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En el corazón del Triángulo de Oro en París, Stéphanie Coutas ha inaugurado su primera galería de diseño. A dos pasos de prestigiosas casas de subastas, en un distrito donde se encuentran prominentes gurús del lujo y el arte, la reconocida diseñadora de interiores Stéphanie Coutas comparte su primer espacio de exposición dedicado exclusivamente a la creación

El parquet de Versalles en roble macizo y las molduras de corona de alto brillo envuelven la galería en un lujo renovado, posicionando el espacio como escaparate para el arte el lujo y una avezada visión del diseño interior.

Tras años creando piezas de interior personalizadas para firmas de todo el mundo, Stéphanie Coutas ha creado su primera colección de muebles e iluminación con su propia nombre. Y los presenta ahora en su nueva galería donde, por primera vez, reúne numerosas creaciones de mobiliario e iluminación asociadas al arte contemporáneo. La interiorista  rinde así  homenaje a las artes decorativas francesas honrando los materiales nobles y su reconocido savoir-faire.

Una reflexión sobre el mármol y el bronce, los dos materiales que marcan estilo neoclásico y contemporáneo que abarca todos los períodos y tendencias de las artes decorativas con su toque personal innovador y atrevido

En el interior de la galería, es una espectacular puesta en escena donde cada pieza es excepcional, distintiva e innegablemente llamativa. La escultura se une a la función en la exquisita lámpara Maïa, mientras que un candelabro a medida diseñado para Baccarat ilumina los altos techos de la galería. La mesa Olympia de mármol cepillado y bronce invoca una elegancia mínima, y el metal hábilmente curvado se combina con el mármol texturizado en el llamativo buffet aparador Ares. Las plantas  traen el exterior al interior y conviven con algunos de sus bellos diseños inspirados en la naturaleza.

El excepcional saber hacer es una fuente inagotable de inspiración para mí, y esta galería refleja y revela esta expresión moderna.”

Stéphanie Coutas

De igual manera que en su trabajo como diseñadora de interiores en viviendas y residencias, Stéphanie Coutas  ha organizado el interior de la galería dándole su impronta y sello personal. Su  experiencia le ha llevado a emparejar piezas extraordinarias con algunas de sus favoritas contemporáneas. El banco de Kensington en nobuk y metal evoca una elegancia robusta junto con la obra de Joanna Pousette-Dart, y frente a él, los bronces patinados del renombrado escultor Michel Rico aportan dimensión y profundidad a la suntuosa mesa monegasca de mármol esculpido.

Todo un espacio artístico en sí mismo, la Galería Stéphanie Coutas invoca un homenaje vivo a las artes decorativas francesas. Combinando su inigualable saber hacer con materiales únicos y nobles, Stéphanie aborda la elegancia y la forma, en el estilo personal que le  caracteriza.

Stéphanie Coutas

La entrada Stephanie Coutas: una galería de diseño en el corazón de Paris se publicó primero en teresaherreroliving.com.

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Showcasing the best design brands and art galleries from across the globe, Design Shanghai provides a unique and exciting platform to network and establish long-term business relations with Asia’s top architects, interior designers, property developers, retailers, and private buyers. Inspiration and Ideas brings to you a fine selection of the most incredible furniture design brands that will be showcasing their iconic modern design pieces from 26-29 November 2020 at the Shanghai World Expo Exhibition & Convention Center.

CONTEMPORARY DESIGN HALL

Contemporary design hall offers an invaluable opportunity for international brands to engage with Asia’s most influential and highly regarded architects, interior designers, property developers, retailers, and private buyers. The contemporary design hall is a hub of the leading international and local high-end design brands, together with talented emerging design brands and independent designers.

Bolon

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Bolon is an international design brand, designing innovative flooring. Founded in 1949, Stockholm, since then Bolon has kept its innovative spirit in the environment and modern design.

Zanotta

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Zanotta’s legendary story has lasted more than sixty years, it’s about instinct, record, adventure, and curiosity. As one of the most important leaders of the industrial design world, it believes in “production culture and value” and guides the luxury furniture design industry to development thanks to its artistic and highly creative masterpieces.

Tonin Casa

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Harmony in the composition is Tonin Casa’s distinctive characteristic, and it is capable to last through time, never forgetting that techniques and materials are nothing without the love for one’s own creations.

See Also: Design Events To Be Excited For Until The End Of The Year


Soleil Sofa   news pieces 2 soleilsofa

WOWDSGN

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Focusing on every user’s life at home, WOWDSGN brings users affordable exquisite design and immerses life-lovers with infinite artistic inspirations and excellent user experience.

DAQICONCEPT

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In Chinese, the name DAQI means “taking time to become great and grown-up”, which emphasizes that the best things in life require layers of experience and special decorations. Are you excited to visit this stand at Design Shanghai?

Frank Chou

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Frank Chou Design Studio which was founded by Frank Chou now has become the most representative independent design studio in China. The studio tries to balance aesthetic differences between the East and West through a unique perspective and to find the Chinese modern design expression which is also synchronizing with the international design. 

Gervasoni

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The aesthetic standards and production techniques have changed over the years. Not the passion for beauty and artfully made. Attention to detail, the use of natural materials crafted with mastery, suggestions of places near and far remain the hallmarks of Gervasoni products.

King Living

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King Living is Australia’s most awarded furniture company holding the highest number of patents and design registrations in Australia.

Kun Design

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At KUN DESIGN, we create outdoor furniture and accessories that embody the contemporary era. Their products are developed from materials that retain the integrity of outdoor furniture without compromising the sophistication of indoor furnishing.

Check the full list here!

