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El estudio Llongueras Clotet Arquitectes es el autor de la reforma. Además el interiorista Rai Pianto y el diseñador gráfico Dani Rubio Arauna son piezas clave en el diseño del interiorismo y en la gráfica  del centro

Sant Joan de Déu es un hospital dedicado exclusivamente a la atención de mujeres, niños y adolescentes menores de 18 años y uno de los centros maternoinfantiles más importantes de Europa por su actividad. Es un hospital privado sin ánimo de lucro que pertenece a la Orden Hospitalaria de Sant Joan de Déu.

El diseño en Sant Joan de Déu

El estudio Llongueras Clotet Arquitectes inició el plan de renovación del hospital en 2004, un plan que todavía hoy continúa. El objetivo de éste ha sido crear un entorno agradable para contribuir a reducir la ansiedad en los niños que tienen que recibir tratamiento.

Entre las reformas realizadas destaca el nuevo hall del hospital, que ha permitido salvar el desnivel entre el edificio y la gran plaza que hay delante. También, el nuevo espacio creado para el servicio de Urgencias, que se ha convertido en una gran fachada sobre la ciudad, y el nuevo edificio de Consultas externas.

En todo el proyecto se ha cuidado de forma especial, la luz, por los colores y los materiales, con el fin de transmitir buenas sensaciones y tranquilidad a las familias.

El estudio de interiorismo Rai Pinto y el diseñador gráfico Dani Rubio Arauna han sido también piezas clave en el diseño del interiorismo y en los elementos gráficos del centro. Su aportación: crear un código visual singular y comprensible. Se ha trabajado para introducir el arte en el espacio como un elemento diferenciador, así como objetos sorprendentes para los niños, desde grandes peceras que hacen de ventana, a esculturas para interactuar.

El sistema de señalización resulta sorprendente para los visitantes, lo entienden fácilmente y además transforma el hecho de caminar por los largos y complicados pasillos y salas de espera de un hospital en un acto lúdico y entretenido.

Todo
ello han logrado que el hospital merezca la Medalla del FAD 2020, un garlardón
que  desde 1928 distingue cada año el
reconocimento del trabajo o la trayectoria de proyectos o instituciones. La
medalla del FAD 2020 reconoce al Hospital Sant Joan de Déu Barcelona, el centro
referente en atención maternoinfantil, un caso de éxito sobre como el diseño y
la rquitectura pueden hacer nuestra vida más confortable.

Así lo explica la Junta del FAD (Fomento de las Artes y del Diseño) : “Por haber incorporado el diseño, en todas sus vertientes, como una herramienta para la mejora del bienestar de los niños durante las residencias en el hospital. Por haber huido de la infantilización y haber creado un código visual eficaz para todos los usuarios del centro, desde niños a adolescentes, personal sanitario y familias. Por desarrollar proyectos con profesionales y escuelas de diseño que reconfiguran el entorno entendido desde la plasticidad del cerebro, el cual influye de manera directa en el sistema inmunológico y así, contribuir a la recuperación de las enfermedades de un colectivo especialmente vulnerable. Por entender la figura de los hospitales como instituciones que promueven la innovación, parte de esta a través del propio diseño en la mejora de las experiencias del paciente. Por ser un caso de éxito sobre cómo el diseño y la arquitectura pueden hacer nuestra vida más confortable.”

Además de la medalla del FAD, el interiorismo y el sistema gráfico del hospital han sido reconocidos y con prestigiosos galardones internacionales como el Interior Design Best of the Year Award, el D&AD Award, y los Premios ADG Laus de diseño gráfico y comunicación visual.

Photos: Araudna Pinto/FAD

Más info:

FAD: https://www.fad.cat/es

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Mayrit es festival inclusivo y participativo con diez propuestas articuladas por Miguel Leiro, su director, con un claro objetivo: reivindicar el diseño contemporáneo como un motor cultural que desde Madrid abre horizontes al mundo

En el contexto temporal del Madrid Design Festival, Mayrit nace como una alternativa joven y emergente al margen de circuitos comerciales y oficiales y ha presentado diez proyectos que se alejan del aspecto funcional del diseño y exploran otros ámbitos de la cultura, el pensamiento y la comunicación.. “Mayrit, que significa tierra rica en agua, fue el nombre del asentamiento medieval que dio lugar a la capital”, explica Miguel Leiro. Una metáfora acuática, un guiño, con la que el director del festival quiere explicar cómo “la capacidad artística de los jóvenes creadores es el caudal que nutre y enriquece la ciudad”.

