MARCEL WANDERS LANZA REVERIE EN COLABORACIÓN CON WALTERS

reVeRie

WALTERS, 2020

Diseño de producto | Mueble para exteriores

Inspirado para crear un nido de relajación y un hermoso lugar para soñar despierto, Reverie es una colección al aire libre de confort sofisticado. Combinando la firma con lo suave, la colección Reverie de Marcel Wanders para Walters incluye una silla de una plaza, una silla de dos plazas, una tumbona, un diván y mesas cuadradas y redondas. Su nombre deriva de un estado de agradablemente perdido en los pensamientos de uno; un sueño

Reverie está diseñado con el cuerpo y el alma humanos en mente, cada silla ofrece restauración personal. En ángulo para acomodar diferentes posiciones reclinables, el material de resina tejida es tan elegante como resistente. Con su patrón ornamentado, las piezas se pueden personalizar mientras las almohadas crean un ambiente acogedor.

Las mesas auxiliares y las mesas de café completan este conjunto que envuelve a las personas en la tranquilidad moderna y les ofrece una sensación de seguridad y la libertad de soñar. Ahora más que nunca, abrace el aire libre y cree un santuario con Reverie.

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El estudio Llongueras Clotet Arquitectes es el autor de la reforma. Además el interiorista Rai Pianto y el diseñador gráfico Dani Rubio Arauna son piezas clave en el diseño del interiorismo y en la gráfica  del centro

Sant Joan de Déu es un hospital dedicado exclusivamente a la atención de mujeres, niños y adolescentes menores de 18 años y uno de los centros maternoinfantiles más importantes de Europa por su actividad. Es un hospital privado sin ánimo de lucro que pertenece a la Orden Hospitalaria de Sant Joan de Déu.

El diseño en Sant Joan de Déu

El estudio Llongueras Clotet Arquitectes inició el plan de renovación del hospital en 2004, un plan que todavía hoy continúa. El objetivo de éste ha sido crear un entorno agradable para contribuir a reducir la ansiedad en los niños que tienen que recibir tratamiento.

Entre las reformas realizadas destaca el nuevo hall del hospital, que ha permitido salvar el desnivel entre el edificio y la gran plaza que hay delante. También, el nuevo espacio creado para el servicio de Urgencias, que se ha convertido en una gran fachada sobre la ciudad, y el nuevo edificio de Consultas externas.

En todo el proyecto se ha cuidado de forma especial, la luz, por los colores y los materiales, con el fin de transmitir buenas sensaciones y tranquilidad a las familias.

El estudio de interiorismo Rai Pinto y el diseñador gráfico Dani Rubio Arauna han sido también piezas clave en el diseño del interiorismo y en los elementos gráficos del centro. Su aportación: crear un código visual singular y comprensible. Se ha trabajado para introducir el arte en el espacio como un elemento diferenciador, así como objetos sorprendentes para los niños, desde grandes peceras que hacen de ventana, a esculturas para interactuar.

El sistema de señalización resulta sorprendente para los visitantes, lo entienden fácilmente y además transforma el hecho de caminar por los largos y complicados pasillos y salas de espera de un hospital en un acto lúdico y entretenido.

Todo
ello han logrado que el hospital merezca la Medalla del FAD 2020, un garlardón
que  desde 1928 distingue cada año el
reconocimento del trabajo o la trayectoria de proyectos o instituciones. La
medalla del FAD 2020 reconoce al Hospital Sant Joan de Déu Barcelona, el centro
referente en atención maternoinfantil, un caso de éxito sobre como el diseño y
la rquitectura pueden hacer nuestra vida más confortable.

Así lo explica la Junta del FAD (Fomento de las Artes y del Diseño) : “Por haber incorporado el diseño, en todas sus vertientes, como una herramienta para la mejora del bienestar de los niños durante las residencias en el hospital. Por haber huido de la infantilización y haber creado un código visual eficaz para todos los usuarios del centro, desde niños a adolescentes, personal sanitario y familias. Por desarrollar proyectos con profesionales y escuelas de diseño que reconfiguran el entorno entendido desde la plasticidad del cerebro, el cual influye de manera directa en el sistema inmunológico y así, contribuir a la recuperación de las enfermedades de un colectivo especialmente vulnerable. Por entender la figura de los hospitales como instituciones que promueven la innovación, parte de esta a través del propio diseño en la mejora de las experiencias del paciente. Por ser un caso de éxito sobre cómo el diseño y la arquitectura pueden hacer nuestra vida más confortable.”

Además de la medalla del FAD, el interiorismo y el sistema gráfico del hospital han sido reconocidos y con prestigiosos galardones internacionales como el Interior Design Best of the Year Award, el D&AD Award, y los Premios ADG Laus de diseño gráfico y comunicación visual.