See Also: Modern Interiors’ Ideas For The Most Relaxing Areas Of Your Home


Angra Sideboard   news pieces 2 angrasidebard

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When it comes to design events this is a very atypical year, so most exhibitions will make a detour to the online form and showcase its beautiful luxury design pieces on various platforms that somehow, provide an alternative to such uncertain times. Today, Inspiration and Ideas brings to you a handful amount of design events that until de end of the year, will be thriving whether online or presently with all the safety precautions taken so you can still enjoy all the wonders of luxury furniture and modern design.

DOWNTOWN DESIGN

November 9 – November 14 (Virtual event)

Adapting to new realities and current shifts, this year’s editions of Downtown Design, will present designers and creatives investigating themes related to the locality, collective work, future imagining, and sharing of public space under physical and mobility restrictions.

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DECOREX

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For the first time in its 42-year history, one of the most well-known design eventsDecorex, is adopting an all-virtual format that involves 3 days of networking, inspiration, and specification online. Taking place 17-19 November 2020, attendance for Decorex Virtual is free.

17 – November 19 (Virtual event)
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FORT LAUDERDALE INTERNATIONAL BOAT SHOW

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The Fort Lauderdale International Boat Show is moving forward as planned. The health and safety of FLIBS’ staff, exhibitors, and visitors is of the utmost importance and as such will follow the industry-wide AllSecure standards created and implemented by Informa in coordination with association partners. The 61st annual Fort Lauderdale International Boat Show is taking place on October 28 – Nov 1, 2020.

October 28 – Nov 1
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See Also: Top Designers That Lead You On A Never-Ending Design Journey


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SLEEP & EAT

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For 15 years, Sleep & Eat has been the destination for the hospitality design community to connect. Returning for the first time in an all-virtual format, from 17-19 November, Sleep & Eat Virtual will bring the hospitality design industry together once more for video meetings, speed networking, knowledge-sharing, and inspiration.

17 – November 19 (Virtual event)
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DESIGN MIAMI

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This December, Design Miami is proud to launch its new Podium program, a selling exhibition concept that presents collectible design from both leading art galleries and independent design studios, curated by Curatorial Director Aric Chen. 

November 27 – December 6 (Live Event)
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FRIEDMAN BENDA EXHIBITION

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Faye Toogood [British, b. 1977]
Maquette 259 / Canvas and Foam Seat, Rust (Prototype), 2020
Primed, washed canvas, upholstery foam, fabric paint
27.5 x 70.75 x 53 inches
70 x 180 x 135 cm
Edition of 8

On November 5, Friedman Benda will open an expansive art exhibition called What Would Have Been. On the heels of a tumultuous and unprecedented cycle of global design events, the art gallery will share a trove of modern design from over 30 studios filled with modern artists originally destined for exhibition in galleries, fairs, and museums across five continents.  

November 5 – December 12
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Jonathan Trayte [British, b. 1980]
The Dream (Chandelier), 2020
Polished bronze, frosted glass, light fittings
167 x 25 x 100 cm (variable)

DAVID GILL GALLERY’S EXHIBITION

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David Gill Gallery’s Spring Group Show presents key pieces of modern and contemporary art and design. Works by Dame Zaha Hadid, Sir David Chipperfield, Fredrikson Stallard, Mattia Bonetti, Lena Peters, Sebastian Brajkovic, Francis Sultana, Barnaby Barford, Garouste & Bonetti, Campana Brothers, Michele Oka Doner, Sebastian ErraZuriz, Milena Muzquiz and more.

16 Mar – 31 Dec 2020
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GALLERY FUMI EXHIBITION

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Gallery FUMI’s new exhibition gently reflects this new position, with its interior reconfigured as a contemplative domestic space. “We’ve all been through significant changes this year,” say FUMI’s cofounders Sam Pratt and Valerio Capo, “and we’re taking many things a lot less for granted – including beautiful works of design which are here to enrich our worlds.

17 September – 31 December 2020
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Excited for these design events?

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In this High Point Market 2020, there are many trends you’ll be able to find that will be used in all the major design projects by top interior designersHigh Point Market‘s Style Spotters give us a little sneak peek of the design trends you’ll find at this event!

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Twice a year, in April and October, High Point Market is ready to inspire you with interior design trends. Even though this year, in April, the design event was canceled due to the pandemic, there is still much to see in October, with a design program that you’ll have the opportunity to see in person with all the safety protocols, but also with digital showrooms and workshops. Check out below the High Point Market 2020 trends you’ll find at this event and the forecast for the 2021 trends!

Curvilinear Lines

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Rachel Cannon, one of the Style Spotters, mention the newest trend of curvilinear lines in interior design. Interesting lines and a nostalgic feeling towards curvy furniture from the mid-century style, make for a trend we definitely wish to continue seeing in 2021. With a focus on staying home, that we’re sure will also continue next year, warm and inviting luxury furniture with curvilinear lines surely will steal your heart this year.

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Odette Sofa By Boca Do Lobo
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Contemporary Sideboards

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Soho Sideboard By Boca Do Lobo
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According to Nancy Fire, one of the Style Spotters, sideboards with a contemporary design and clean lines will be the “it” furniture piece for 2021. A piece that mixes organic vibes, creativity, and nostalgia will be the designer’s go-to for next year. If we’re changing the design to match our needs to stay home, this design trend showcased at High Point Market will definitely match every design lover’s needs, both in function and style.

Stunning and Modern Sideboards To Revamp Your Dining Room's Design modern sideboards Trendy and Modern Sideboards For Your Luxury Dining Room Celebrating 15 Years of Luxury Design New Ebook by Boca do Lobo Celebrating 15 Years of Luxury Design New Ebook by Boca do Lobo
Stunning and Modern Sideboards To Revamp Your Dining Room's Design modern sideboards Trendy and Modern Sideboards For Your Luxury Dining Room Celebrating 15 Years of Luxury Design New Ebook by Boca do Lobo 8 Celebrating 15 Years of Luxury Design New Ebook by Boca do Lobo 8
Lapiaz Sideboard By Boca Do Lobo
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Modern Patterns

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Eden Center Table By Boca Do Lobo
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Patterns will always get us excited, and, for next year, you’ll find that modern patterns with neutral tones are the way to go. You’ll be able to successfully complete your decor in a stunning and elegant way. There is no going wrong with patterns like this, whether you add it to a rug, an armchair, or even on wallpaper.