Un torrente que ya veíamos llegar y al que se han ido sumando de forma espontánea muchos diseñadores de distintas partes de España y del mundo que trabajan o pasan temporadas en Madrid. Desde que surgiera Molto molto fuori en 2018, varias muestras daban indicios de que algo emergía…, un entusiasmo por generar nuevas dinámicas y contenidos alternativos con una identidad ‘glocal’, universal, pero también autóctona. La iniciativa del diseñador Miguel Leiro, que ya organizó una muestra de jóvenes creadores en el evento NYXDesign “Errata Books”, en Nueva York, –al que asistió Diseño Interior–, ha reunido a creadores como Tomás Alonso, gallego residente en Londres, o Jorge Penadés, malagueño y madrileño; y pretende potenciar y realzar el papel del nuevo diseño como herramienta de compromiso y cambio: “Igual que el agua enriquecía aquel pequeño enclave en el que se fraguó el origen de nuestra ciudad, continúa Leiro, el talento de los participantes en Mayrit nos guía hacia un futuro incierto en el que el diseño desempeñará un papel fundamental”.

Arranging Porcelain
por Tomás Alonso. Foto Laura San Segundo.

Una antigua carbonería (estudio del artista Aldo Chamorro) el Aparador Monteleón se transforma en un nuevo offspace, y encuentro de reflexión en el arte y el diseño. Participa el diseñador, con base en Londres, Tomás Alonso

Órbitas por Tornasol Studio. Foto Asier Rúa.

Exposición que presentó la obra reciente e inédita de Tornasol
Studio en el espacio Nave Pilarica, un conjunto de objetos y muebles entre lo
arquitectónico y el diseño de producto. Inés Llasera y Guillermo Trapiello
exploran más allá de la funcionalidad variables no tan evidentes como la
identidad material o el valor simbólico de las cosas.

Extraperlo por Jorge
Penadés. Foto: Asier Rúa.

Comisariada
por Jorge Penadés, en la 2º edición de Extraperlo, plataforma curatorial para
lo “inortodoxo, participaron: Matylda Krzykowski, Attua Aparicio, Odd Matter,
Juan García Mosqueda, Fredrik Paulsen, Lex Pott. Objetivo: desafiar los
sistemas, estructuras y códigos que rigen el diseño y ofrecer una alternativa
independiente al margen de los circuitos comerciales e institucionales.

En Mayrit han colaborado artistas, diseña- dores, artdesigners, makers, colectivos… Además de Penadés y Tomás Alonso, Parasite 2.0, Tornasol Studio, Joel Blanco y Julen Ussía, Pablo Ferreira y Andrés Izquierdo, Studio LaCube y Luminous Studio, Koln y Ruge…, todos estos últimos realizando proyectos o acciones conjuntas y participativas. El programa ha incluido una decena de actividades, entre charlas, talleres, exposiciones e instalaciones, como Turning into Red Thin Air, de los madrileños Andrés Izquierdo y Pablo Ferreira, un proyecto inmersivo alrededor de relatos de historias de “metamorfosis” como la de Ovidio; todos con un punto común: una transformación física pero sobre todo psicológica. Un fenómeno que vive perpetuamente en el objeto y se manifiesta como un hechizo en el espectador.

Cenicers Siempre
por Joel Blanco + Julen Ussia. Foto Asier Rúa.

Taller de ceniceros
inclusivo y abierto organizado por los diseñadores Julen Ussía (Amurrrio
1993) y Joel Blanco (A Coruña 1991) en el Espacio Abastos, en el que intentaron
dar forma a los sueños, “en el caso en
que sueñes con ceniceros, explican
” Cada participante creó su propio
diseño.

Por su parte, Habitar el espacio instalativo, el proyecto del estudio LaCube, formado por Stefano Fusani y Clara Hernández, estaba compuesto por dos partes: la instalación Desert Plateau, creada por el colectivo Parasite 2.0 en la facultad de Arquitectura de la UPM, que recreaba un desierto doméstico a través de imágenes y sensaciones, siendo obra y espacio a la vez; la segunda, un workshop para alumnos en la ETSAM. “Hemos montado un desierto, cuna de civilizaciones y religiones, pero en un espacio cerrado y pensando en el calentamiento global”, explica Stefano Fusani, fundador de LaCube Otro de los platos fuertes de Mayrit ha sido Extraperlo, plataforma curatorial en la que su comisario, el diseñador Jorge Penadés, volvió a pedir a creadores como Matylda Krzykowski, Attua Aparicio, Odd Matter, Juan García Mosqueda, Fredrik Paulsen y Lex Pott el envío de una obra que entrase en una caja de zapatos. Las piezas se vendían entre 1 y 500 euros, importe íntegro para los autores. La ubicación, secreta hasta el último momento. Jorge Penadés, para el que Mayrit “es el futuro de los creadores independientes”, la respuesta de la gente, de dentro y fuera, ha sido espectacular. “Me han ofrecido llevar Extraperlo a otros países”, cuenta. Este año con el apoyo de Mayrit ha sido más fácil, esperamos repetir”.

