctel en forma de trébol y un sofá con curvas, cubierto por Vladimir Kagan – Esque. en un bouclé de Raf Simons sutilmente moteado que Jean Louis-Deniot compara con la alta costura.

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La mesa y las sillas son de época. Alfombra, Galerie Diurne Un mural de grisaille de Florence Girette es un riff contemporáneo de los papeles pintados escénicos producidos por Zuber a fines del siglo XVIII.
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Los gabinetes superiores equipados con revestimientos de églomise con espejo «casi parecen persianas venecianas», señala el diseñador. Range, La Cornue
La paleta de la habitación, como en todo el apartamento de lujo, está dominada por tonos suaves y ahumados, con algunos detalles coloridos como arte y muebles modernos para darle un toque más divertido al proyecto de diseño de interiores.


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Con más de 40 años de experiencia a la vanguardia de la industria del diseño, Kelly Hoppen es uno de los diseñadores de interiores más famosos y buscados del mundo. Fue su implacable pasión por el diseño a los dieciséis años lo que inició su carrera icónica. El estilo mundialmente reconocido y en constante evolución de Kelly se define por una sutil fusión de Oriente y Occidente; Líneas limpias y tonos neutros, intuitivamente equilibrados con una opulenta calidez.

KELLY HOPPEN, DISEÑADORA DE INTERIORES PARA LAS CELEBRIDADES

KELLY HOPPEN, ES UNA DE LAS DISEÑADORAS DE INTERIORES MÁS FAMOSAS Y BUSCADAS DEL MUNDO

Su manera de entender y concebir los espacios ha creado escuela. Kelly Hoppen (Johannesburgo, Sudáfrica, 1959) lleva más de 40 años defendiendo un interiorismo ‘british’ basado en los tonos topo y la decoración vintage.

Viajera incansable y amante del arte y la palabra, sus creaciones combinan la riqueza del mundo occidental con el exotismo de la cultura oriental.

Su labor e implicación con el diseño concuerda con la filosofía de PORCELANOSA Grupo, que otorgará el Premio Honorífico por su labor profesional en la gala de los XII Premios Premios de Arquitectura e Interiorismo.

La cartera de Kelly cuenta con una selección diversa de proyectos que abarcan las últimas cuatro décadas. El equipo de Kelly ha puesto su sello en las casas, yates, hoteles y aviones de clientes privados de todo el mundo, incluidas las direcciones muy solicitadas y exclusivas en China en la Bahía de Shenzhen al crucero más impresionante hasta la fecha con Celebrity Cruises Edge Class; redefiniendo los viajes por mar.

Kelly tiene el honor de recibir numerosos premios de diseño y en 2009 recibió un MBE por sus servicios de diseño de interiores.

Autor de nueve libros de diseño, Kelly también es una personalidad de la televisión, que aparece como inversionista en Dragon’s Den de la BBC, un juez en el Great British Design Challenge, y más recientemente como candidato a Celebrity Apprentice en ayuda de Comic Relief.

Su gran oportunidad llegó a los 16 años, cuando un amigo de su padre le pidió que diseñara su cocina. “Fue mi primer encargo y desde entonces no he parado”, me comenta. “Mi pasión fue en aumento y los proyectos se multiplicaron”.
Kelly ha alcanzado el estatus de icono y su sello contemporáneo queda patente en numerosas propiedades de alto nivel, aviones privados, superyates y proyectos comerciales en todo el mundo.

Kelly está muy solicitada y en la actualidad trabaja en unos 50 encargos. Cuando no está diseñando interiores, está ocupada escribiendo libros, ideando productos para su tienda online, apoyando a empresarios e invirtiendo en nuevos e innovadores negocios.

Su filosofía de diseño
Esta diseñadora de interiores, de renombre mundial, es famosa por su preferencia por el color gris topo y el minimalismo. Asimismo, trabaja habitualmente con colores neutros, característicos de su estilo vintage, en el que aúna lo oriental y lo occidental.

“Me gusta la sencillez de esta paleta. No solamente resulta fácil trabajar con ella y combinar diferentes colores, texturas y telas, sino que rezuma lujo. Estos tonos complementan cualquier toque de color o elemento especial que quieras añadir a la habitación”.

Inspiración, inspiración, inspiración…
El trabajo de Kelly se ha visto influido tanto por la capital británica, donde reside, como por los viajes que realiza al extranjero.

“Los viajes me inspiran muchísimo. Viajo a muchos lugares maravillosos por trabajo y todos ellos me inspiran. Viajo con regularidad al Lejano Oriente, América y Europa. Me apasionan la tranquilidad, armonía y modo de vida de la filosofía oriental”.

One Shenzhen Bay”, en China

One Shenzhen Bay”, en China

Uno de los últimos proyectos de Kelly, la reina del color topo, es “One Shenzhen Bay”, en China, y constituye un extraordinario proyecto de una enorme magnitud. Lleva el lujo atemporal hasta las máximas cotas y despliega su icónica filosofía de diseño consistente en líneas estilizadas y puras y una sutil fusión de detalles occidentales y orientales.