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“Back to Basics” forma parte de Virtual Design Destination, una acción que organiza la galería online Adorno y que este año ha mostrado virtualmente al mundo catorce muestras de diseño de catorce países diferentes durante el London Design Festival Bajo la temática “The New Reality”. La colección española “Back to basics”  de Adorno se inspira en el momento de reflexión creado por la pandemia para explorar un camino hacia lo básico y el diseño sostenible.  Está comisariada por la periodista Ana Domínguez Siemens  y formada por obras de Álvaro Catalán de Ocón, Belén Moneo, Inés Sistiaga, Inma Bermúdez, Júlia Esqué, Lucas Muñoz, Martí Guixé, Mayice Studio, Studio La Cube, Studio todo to do, y Tornasol Studio. Y ha contado con el patrocinio del Museo Nacional de Arte Romano de Mérida, Accion Cultural Española y Dekton by Cosentino.

“Back to Basics nace tras esta experiencia que nos ha obligado a parar, reflexionar y descubrir las infinitas posibilidades que nos pueden proporcionar las cosas más simples, las cosas básicas. Back to Basics  fue algo que ocurrió de forma natural, fue una sensación de huir de cualquier cosa artificial o ‘fantástica’, sentí la necesidad de mirar más a lo humano, más al trabajo en la tierra.”En general son piezas que reutilizan elementos ya existentes o que introducen innovación dentro de una técnica tradicional. Es una forma de experimentar el diseño desde un momento de reflexión, de parar y observar lo que nos es afín, lo que tenemos a mano, sin precipitaciones, sin grandes gestos

Ana Domínguez Siemens. Periodista y comisaria de la exposición

“Back to Basics” que pudo verse un el domingo 20 septiembre de una forma virtual, con las obras suspendidas sobre unos zócalos realizados por Cosentino con su revolucionario producto Dekton. Si no lo pudistéis ver, aquí os dejamos un pequeño avance. Podéis verla completa en la web del evento. Y, además todas las piezas están a la venta en la galería digital Adorno. especializada en  diseño coleccionable y artesanía,  encargó a catorce comisarios  que reflexionaran sobre experiencias, pensamientos y temas concretos acerca del “parón” para plasmarlo posteriormente en sus colecciones nacionales. El objetivo es que el diseño se convierta en herramienta para el cambio y aporte resultados e innovadoras soluciones a la nueva realidad.

Os muestro aquí a los diseñadores españoles seleccionados y sus proyectos:

Inés Sistiaga: Trip Collection

En esta colección Inés explora el color y la materialidad de la lana en composiciones gráficas que no representan más que los movimientos de sus manos mientras garabatea intuitivamente. Ella los ve como pinturas rápidas que se traducen cuidadosamente en hilo; líneas que pertenecen a movimientos de la mano escaladas a tapices textiles. Compara la creación de estos paneles con un paseo sin destino. Esta falta de rigor desaparece cuando empieza a hacerlos, los mechones en su estudio de Madrid con una pistola de hilo. El esfuerzo físico y la concentración que requiere este proceso, le parece un mantra. El sonido y el movimiento de la máquina, la velocidad y la tensión del hilo, y los límites dibujados a mano que marcan la composición, son el motivo de este viaje simbiótico entre ella y la máquina. Hecho a mano con lana de oveja holandesa teñida naturalmente. Acabado con lana “Latxa” del País Vasco.

Lucas Muñoz Tubular Chair (Edición especial)

Producida con conductos de ventilación y conectores estándar, además de una pieza de cuero colgante, esta edición única ha sido ilustrada por Antigoon, un street artist holandés. Lucas Muñoz

Álvaro Catalán de Ocón. ACdO. CU. Ceramic Vases

“CU”, es una colección de piezas creadas en cerámica, cobre y sílice con una técnica innovadora donde, como una especie de alquimia, cada pieza se transforma en un nuevo objeto en el que los colores y las líneas que lo adornan emergen de forma absolutamente única a través del proceso de cocción. Álvaro Catalán

Júlia Esqué. Narciso Mirror

Narciso” es tanto un espejo funcional como lúdico, ofrece nuevas dimensiones dentro de su interacción. Inspirado en los espejos biselados, tiene cinco planos separados. En consecuencia, cada cara interpreta una nueva realidad, reflejando vistas impredecibles del entorno. Hecho de una placa de acero inoxidable doblada, pulida en la parte delantera y cepillada mate en la parte trasera. Proyecto encargado por el Estudio Reisinger.

Martí Guixé. Respect Cheap Furniture  (Respetar los muebles baratos)  (7/50)

Silla de plástico monobloque de Turquía, pintura acrílica, inscrita con un marcador: Respect Cheap Furniture. Edición limitada de 50 +5 ap. Cada uno firmado y numerado. Marti Guixe

Studio La Cube: Trigo Perro Roca R4

Dicen Stefano Fusani y Clara Hernáncez:  ¿Alguien conoce a la naturaleza?.

La naturaleza que nos rodea diariamente es, o naturaleza humanizada (intervenida, afectada), o falsa naturaleza (creada directamente): cada estado revela una profunda y antigua domesticación del mundo, una adaptación y modelización de éste para las necesidades o ambiciones humanas. Tal vez por esta razón, la naturaleza bruta siempre se ha percibido como sublime y aterradora; todo lo que queda fuera del entorno domus se convierte en un inquietante “otro”. La humanidad necesita domesticarla y darle una función según las reglas de la racionalidad.