Desert Plateau por Parasite 2.0 +LaCube. Foto Asier Rúa.

El  proyecto del estudio La Cube consistió en una
instalación del colectivo Parasite 2.0 que recrea un desierto en la facultad de
arquitectura de la UPM de Madrid, una obra y un espacio a la vez que pasa a
formar parte de la facultad.

Liminal Encounters fue otro de los hits del Festival. Una exposición colectiva que re- unió proyectos de diseñadores y arquitectos que mostraron piezas que abarcan desde el diseño de producto más funcional, hasta el pensamiento arquitectónico más conceptual. La idea partió de la firma suiza de cerramientos Panoramah!, que ha cedido parte de sus instalaciones para que un grupo de diseñadores montaran un coworking: Guillermo e Inés de Tornasol Studio, Claudia Paredes, Teresa Fernández Pello y Selina Feduchi contactaron con otros creadores como Miguel Leiro, Fabien Cappello, los arquitectos de Maio o el colectivo Objects of Common Interest con el objetivo de trabajar con los materiales básicos de la firma, vidrio y aluminio, para diseñar productos susceptibles de estar en un espacio de tránsito, el vestíbulo de la empresa, de ahí el nombre de Liminal Encounters, que, según explica la arquitecta Claudia Paredes, coordinadora de la muestra, simboliza un espacio de espera o transición.

Liminal Encounters
(Espacio Liminal) Expo Colectiva. Fotos Geray Mena.

En  la sede de la firma Panoramah, empresa suiza especializada en ventanas, un grupo de diseñadores creó objetos funcionales explorando sus materiales: vidrio y aluminio. Piezas creadas por: MAIO, estudio de arquitectura, Claudia Paredes, Fabien Capello Teresa Fernández-Pello, Piovenefabi, Miguel Leiro (creador de Mayrit), Selina Feduchi, Objects of Common InterestTornasol Studio

Untitled blue por Luminous Studio y La Cube. Foto Asier Rúa

Un espacio de diálogo entre la alta joyería y el diseño
contemporáneo. A través de la luz se relacionaban las delicadas joyas de Luminous Studio con las
sutiles piezas de luz elaboradas con tubos de hierro doblado de La Cube.

Super Spacio Seguro por Joel Blanco. Foto Asier Rúa. Comisariada por Joel Blanco

Un espacio en donde expresar de  forma segura, sin complejos y con total sinceridad, el amor en todas sus formas. Objetivo: que todas estas muestras de amor pueden ser representantas dentro de un espacio seguro, amable y con la tolerancia como valor máximo.

A destacar también el Súper Espacio Seguro de Joel Blanco, una paradójica acción sobre visibilidad con participantes secretos; la exposición de Órbita en la blanquísima Nave Pilarica y la muestra de Tomás Alonso en el Aparador Monteleón, un espacio con el concepto experimental que tienen los offspaces –como el alemán Kabinett füraktuelle Kunst de los años 60 o el reciente White Cubicle Toilet Gallery de Londres–, lugares de experimentación y divulgación para dar acceso a planteamientos y reflexiones sobre el arte y el diseño al margen de los circuitos comerciales e institucionales tradicionales. Igualmente, Koln X Rug, una acción de improvisación en la que los artistas visitaban los talleres de otros y, tras elegir 10 o 15 objetos, realizaron con ellos una pieza conjunta única.

Turning into red thin Air por Andrés Izquierdo y Pablo Ferreira. Foto Geray Mena.

Ambos creadores
participaron en Mayrit con esta instalación inmersiva en la que cuestiones
espirituales y metafísicas planteadas a través de la luz y el espacio se
mezclaron con temáticas terrenales como lo corpóreo, lo ritual, lo simbólico o
lo divino.

Mayrit ha concluido con un gran éxito. Para mi equipo, Cristina Schaver, Víctor Clemente, y para mí, ha sido todo un reto montar el festival. Nunca habíamos afrontado un proyecto independiente de semejante envergadura y nos ha permitido aprender muchísimo. Además, su objetivo: reunir una generación de nuevos diseñadores españoles, se ha cumplido con creces. Y hemos logrado crear creado una plataforma con la cual se ha podido dar un golpe sobre la mesa. Madrid ya se está considerando como una ciudad para el diseño, y estamos muy satisfechos de haber puesto nuestro granito de arena a base de un esfuerzo colectivo brutal”.

Miguel Leiro, Director del Festival Mayrit

El esfuerzo colectivo es el motor del cambio

Más Info:

Mayrit

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Diseñados a principios del siglo XIX por Charles Percier y Pierre Fontaine, arquitectos líderes de la época, los edificios de cuatro pisos se completaron a mediados de la década de 1830. Hoy en día, los apartamentos en el interior ofrecen algunas de las vistas más espectaculares en cualquier parte del corazón de París, con vistas al icónico barrido desde la Place de la Concorde hasta el Louvre, y Jean Louis-Deniot decidió rediseñar por completo esta casa de lujo y dársela un aspecto «más fresco».

El techo y las paredes con bóveda de cañón recién impartidos en el hall de entrada están revestidos completamente de mármol de Carrara. Presidente, R&Y Augousti
Su replanteamiento del apartamento de 2,000 pies cuadrados es un estudio de refinamiento, una mezcla hábil de lo clásico con el diseño contemporáneo que comienza en el hall de entrada.

Jean Louis-Deniot's Empire-Era Elegance In A Parisian Luxury Home JeanLouis Deniots Empire Era Elegance In A Parisian Luxury Home 2
Los paneles Louis XVI y el parqueterie point de Hongrie son originales. Sillas, Saporiti Italia (s. XX). Obra abstracta, René Galassi.
«Expande el espacio y crea una sensación de drama», dice Jean Louis-Deniot sobre los altos techos y paredes en mármol de Carrara.
El uso del mármol es un estilo y un acento muy característicos en la era francesa y es por eso que el mejor diseñador decidió introducir este elemento en este glorioso proyecto de diseño de interiores. En esta división de habitaciones, no hay iluminación natural y es por eso que el uso de un piso más oscuro y techos y paredes claros hacen que la entrada se vea más grande.
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Una barra de plata y oro en la sala de estar iluminada por la luna como la sala de lavandería. Los accesorios del bar, los frisos originales con temas musicales de Margot sobre las puertas de la sala de estar aportan un contraste lírico a las obras de arte modernas.
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Un sofá curvo personalizado y mesitas de porcelana rosa (Djim Berger) se mezclan con un sillón bergère atribuido a Georges Jacob. Silla de almeja, Philip Arctander.
¿Busca maneras de replicar esta moderna sala de estar?
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«La yuxtaposición de elementos que normalmente no se unen hace que todo se sienta más emocionante», dice el diseñador.


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Los pisos en el baño principal se inclinan en tres dimensiones gracias a un ingenioso arreglo de mármol de Tarquin y Carrara ideado por Deniot. Art, Jérôme Robbe
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El revestimiento de madera en el dormitorio principal es de granito pintado de imitación; La tapicería de la pared está diseñada para parecerse al mármol. El colgante lacado «hip hop» es de Hervé Van der Straeten, conocido por su refinada alegría.
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Deniot trasladó una estantería Maison Jansen del comedor a la biblioteca y luego repitió sus detalles metálicos en el revestimiento y añadió tapicería de pared de tweed. Una alcoba con adornos dorados fue diseñada como una pequeña galería para una escultura figurativa de Philippe Valentin.

Esa filosofía también definió el enfoque de Deniot hacia la sala de estar. Después de crear un telón de fondo tradicional con una boiserie del siglo XVIII pintada de gris, equipó el espacio casi por completo con muebles de diseño moderno y de mediados de siglo, incluidas piezas de su propio diseño, como una mesa de cóctel en forma de trébol y un sofá con curvas, cubierto por Vladimir Kagan – Esque. en un bouclé de Raf Simons sutilmente moteado que Jean Louis-Deniot compara con la alta costura.

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La mesa y las sillas son de época. Alfombra, Galerie Diurne Un mural de grisaille de Florence Girette es un riff contemporáneo de los papeles pintados escénicos producidos por Zuber a fines del siglo XVIII.
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Los gabinetes superiores equipados con revestimientos de églomise con espejo «casi parecen persianas venecianas», señala el diseñador. Range, La Cornue
La paleta de la habitación, como en todo el apartamento de lujo, está dominada por tonos suaves y ahumados, con algunos detalles coloridos como arte y muebles modernos para darle un toque más divertido al proyecto de diseño de interiores.