El terror y la sublimidad de la naturaleza desconocida sólo sirve para alimentar el misterio del mundo, para crear mitos literarios y dioses incontrolables. El positivismo exige explicación y función. Lo que todo en el mundo sigue el ejemplo del trigo, el perro, la cebada, la cabra, las rosas. El pan, la leche, la compañía, la belleza. Démosle una función y para ello no las tomamos como tales, no esculpimos: hacemos rocas, cambiamos su genética para disponer de ellas a nuestro gusto y necesidad. Hagamos rocas de objetos humanos, hagamos paños. Lleguemos al extremo, convirtamos los minerales en rocas domésticas, que buscan una función, para satisfacer el papel que les hemos asignado. Funcionalidad, belleza, compañía.

Seamos domésticos, comportémonos. Studio La Cuve

Tornasol Studio. Drift Armchair

Inés LLasera y Guillermo Trapiello han  ideado El sillón “Drift” es el resultado de la exploración de nuevas formas de representar la identidad náutica y el verano, construido a partir de diferentes elementos y materiales característicos del mar. Las boyas inflables sirven como respaldo y apoyabrazos de esta pieza. Ensambladas con una construcción ágil y un sistema mecánico, las boyas se insertan en la estructura de tubos metálicos. Tornasol Studio

Inma BermúdezAnother Nature

Esta poética serie de platos ha sido decorada con un lenguaje gráfico contemporáneo: por eso la colección se  Another Nature. Evoca, de hecho, una forma diferente de ver el mundo que nos rodea. La cuidadosa elección de los motivos se basa en una atenta investigación de los ricos archivos del atelier de Este Ceramiche; los animales y las flores, típicos del reconocido patrimonio de  Este Ceramiche porcelana han sido retratados en los platos con un ritmo inesperado para recrear escenas fantásticas. El delicado uso del dorado enriquece la percepción de la vajilla con sus brillantes destellos.

Another Nature es un proyecto desarrollado junto con la firma italiana Este Ceramiche en el marco del proyecto Doppia Firma, que reúne la innovación del diseño europeo y la tradición de la gran artesanía y está creando una colección única de objetos originales y refinados. Se venden individualmente. Cuatro colores disponibles: azul con pez, verde con caballo, marrón con perro y rojo con pájaro. Inma Bermúdez

Studio Todo to do. Obreras Vases

Las hermanas Elena Y Selina Feduchi,  han creado “Obreras” una colección de jarrones hechos con desechos de construcción encontrados en las calles.

La planta que nace de los escombros. Lo aparentemente frágil supera lo irrompible. ¿Por qué un jarrón se asocia con lo femenino? ¿Por qué el trabajo de construcción se asocia a lo masculino? De este contexto, traemos materiales y objetos de las obras de construcción, fríos y anodinos, al contrario, el mundo cálido y afectuoso del jarrón. Proponemos una vuelta de tuerca cambiando completamente el uso por defecto de los materiales de construcción. Studio Todo to do

Belén Moneo. Emérita Shelf

El diseño de la estantería de Emérita se enmarca dentro del proyecto REmix Vol.5 diseñadas en colaboración con BD Barcelona Design.La transparencia de los estantes de plexiglás (nuestro material característico) nos permite ver un bosque de columnas de madera. La rotundidad y solidez de este elemento se magnifica, revelando todas sus poderosas cualidades. Al mismo tiempo, la suspensión y rotación de las columnas, que parecen flotar, desafiando la gravedad, jugando con la percepción del espectador, y aligerando la pieza. Belen Moneo

Mayice Studio. Anello. Edición limitada

Anello”, un diseño de iluminación de círculos concéntricos que proyectan la luz, llenando el espacio en tres dimensiones. Los efectos de luz adornan el espacio en sus parámetros horizontales y verticales. Los tres brazos de aluminio pueden ser ajustables y movibles. Hechos a mano en España con vidrio soplado, aluminio, metal y tecnología LED.  Mayice

Para ver la exposición de España Back to Basichttps://virtualdesigndestination.com/country/spain/ y Adorno

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48 Galerías, con más de 75 artistas, inauguran simultáneamente para poner en marcha el sector. Apertura transforma Madrid en capital del arte contemporáneo durante un fin de semana y así inicia la temporada artística. Apertura Madrid Gallery Weekend se celebra del 10 al 13 de septiembre

Apertura celebra su edición 10+1 y empieza este primer año de segunda década con el objetivo de acercarse y abrirse aún más a otros sectores de creación contemporánea. Habrá visitas programadas y colaboraciones con otras disciplinas,, en concreto este año la danza. las galerías acogerán intervenciones de ocho jóvenes compañías de danza residentes del Centro Coreográfico Canal.

Rosa Brun. DYSNOMIA. 2020. Óleo y acrilico sobre lienzo y madera. 209 x 109 x 16 cm. Galeria Fernandez Braso

 “En un contexto complicado y dominado por la incertidumbre –galerías que han visto mermados sus recursos e ingresos, ferias canceladas, exposiciones suspendidas…, Apertura Madrid Gallery Weekend 2020 cobra aún un mayor sentido en su undécima edición. Es el acto que volverá a poner en marcha el sector del arte contemporáneo

Manuel Fernández-Braso, presidente de Arte Madrid.

Nacho Criado. Mírame Senza Occhi. Galería Álvaro Alcázar

Este año la gran apuesta ha sido la digitalización. Arte Madrid se ha asociado con varios partners tecnológicos para ofrecer, además de la experiencia física, una experiencia 100% digital de Apertura Madrid Gallery Weekend. Gracias a ellos, las 50 exposiciones de las 48 galerías se podrán visitar también de manera virtual, desde cualquier dispositivo y desde cualquier lugar. Se realizarán muestras virtuales, visitas en streaming… se podrá buscar información sobre el trabajo de los artistas, estudiar las obras , incluso, comprar.