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Entonces, ¿de qué color es el azul índigo? Cuando se trata de este color, los jeans azules pueden ser lo primero que se le viene a la mente, pero este color auténtico y encantador es tan prominente en las tendencias de diseño de interiores como lo es en nuestra ropa tradicionalmente preferida. El diseño de su hogar nunca se vio mejor, ¡este tono promete nunca dejarlo azul!Electric Interior Design Trends in Indigo Blue Electric Interior Design Ideas in Indigo Blue 1

Tendencias eléctricas de diseño de interiores en azul índigo 

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Interior Design Project by Kelly Wearstler

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Electric Interior Design Trends in Indigo Blue Electric Interior Design Ideas in Indigo Blue 4 3
Heritage Sideboard by Boca do Lobo

Esta pieza de mobiliario de arte y su relajante tono azul despertarán todas sus ideas de diseño de interiores y lo dejarán absolutamente inspirado. ¿Estás disfrutando de estas tendencias de diseño de interiores hasta ahora?

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Interior Design Project by Jonathan Adler
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Sloane Sofa by Fendi CasaEl diseño interior de Indigo se está abriendo camino en nuestros hogares, expandiendo nuestra relación bien establecida con el gris oscuro, ese otro color modesto y cambiante. Este color es muy flexible y puede tener un aspecto rico, cómodo y moderno, dependiendo de cómo y dónde se use en su diseño contemporáneo.
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Carpets by Moooi
Ver también: casa decor 2019


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Product Design by Tom Dixon
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Interior Design project by Patricia Urquiola

Entonces, si se preguntaba cómo decorar con índigo, aquí hay algunas ideas geniales sobre las mejores formas de usar este sensacional tono de tinta y tener el mejor impacto en sus tendencias de diseño de interiores.

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Interior Design Project by Kelly Hoppen
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Interior Design Project by Jaime Hayon

Puede parecer un poco loco, pero combinar el color índigo con la mostaza es una combinación perfecta. ¡Estas tendencias de diseño son para morirse!

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Interior Design Project by Greg Natale

¿Te gustaron estas tendencias de diseño de interiores?


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talentoso fotógrafo, Sergey Krasyuk. Es fotógrafo profesional de interiores. La fotografía de interiores es el trabajo de su vida, y este proyecto de diseño de interiores es uno de nuestros favoritos del artista. Es donde se realiza y se desarrolla.

Una casa llena de arte se convierte en un proyecto de diseño interior surrealista

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Una de las principales direcciones de su actividad es la creación de videos sobre interiores donde la arquitectura y el diseño contemporáneo juegan un papel clave. Con la ayuda de muebles de arte e imponentes elementos de arte moderno, este proyecto de diseño de interiores realmente se convirtió en una morada del arte mismo.

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Sus fotos fueron publicadas en muchas revistas de diseño de interiores. Es colaborador habitual de las revistas AD y Elle Décor, y este proyecto de diseño de interiores no fue la excepción. Trabaja principalmente para diseñadores, arquitectos, oficinas, agencias de publicidad y relaciones públicas. Pero también hay fabricantes de muebles, hoteles, restaurantes y salas de exhibición entre mis clientes. Este magnífico y artístico proyecto de diseño de interiores pertenece a los diseñadores de interiores Olga Sedova y Prokhor Mashukov.

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Design | Olga Sedova & Prokhor Mashukov

Styling | Natasha Onufreichuk

Photo | Sergey Krasyuk

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Del 9 al 14 de abril, Milan Design Week and Salone del Mobile son los lugares perfectos para provocar y evocar emociones de todos los amantes del diseño y visitantes. Y durante esta semana, algunas de las principales marcas de diseño de este aclamado y lujoso mundo aprovecharon la oportunidad de ser la semana más importante en el mundo del interior design, y lanzaron novedades que animarán las ideas de decoración de su hogar y lo harán sonar. ¡El sonido mucho más moderno nos permite conocer estos nuevos productos caprichosos! En el Salone del Mobile 2019, Boca do Lobo lanzó una nueva pieza a su colección Metamorphosis, The Metamorphosis English Snooker Table. Con la intención de provocar y evocar, la marca de diseño tiene una necesidad constante de elevar el diseño y traer nuevos productos a su colección.

Milan Design Week 2019 - Trends And New Releases from Top Brands MilanDesignWeek 2019 Trends And New Releases from Top Brands 9 1
Boca do Lobo’s new piece presented at Salone del Mobile 2019

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Guccis Novelties Released During Milan Design Week 2019 8
Boca do Lobo’s new piece presented at Salone del Mobile 2019
MilanDesignWeek 2019 Trends And New Releases from Top Brands 10
Boca do Lobo’s new piece presented at Salone del Mobile 2019

Las imágenes bordadas de gatos, tigres y abejas tradicionalmente decoran almohadas, pero este año durante la Semana del Diseño de Milán, se agregaron almohadas, búhos y mariposas en forma de gato a las cuadradas y rectangulares habituales. Además de las almohadas y las mantas con un nuevo estampado, los candeleros se han unido a la colección Gucci Decor. La tienda emergente Gucci Decor se abrirá hasta finales de junio en Via Santo Spirito, 19, Milán.

Guccis Novelties Released During Milan Design Week 2019 4
Gucci Decor’s new collection at its pop-up store in Milan
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La marca italiana de muebles Seletti anuncia metódicamente las tendencias de diseño y el arte moderno en la vida cotidiana, produciendo muebles, alfombras y platos modernos con impresiones de artistas actuales. Para la Semana del Diseño de Milán, Seletti creó en colaboración con la revista Toiletpaper, una serie de modernos armarios, taburetes y sillas con dibujos de Maurizio Cattelan y Pierpaolo Ferrari.

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Seletti’s Store in Milan during Milan Design Week 2019
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Seletti’s new chair for Salone del Mobile 2019
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Seletti’s Store in Milan during Milan Design Week 2019

Especialmente para Milan Design Week, Louis Vuitton agrega piezas de Atelier Biagetti y Zanellato / bortotto a su colección de objets nomades. Uniéndose a una línea de diseñadores de renombre, como India Mahdavi, Patricia Urquiola y Tokujin Yoshioka, como ellos, los dúos italianos han trabajado junto a un artesano de la casa para producir sus diseños.

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Louis Vuitton’s new pieces unveiled at the neoclassical Palazzo Serbelloni.
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Louis Vuitton’s Bulbo Armchair unveiled at the neoclassical Palazzo Serbelloni.
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Louis Vuitton’s new pieces unveiled at the neoclassical Palazzo Serbelloni.

El sofá de Vitra ‘Vlinder’, que se lanzará en otoño de 2019 y se presentará durante la Semana del Diseño de Milán, llevará la firma rica pero excéntrica de la marca

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VITRA’s ‘Vlinder’ sofa
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VITRA’s ‘Vlinder’ sofa
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VITRA’s ‘Vlinder’ sofa

La música rock fuerte, las luces estroboscópicas y los objetos metálicos crean el ambiente dramático para la exposición debut de dimoremilano «interestelar» durante la Semana del Diseño de Milán. La nueva colección de DimoreStudio es audaz pero elegante, una verdadera obra maestra para el diseño de su hogar.

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Vitra’s exhibtion during Milan Design Week.
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Vitra’s new bedroom’s poltrona 132 and cabinets.
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Vitra’s exhibition of its new dining room and bedroom.


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Peter Marino
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Peter Marino es uno de los mejores arquitectos y diseñadores de interiores en los Estados Unidos de América y en todo el mundo. Fundó en 1978 en el Peter Marino Architect PLLC, un estudio de arquitectura, planificación y diseño de renombre internacional que también cuenta con numerosas oficinas en los Estados Unidos de América en las principales ciudades como Filadelfia o Miami.

Como uno de los principales diseñadores de interiores, su trabajo ha ayudado a redefinir el lujo en todo el mundo, enfatizando la materialidad, la textura, la escala, la luz y el diálogo constante entre el interior y el exterior. Es por eso que Peter Marino tiene un rico catálogo de proyectos de lujo y diseño ecléctico. En este artículo, les mostraremos algunos de ellos en Nueva York. ¡Echa un vistazo y sorpréndete con todos estos proyectos de diseño de interiores!

Peter Marino’s Best and Extravagant Projects in New York peter marino Peter Marino’s Best and Extravagant Projects in New York Peter Marino s Best and Extravagant Projects in New York 2

La colaboración entre Marino y Bulgari no es nueva. En realidad, fue responsable de los proyectos de varias tiendas de esta marca de lujo en todo el mundo, pero uno de sus mayores acontecimientos durante esta asociación fue la renovación de la tienda insignia de Bulgari en la emblemática Quinta Avenida de Nueva York.

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Peter Marino’s Best and Extravagant Projects in New York peter marino Peter Marino’s Best and Extravagant Projects in New York Peter Marino s Best and Extravagant Projects in New York 4

Otro proyecto de diseño de interiores contemporáneo en Nueva York fue la famosa tienda insignia de Chanel en 57th Street and Fifth. En 2006, esta opulenta boutique de 14,000 pies cuadrados fue completamente rediseñada por él. Con tonos dorados, un estilo increíble y un diseño único, esta tienda insignia es uno de los proyectos de diseño de interiores más reconocidos por Peter Marino.

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Otro proyecto de diseño de Marino fue The Getty, un proyecto de edificio completo ubicado en West 24th Street y 10th Avenue. El edificio consta de la Galería de Arte Lehmann Maupin en la planta baja, una Fundación de Arte por encima de eso y seis residencias únicas con una arquitectura interior impresionante.