Daniel Verbis. El que guarda su boca guarda su alma, 2020. Galeria Daniel Cuevas

Todas las exposiciones de Apertura Madrid Gallery Weekend estarán disponibles, además de en la web de Arte Madrid https://www.artemadrid.com/, en la plataforma de información y venta online Artsy. Como escaparate de la escena cultural madrileña, esta página permanecerá activa durante todo el mes de septiembre, acercando la oferta de Madrid a otros mercados. Las muestras también serán visitables, en recorridos virtuales y en tres dimensiones, a través de Artland una plataforma que permite acercar las propuestas de las galerías a una audiencia global.

Concha Gómez Acebo. Die Stiefschwestern. 2020. Galería Utopía Parkway

En definitiva, vuelven a abrir las galerías como espacios seguros –respetando los aforos y manteniendo los requisitos sanitarios– con lo último en la creación contemporánea, siendo un escaparate para el trabajo de los artistas y queriendo convertirse también en un punto de encuentro del arte con otras disciplinas.

Isabel Muñoz. ST, serie Japón. 2020. Galería Blanca Berlín

La entrada Apertura: Madrid Gallery Weekend 2020 se publicó primero en teresaherreroliving.com.

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Convertir la cotidianidad en pura tendencia. Lo han conseguido el ilustrador Abe the Ape y el fotógrafo  Manu Toro al diseñar un manual visual para los nuevos envases de Pepsi Max, la bebida zero de Pepsi. De esta manera la firma se une a la tendencia creciente de asociarse a artistas y creadores que impriman su personalidad en la comunicación de sus productos

Esta es una campaña dirigida a la reina de las redes, Instagram, de la que me confieso adicta (podéis seguirme en @teresaherreroliving)  y dos creativos que navegan en ella como delfines.  Desde luego, Instagram es la mejor ventana para lanzar un nuevo envase a la medida de influencers y foodies y ellos Abe the Ape y Manu Toro lo han bordado. El ilustrador y el fotógrafo (de los que me declaro súper fan) no podían defraudar en absoluto. Ellos han sido capaces de inventarse un lenguaje visual inspirándose en los envases, con una personal línea línea gráfica. Y de ahí han nacido dos ilustraciones Arty y dos fotos oníricas y con un marcado estilo pop, que descubren cómo sería ‘La comida más instagrameable’ y ‘La cena más cool’ .

“Mi idea era mostrar tanto la lata como la botella de Pepsi MAX de manera conceptual. Para ello, imaginé un mantel de cuadrículas sobre el que colocar una serie de alimentos dibujados en un estilo #MidCenturyModern’ y representando alimentos típicos de la ‘Generación Z’ que van desde las pastas y las ensaladas, hasta el ramen y los pokes”.

Abraham Menéndez (Abe the Ape) , ilustrador, ceramista y personaje locuaz y crítico y comedor de Risketos

Un divertido viaje en el que ilustración y fotografía van de la mano por la senda de lo cotidiano. Porque las dos imágenes que han montado los dos  creativos y que firma Manu Toro escenifican lo que, sin duda, ya tiene garantizado una avalancha de likes. Queda clarísimo que estos eclécticos ejercicios visuales elevan al podio de mesa de autor el almuerzo y la cena de cada día. “La inspiración para recrear estos momentos de disfrute de Pepsi MAX, parte de los conceptos ilustrados por ‘Abe The Ape’ y los hace físicos a través de instalaciones abstractas que reflejan ese momento de sentarse a la mesa”, afirma el fotógrafo.

¿Y esto está al alcance de cualquiera? El osado Abraham dice que sí y  hasta ha dado unos tips para lograrlo: mezclar vajillas, formas y texturas, añadir unos toques de color con los alimentos, agitar hasta que surja algo muy personal, acertar con el ángulo y la toma… ¡y a triunfar en Instagram!

www.abetheape.es
www.instagram.com/manutoro.work

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Tras colaborar con Coperni en el lanzamiento de sus últimas colecciones en Nueva York y en París durante las fashion weekeng, nace este proyecto común de USM y Coperni que se inspira en el concepto WWW (World Wide Web), el sistema público de hipertexto que ya inventó en 1990 por Tim Berners-Lee. A través de la instalación “WORLD WIDE HOME” se expresan los pilares del ADN de ambas empresas.

Coperni interesada en trasladar
al mundo de la moda conceptos como tecnología,
innovación y entorno digital,
y USM que ha basado su cultura de marca en la modernidad, la anticipación
y la conectividad, desde
la creación en 1963 del pionero sistema de mobiliario modular USM Haller.

El proyecto además, pone en práctica parte de las reflexiones llevadas a cabo por USM durante varios años sobre la evolución de los estilos de vida y el trabajo, y los lugares donde estos se encuentran. Ideas que ah ido materializando a través de sus instalaciones. He tenido la suerte de poderlas conocer en profundidad y disfrutar in situ en los, en el stand de USM de los dos últimos Salone del Mobile, en la Designers Saturday de Lagenthal, y además, por supuesto, en las instalaciones de su fábrica de Musingen, muy cerca de Berna.

Este espacio de trabajo aparece completamente transformado: refinado, más imponente o incluso orgánico con elementos agregados en un nivel superior (estantes, reposa libros, etc.)  El escritorio está compuesto por tubos muy cortos y bolas de conexión USM. Las bandejas de trabajo de plexiglás personalizadas proporcionan la funcionalidad necesaria al mismo tiempo que ofrecen la posibilidad de individualizarla de acuerdo con las necesidades del usuario, que puede agregar módulos satelitales también cubiertos con una bandeja de plexiglás.

Trabajo y relax

La escenografía imaginada por Coperni está diseñada en dos espacios:  Un primer espacio de “trabajo”evoca el ambiente de trabajo de los grandes inventores de Information Technology de los años 90. La oficina está en el centro y a su alrededor gravitan elementos como la biblioteca o la impresora.