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Peter Marino también fue prestado para diseñar una suite en el Hotel Four Seasons en Nueva York. Él creó una suite en el ático que se lee como una obra de arte de múltiples capas, específica del sitio, con prácticamente cada detalle de decoración y piezas de muebles modernos que han sido construidas a medida.

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Marino también se encargó de diseñar un apartamento de Manhattan en 1930, lleno de arte, donde integró a la perfección mesas neoclásicas y sillas del siglo XVIII con la colección digna de museos de los propietarios, que incluye obras de Henri Matisse, Willem de Kooning, Mark Rothko y Andy. Warhol

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Peter Marino también es responsable de otros increíbles proyectos residenciales en toda la ciudad y todos los siguientes representan una poderosa e impactante decoración moderna que utiliza perfectamente el color y los diseños de lujo.

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Como puede ver en los proyectos de diseño de interiores anteriores, a Peter Marino le encanta hacer una declaración. También le encantan los productos de lujo y producir diseños que transmitan un estilo de lujo ecléctico.

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Exclusivas piezas de diseño de Boca do Lobo, descubre cuales son nuestras piezas más emblemáticas

Boca do Lobo es una marca de muebles contemporáneos que busca cambios constantes y nuevas formas de romper límites en sus exclusivas piezas de diseño. Esta marca de lujo portuguesa es bien conocida por su diseño único y conceptos fuera de lo común. Después de algunos años produciendo obras maestras de artesanía, Boca do Lobo tiene sus piezas de muebles modernos más buscados y más emblemáticos. Todos ellos fueron desarrollados siguiendo el espíritu de Boca do Lobo, donde se exploran los materiales y las técnicas clásicas, en un choque único de estética y líneas. La marca de diseño ofrece impresionantes ideas de diseño de interiores y tiene un impulso ambicioso de volar mientras se diseña lo inesperado: eche un vistazo y descubra cuáles son nuestras piezas más icónicas y sorpréndase con cada una de ellas.

Diamond Emerald Sideboard

Al igual que el diamante de amatista, este aparador cuenta con tres puertas muy esculpidas que conducen a un interior de pan de oro con estanterías y dos cajones.

Bonsai Dining Table

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Sencillez extrema, estética contemporánea y poder seductor: estas son las características reflejadas en cada detalle que hacen que los Bonsai se enamoren a primera vista.

Empire Center Table

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Diseñada y construida para hacer una impresión y brindar una experiencia inigualable, esta mesa central única le dará un toque de elegancia y glamour a su lujosa sala de estar.

Fortuna Dining Table

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Fortuna, que representa la esencia del empoderamiento, la sofisticación, los místicos y la seducción, presenta un diseño único, con una textura de superficie de mesa única y un acabado increíble.

See also: Fortuna Wooden Desk: A Fearless Design Concept

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Heritage Sideboard

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Boca do Lobo creó Heritage Sideboard, un mueble moderno que presenta un número diferente de capas, donde cada una cuenta una historia diferente.

Imperfectio Sofa

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El sofá Imperfectio de Boca do Lobo es la expresión de la estética imperfecta, el atractivo de lo que es el arte auténtico más verdadero de la vida.

Lapiaz Console Table

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Inspirada en la emblemática línea Lapiaz de Boca do Lobo, esta moderna mesa consola es una pieza de mobiliario de lujo y se adapta a una variedad de entornos gracias a su elegante forma.

Millionaire Safe

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Influenciado por California Gold Rush, Millionaire Safe es una pieza de declaración diseñada para causar una impresión.

Newton Console Table

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La mesa consola moderna de Newton es una pieza destacada del deseo internacional que se distingue de todos los demás diseños por sus formas futuristas.

Nº 11 Chair

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Hecho a mano de latón macizo, el Nº11 combina un enfoque vanguardista con líneas clásicas.

Pixel Cabinet

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Pixel es un esfuerzo por honrar la unión entre diseño y artesanía. Los 1088 triángulos que completan esta pieza llevan la dedicación y el arte de quienes la construyeron, con una diversidad de acabados nunca antes vistos.

Supernova Chandelier

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Supernova Chandelier nació de la cataclísmica explosión de una estrella masiva. El instante de un estallido brillante que se suspendió en un diseño de iluminación fascinante. Una obra maestra de Boca do Lobo!

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Drawing Room, el único salón especializado en dibujo contemporáneo, vuelve a abrir sus puertas en Madrid para celebrar una cuarta edición a finales de febrero, coincidiendo con la semana de ARCO y con algunas novedades significativas. Coleccionistas, profesionales y aficionados al mundo del arte sobre papel están invitados a descubrir el creciente interés que el dibujo contemporáneo sigue despertando en la escena artística actual, a través de los proyectos de numerosos artistas nacionales e internacionales, tanto noveles como consagrados.