La monumental biblioteca de USM está inspirada en el código binario y su bit se usa para representar números usando la numeración de posición con solo dos dígitos: 0 y 1.A través de esta pieza, los creadores rinden homenaje directo a los lenguajes de programación y codificación por computadora, alternando de manera repetitiva y sistemática módulos abiertos o cerrados, pero todos de dimensiones idénticas.

El segundo espacio, un dormitorio se ha imaginado como: “un lugar para la reflexión, el descanso y la ensoñación”. Una cama contrasta con un tocador que se eleva hacia el cielo. La cómoda luce en el espacio, sencilla y sobria. Su idea: que el acto de vestirse sea lo más eficiente posible. Cada mueble está diseñado como un lienzo, neutral e infinitamente modular y totalmente personalizable.

Una cama baja está rodeada por 4 mesitas de noche en esquina, formadas por módulos USM Haller en una disposición inusual. La construcción de este conjunto evoca la inmaterialidad de la WEB y más particularmente la ausencia de altibajos. El conjunto es totalmente modular, adaptándose a cualquier tamaño de cama.

La alfombra azul, una evocación directa de la iconografía WEB, reviste los dos ambientes y se extiende verticalmente en la pared del dormitorio. Simboliza la inmaterialidad de la red: sin parte superior, sin fondo. Un mundo sin principio, sin fin, sin antes ni después, así nos lo cuentan y así nos quedamos: totalmente fascinados.

Un tocador con proporciones amplificadas se imagina como un objeto de reflexión que cuestiona el concepto de verticalidad y la voluntad de elevarse. El gabinete está completamente formado por tubos cortos y bolas de conexión USM en las que se injertan módulos externos de acuerdo con la elección del cliente (estantes, reposa-secador, espejo de aumento, etc.).

Más info: USM

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In real life/En la vida real vuelve a abrir sus puertas este mes de junio. Fue una de las últimas grandes exposiciones en inaugurarse en febrero y probablemente, pocos, los afortunados en recorrerla. Ahora, según comunica el museo Guggheim Bilbao se va a prolongar hasta los meses de verano. Así que, apuntadla en la wishlist de actividades post covid.

La Tate Modern de Londres, organizó la
exposición, que después en colaboración con el Guggheim ha viajado a Bilbao
para brindarnos algunas de las instalaciones y obras más emblemáticas del
artista danés-islandés. Comisariada por Mark Godfrey, Senior Curator de International Art, Tate Modern,
y Lucía Agirre, Curator del Museo Guggenheim Bilbao la muestra de Olafur
Eliasson nos anima a reflexionar. A
través de materiales como  musgo, agua,
hielo de glaciares, niebla, luz o reflejos metálicos invita a la participación
y a comprender el mundo

Del interés de Eliasson, un artista integral que aúna ciencia, humanismo y belleza por la percepción, el movimiento, la física y las sensaciones, nace su arte. Desde su estudio de Berlín lanza su preocupación por la naturaleza, inspirada por el tiempo que pasó en Islandia; su investigación sobre la geometría o sus análisis sobre como o percibimos, sentimos y nos enfrentamos al mundo que nos rodea.

La exposición cuenta con 30 obras entre pintura, escultura, fotografías e instalaciones entre 1990 y 2020. Las hay creadas con musgo hielo, niebla, luz y color Son obras que buscan, sus el espectador cuestione su comprensión y percepción del mundo físico. Como aperitivo, os traigo este avance y os sugiero que hagáis alguna de las visitas guiadas, que a puerta cerrada, ha estado haciendo su comisaria y que podéis encontrar en la web del museo y Youtube.

Entre ellas destaca la cascada de más de 11 m de  altura, que en el exterior adorna la fachada del museo. Hecha con un andamio y una serie de bombas (a Eliasson le gusta enseñar los mecanismos) vierte el agua en el estanque del museo. Un primer intento de transmitir la sintonía entre tecnología y naturaleza.  Antes de llegar a Bilbao ha estado expuesta en Sidney, Nueva York, Sao Paulo y Versalles.

Espejos, túneles caleidoscópicos, niebla...

“¿Es real lo que vemos? Los sentidos se pueden ver modificados por muchos elementos, la luz, el color, el espacio…. Esto es lo que nos esta diciendo Eliasson a lo largo de esta exposición”.

Lucía Agirre. Comisaria de la exposición.

Y a continuación nos muestra, una de las piezas estrella de la muestra: Pared de liquen (Moss wall) (1994), una gigantesca pared de musgo, una pared hecha con un liquen de reno (cultivado) que llega desde de Islandia. Una de mis favoritas, precursora de los jardines verticales.

La niebla protagoniza Tu atlas atmosférico de color (Your atmospheric color atlas) (2009) el visitante penetra en una sala multicolor cubierta de niebla. Tres colores, rojo, verde y azul, actúan a  modo de guía visual. La idea que utilicemos otros sentidos ya que la niebla nos impide ver. Observamos como la luz hace que se proyecten las formas interiores.

Otra de mis favoritas: Tu sombra incierta (color) [Your uncertain shadow (colour)]. 2010, nuestra sobre se fragmenta en diferentes colores, nuestras sombras revelan los colores que componen una luz aparentemente blanca proyectada sobre una pared. A medida que te acercas la sombra se funde en un solo color.

‘Habitación para un color’ (‘Room for one colour’), 1997, hace desaparacer los colores. Las lámparas emiten una luz amarilla, que reduce la percepción del color por parte del observador, a marillo, negro y grises. Todo se vuelve de pronto blanco y negro, como en su Islandia natal.

La comisaria destaca en el recorrido la Sala de maquetas Model room (2003) que agrupa cerca de 450 modelos, prototipos y estudios de geometría de varis tamaños. Algunas corresponden a piezas que están en la exposición, otras no se han hecho y otros funcionan como el objeto en sí mismo. Es evidente el gusto del artista por los espejos y los reflejos para que el visitante experimente con su propia figura.