Palacio de Santa Bárbara, obra del arquitecto Juan de Madrazo, sede de Drawing Room Madrid 2019.

Cambio de sede y otras novedades

Entre las novedades de la próxima feria, hay que destacar el cambio de sede. En esta ocasión, los luminosos salones del magnífico Palacio de Santa Bárbara, obra del arquitecto Juan de Madrazo y Kuntz, acogerá la cuarta edición de Drawing Room Madrid. Un edificio de corriente racionalista de segunda mitad del siglo XIX, situado en el epicentro del arte, la moda y la gastronomía de la capital.

Además, esta cuarta convocatoria se presenta con un programa de galerías más reducido pero más especializadas, serán en total 20 galerías nacionales e internacionales –seleccionadas por un comité de expertos– procedentes de Argentina, Bélgica, España, Japón y Portugal.

Otra novedad es el desarrollo de un programa propio de coleccionistas, con la invitación de una serie de coleccionistas en torno a los cuales se desarrollará un detallado programa y, por último, el anuncio de la segunda edición de Dranwing Room Lisboa, que se celebrará del 9 al 13 de octubre de 2019.

Edgar Plans. “Art wall”, 2018. Óleo sobre lienzo. Cortesía: Granada Gallery, Buenos Aires. José Loureiro. “Ácaros”, 2018. Óleo sobre papel. Cortesía: Fonseca Macedo – Arte Contemporânea, Ponta Delgada, Portugal.

Criterio de selección

Si bien es verdad que Drawing Room Madrid es una feria de galerías, la calidad del proyecto artístico que se presenta es determinante para poder participar. Por ello, la selección de los artistas sigue siendo una de las señas de identidad del salón. Bajo la dirección de Mónica Álvarez Careaga, La selección de obras ha corrido a cargo del comité curatorial formado por: Inmaculada Corcho, directora Museo ABC (Madrid); Mercedes Estarellas, comisaria (Palma de Mallorca); Simona Gavioli, crítico y comisaria (Bolonia); Juán González de Riancho, galerista (Santander); Elsy Lahner, conservadora de arte contemporáneo en La Albertina (Viena); Ivânia de Mendonça Gallo, consultora artística (Lisboa); Bárbara de Rueda, coleccionista (Madrid); y Susana Sanz, comisaria (Pekín).

La selección de los proyectos artísticos que integran la cuarta edición ha seguido una línea de trabajo donde se pondrá de manifiesto el diálogo que surge entre las nuevas generaciones de artistas que han adoptado el dibujo como un medio propio y los maestros ya consagrados, que han conseguido dotarle de una indiscutible autonomía y un lenguaje universal propio.

Ana Romãozinho. Sin título, 2018. Rotulador sobre papel. Cortesía: Módulo – Centro Difusor de Arte, Lisboa

Ana Barriga. “Sexy Selfie”, 2018. Óleo, esmalte, rotulador y spray. Cortesía: Galería Yusto/Giner, Marbella.

Programa Offsite

Por su parte, el programa paralelo Offsite presentará el último volumen de “Papeleo”, la publicación periódica editada en español e inglés, y que está dedicada al dibujo contemporáneo que edita la feria con la vocación de servir de observatorio de la práctica dibujística en los artistas actuales.

Irene González. “El instante y la huida”, 2018. Díptico 1. Conté sobre papel. Cortesía: Galería Silvestre, Madrid.

––––––––––––––––––––––––––––
Drawing Room Madrid 2019
Del 27 de febrero al 3 de marzo

Palacio de Santa Bárbara 
Hortaleza, 87 
28004 Madrid. 
www.drawingroom.es
info@drawingroom.es

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December 7, 2018

Set on top of a forested ridge separating downtown Portland and the suburban sprawl of Beaverton, OR, Wildwood is a rural retreat and primary residence hidden within the metro area of the Pacific Northwest.

 

 

Description

The clients, who work nearby, requested a modern home with simple, clean lines to fit within the heavily forested 1.2-acre site and to embrace outdoor living throughout the year. They requested the home to be truly livable in the cool northwest climate with natural daylight and filtered views of the forest.

Access to the site is provided by shared private road down to a small clearing between the protected trees and habitat.
Wildwood is comprised of a long, single-loaded, open plan running north-south with living areas oriented west to the 35-acre forest reserve and open space. A two-story central hearth marks the divide between the large living room and the private master suite at the north. A quiet study at the south acts as a separate retreat from the larger living area with select views to the forest.

Photography by David Papazian

Visit Giulietti Schouten Architects

– by Matt Watts

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