Otra de las salas, totalmente a oscuras, acoge la Fuente Big Bang (2014) que cuenta una luz estroboscópica que ilumina una fuente de agua y hace que el chorro se tenga en una secuencia única a la vez que toma diferentes formas.

Somos Naturaleza

 “We are nature”, ha explicado Eliasson, “somos bacterias, células, átomos… y cuando pensamos en lo que nos compone es cuando creamos cultura”. La naturaleza recorre toda la trayectoria de Olafur Eliasson, conocido por su compromiso con la sostenibilidad, con su entorno natural y social.

Sus obras son un grito de alerta, una llamada de atención que propone cambio de formas en la manera de experimenta el mundo. “Podemos construir un futuro mejor” explica a sus espectadores , a los que invita a experimentar y a tomar partido Así busca el diálogo y la conexión con las personas.  Es su forma de entender el arte, de mirar hacia adelante. Eliasson está convencido de que el arte puede influir en el futuro.

“Estamos a tiempo de redefinir esas estructuras conservadoras, de hacer visible lo invisible, de rediseñarlas, para que el mañana sea mejor que el ayer”.

Olafur Eliasson

Más info: Museo Guggenheim Bilbao y Olafur Eliasson

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Mayrit es festival inclusivo y participativo con diez propuestas articuladas por Miguel Leiro, su director, con un claro objetivo: reivindicar el diseño contemporáneo como un motor cultural que desde Madrid abre horizontes al mundo

En el contexto temporal del Madrid Design Festival, Mayrit nace como una alternativa joven y emergente al margen de circuitos comerciales y oficiales y ha presentado diez proyectos que se alejan del aspecto funcional del diseño y exploran otros ámbitos de la cultura, el pensamiento y la comunicación.. “Mayrit, que significa tierra rica en agua, fue el nombre del asentamiento medieval que dio lugar a la capital”, explica Miguel Leiro. Una metáfora acuática, un guiño, con la que el director del festival quiere explicar cómo “la capacidad artística de los jóvenes creadores es el caudal que nutre y enriquece la ciudad”.

Un torrente que ya veíamos llegar y al que se han ido sumando de forma espontánea muchos diseñadores de distintas partes de España y del mundo que trabajan o pasan temporadas en Madrid. Desde que surgiera Molto molto fuori en 2018, varias muestras daban indicios de que algo emergía…, un entusiasmo por generar nuevas dinámicas y contenidos alternativos con una identidad ‘glocal’, universal, pero también autóctona. La iniciativa del diseñador Miguel Leiro, que ya organizó una muestra de jóvenes creadores en el evento NYXDesign “Errata Books”, en Nueva York, –al que asistió Diseño Interior–, ha reunido a creadores como Tomás Alonso, gallego residente en Londres, o Jorge Penadés, malagueño y madrileño; y pretende potenciar y realzar el papel del nuevo diseño como herramienta de compromiso y cambio: “Igual que el agua enriquecía aquel pequeño enclave en el que se fraguó el origen de nuestra ciudad, continúa Leiro, el talento de los participantes en Mayrit nos guía hacia un futuro incierto en el que el diseño desempeñará un papel fundamental”.

Arranging Porcelain
por Tomás Alonso. Foto Laura San Segundo.

Una antigua carbonería (estudio del artista Aldo Chamorro) el Aparador Monteleón se transforma en un nuevo offspace, y encuentro de reflexión en el arte y el diseño. Participa el diseñador, con base en Londres, Tomás Alonso

Órbitas por Tornasol Studio. Foto Asier Rúa.

Exposición que presentó la obra reciente e inédita de Tornasol
Studio en el espacio Nave Pilarica, un conjunto de objetos y muebles entre lo
arquitectónico y el diseño de producto. Inés Llasera y Guillermo Trapiello
exploran más allá de la funcionalidad variables no tan evidentes como la
identidad material o el valor simbólico de las cosas.

Extraperlo por Jorge
Penadés. Foto: Asier Rúa.

Comisariada
por Jorge Penadés, en la 2º edición de Extraperlo, plataforma curatorial para
lo “inortodoxo, participaron: Matylda Krzykowski, Attua Aparicio, Odd Matter,
Juan García Mosqueda, Fredrik Paulsen, Lex Pott. Objetivo: desafiar los
sistemas, estructuras y códigos que rigen el diseño y ofrecer una alternativa
independiente al margen de los circuitos comerciales e institucionales.

En Mayrit han colaborado artistas, diseña- dores, artdesigners, makers, colectivos… Además de Penadés y Tomás Alonso, Parasite 2.0, Tornasol Studio, Joel Blanco y Julen Ussía, Pablo Ferreira y Andrés Izquierdo, Studio LaCube y Luminous Studio, Koln y Ruge…, todos estos últimos realizando proyectos o acciones conjuntas y participativas. El programa ha incluido una decena de actividades, entre charlas, talleres, exposiciones e instalaciones, como Turning into Red Thin Air, de los madrileños Andrés Izquierdo y Pablo Ferreira, un proyecto inmersivo alrededor de relatos de historias de “metamorfosis” como la de Ovidio; todos con un punto común: una transformación física pero sobre todo psicológica. Un fenómeno que vive perpetuamente en el objeto y se manifiesta como un hechizo en el espectador.

Cenicers Siempre
por Joel Blanco + Julen Ussia. Foto Asier Rúa.

Taller de ceniceros
inclusivo y abierto organizado por los diseñadores Julen Ussía (Amurrrio
1993) y Joel Blanco (A Coruña 1991) en el Espacio Abastos, en el que intentaron
dar forma a los sueños, “en el caso en
que sueñes con ceniceros, explican
” Cada participante creó su propio
diseño.

Por su parte, Habitar el espacio instalativo, el proyecto del estudio LaCube, formado por Stefano Fusani y Clara Hernández, estaba compuesto por dos partes: la instalación Desert Plateau, creada por el colectivo Parasite 2.0 en la facultad de Arquitectura de la UPM, que recreaba un desierto doméstico a través de imágenes y sensaciones, siendo obra y espacio a la vez; la segunda, un workshop para alumnos en la ETSAM. “Hemos montado un desierto, cuna de civilizaciones y religiones, pero en un espacio cerrado y pensando en el calentamiento global”, explica Stefano Fusani, fundador de LaCube Otro de los platos fuertes de Mayrit ha sido Extraperlo, plataforma curatorial en la que su comisario, el diseñador Jorge Penadés, volvió a pedir a creadores como Matylda Krzykowski, Attua Aparicio, Odd Matter, Juan García Mosqueda, Fredrik Paulsen y Lex Pott el envío de una obra que entrase en una caja de zapatos. Las piezas se vendían entre 1 y 500 euros, importe íntegro para los autores. La ubicación, secreta hasta el último momento. Jorge Penadés, para el que Mayrit “es el futuro de los creadores independientes”, la respuesta de la gente, de dentro y fuera, ha sido espectacular. “Me han ofrecido llevar Extraperlo a otros países”, cuenta. Este año con el apoyo de Mayrit ha sido más fácil, esperamos repetir”.

Desert Plateau por Parasite 2.0 +LaCube. Foto Asier Rúa.

El  proyecto del estudio La Cube consistió en una
instalación del colectivo Parasite 2.0 que recrea un desierto en la facultad de
arquitectura de la UPM de Madrid, una obra y un espacio a la vez que pasa a
formar parte de la facultad.

Liminal Encounters fue otro de los hits del Festival. Una exposición colectiva que re- unió proyectos de diseñadores y arquitectos que mostraron piezas que abarcan desde el diseño de producto más funcional, hasta el pensamiento arquitectónico más conceptual. La idea partió de la firma suiza de cerramientos Panoramah!, que ha cedido parte de sus instalaciones para que un grupo de diseñadores montaran un coworking: Guillermo e Inés de Tornasol Studio, Claudia Paredes, Teresa Fernández Pello y Selina Feduchi contactaron con otros creadores como Miguel Leiro, Fabien Cappello, los arquitectos de Maio o el colectivo Objects of Common Interest con el objetivo de trabajar con los materiales básicos de la firma, vidrio y aluminio, para diseñar productos susceptibles de estar en un espacio de tránsito, el vestíbulo de la empresa, de ahí el nombre de Liminal Encounters, que, según explica la arquitecta Claudia Paredes, coordinadora de la muestra, simboliza un espacio de espera o transición.

Liminal Encounters
(Espacio Liminal) Expo Colectiva. Fotos Geray Mena.

En  la sede de la firma Panoramah, empresa suiza especializada en ventanas, un grupo de diseñadores creó objetos funcionales explorando sus materiales: vidrio y aluminio. Piezas creadas por: MAIO, estudio de arquitectura, Claudia Paredes, Fabien Capello Teresa Fernández-Pello, Piovenefabi, Miguel Leiro (creador de Mayrit), Selina Feduchi, Objects of Common InterestTornasol Studio

Untitled blue por Luminous Studio y La Cube. Foto Asier Rúa

Un espacio de diálogo entre la alta joyería y el diseño
contemporáneo. A través de la luz se relacionaban las delicadas joyas de Luminous Studio con las
sutiles piezas de luz elaboradas con tubos de hierro doblado de La Cube.

Super Spacio Seguro por Joel Blanco. Foto Asier Rúa. Comisariada por Joel Blanco

Un espacio en donde expresar de  forma segura, sin complejos y con total sinceridad, el amor en todas sus formas. Objetivo: que todas estas muestras de amor pueden ser representantas dentro de un espacio seguro, amable y con la tolerancia como valor máximo.

A destacar también el Súper Espacio Seguro de Joel Blanco, una paradójica acción sobre visibilidad con participantes secretos; la exposición de Órbita en la blanquísima Nave Pilarica y la muestra de Tomás Alonso en el Aparador Monteleón, un espacio con el concepto experimental que tienen los offspaces –como el alemán Kabinett füraktuelle Kunst de los años 60 o el reciente White Cubicle Toilet Gallery de Londres–, lugares de experimentación y divulgación para dar acceso a planteamientos y reflexiones sobre el arte y el diseño al margen de los circuitos comerciales e institucionales tradicionales. Igualmente, Koln X Rug, una acción de improvisación en la que los artistas visitaban los talleres de otros y, tras elegir 10 o 15 objetos, realizaron con ellos una pieza conjunta única.

Turning into red thin Air por Andrés Izquierdo y Pablo Ferreira. Foto Geray Mena.

Ambos creadores
participaron en Mayrit con esta instalación inmersiva en la que cuestiones
espirituales y metafísicas planteadas a través de la luz y el espacio se
mezclaron con temáticas terrenales como lo corpóreo, lo ritual, lo simbólico o
lo divino.

Mayrit ha concluido con un gran éxito. Para mi equipo, Cristina Schaver, Víctor Clemente, y para mí, ha sido todo un reto montar el festival. Nunca habíamos afrontado un proyecto independiente de semejante envergadura y nos ha permitido aprender muchísimo. Además, su objetivo: reunir una generación de nuevos diseñadores españoles, se ha cumplido con creces. Y hemos logrado crear creado una plataforma con la cual se ha podido dar un golpe sobre la mesa. Madrid ya se está considerando como una ciudad para el diseño, y estamos muy satisfechos de haber puesto nuestro granito de arena a base de un esfuerzo colectivo brutal”.

Miguel Leiro, Director del Festival Mayrit

El esfuerzo colectivo es el motor del cambio

Más Info:

Mayrit

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