Photos: Araudna Pinto/FAD

Más info:

FAD: https://www.fad.cat/es

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El brazalete “Ala de Ángel” celebra la recuperación de una de las obras maestras de la colección del Prado, “La Anunciación” de Fra Angélico

El diseñador de joyas Chus Burés, continúa con su trayectoria vinculada al mundo del arte desde sus comienzos. Su última obra, esta pieza de edición limitada, rinde homenaje a la compleja restauración que el Museo del Prado ha hecho de esta obra un icono de la historia del arte “La Anunciación” de Fra Angélico.

La recuperación del dibujo del ala original del arcángel Gabriel constituyó uno de los momentos de más trascendencia de la restauración. Por el gran protagonismo de la figura y por la situación del ala en el centro de la composición.

Los  repintes de óleo de antiguas intervenciones sobre esta obra del siglo XV ocultaban la forma original del ala delantera del arcángel transformándola notablemente. La limpieza y la reconstrucción digital de cada una de las plumas perdidas de las alas ha permitido recuperar la forma original y además su dorado, su iluminación,  perfección técnica y la elegancia de sus formas, exquisita y delicadísima.

Hemos querido huir de reproducir el ala tal cual, buscábamos algo más futurista… Pensemos que estamos hablando del Renacimiento, un arte que marca una diferencia con la época anterior.” La pulsera que nace de esta idea juega a reproducir un ala que da la vuelta y abraza la muñeca, o el cuello, o el dedo.

He tenido la suerte de disponer del cuadro escaneado en 3D a escala real, por capas, con lo que pude ver todo el proceso de pintura, algo que me ha ayudado mucho a desarrollar el diseño, así como contar con buenos modelistas 3D y un gran taller de orfebrería de Barcelona, con el que trabajo desde los años 80”.

Chus Burés. Diseñador de Joyas

Chus Burés ha dibujado la pulsera a mano, y de ahí se ha reproducido la pieza en 3D. Esto le ha permitido crear un modelo totalmente fiel al dibujo. Todo un trabajo tan minucioso como brillante y delicado, muy en sintonía con la maravillosa obra del gran artista renacentista.

Photos: Jerónimo Alvárez

Más info:

Chus Burés: http://www.chusbures.com/

Tienda del Museo del Prado: http://www.tiendaprado.com/es/blog/10_brazalete-chus-bures-fra-angelico.html

La entrada Chus Burés crea un brazalete futurista inspirado en Fra Angélico para el Museo del Prado se publicó primero en teresaherreroliving.com.

“Until one has loved an animal, a part of one’s soul remains unawakened.” Pushing the boundaries of shape and form, Matteo’s ANIMAGIC collection is a celebration of animal forms in andromorphous design. An odd mix of humour, luxury and utility, these pieces go beyond being furniture – they are magical, sculptural objects, almost life like, that make you smile every time you glance at them.

SCARLET-SPLENDOUR-1animagic

SCARLET-SPLENDOUR-1animagic

Scarlet Splendour – Animagic

Wedged somewhere in fantasy land between Willy Wonka and Alice in Wonderland, these luxury designer pieces will blow your mind. Meet Scarlet Splendour.

Scarlet Splendour: the first time we’ve ever used the company name, which describes exactly who they are, as the title of an article. The hot colours of India, the hot stars of the silver screen and the splendour that all this evokes. Add a large dollop of humour, the extraordinary design skills of its founders, Indian craftsmanship and best of what Italy offers the world of international furniture design, and success is almost a given.

Almost, but not quite. Like a meal prepared by a top chef, all the ingredients must be measured and fall in exactly the right places, and of course, a key element is entrepreneurship. Siblings Ashish Bajoria and Suman Kanodia debuted their first collection of 15 pieces, titled Vanilla Noir, during the Milan Design Week in 2015, paying homage to the era of silent movies with their light-hearted irony and underlying depth in black and white, and they pulled it off with only three month’s preparation. Little wonder then that this Kolkata-based brand has expanded so rapidly.

More than 50 trips to various Italian cities and regions later, the founders realised that bringing European design and Indian craftsmanship together is what creates the kind of previously unseen synergy they were aiming for. Scarlet Splendour successfully transcends geographical borders while staying true to its mission: to preserve the artisan traditions of India and open them up to the rest of the world through top international design.

Above: The Ciuco Cabinet by Matteo Cibic is a decadent conversation piece.

The pieces, whose design link to India is mainly in the colours and certain design details of the whole, veer between surrealism, absurdism, Art Deco, the playful works of artists like Barry Flanagan and Jeff Koons, and not least, functionalism, although in time, perhaps, they themselves will become an “ism”.

Each piece is startling: “For us the drama is all about standing out and creating impact”, and each has been designed by the founders or their top-notch collaborators and made to the highest standards of Indian craftsmanship. Each also has an element of fun, from the rabbits’ heads and ears on otherwise fairly sober drinks cabinets to the outrageous shapes, doors and other details. To see their Madame Verdoux cabinet from the Vanilla Noir collection, for example, is to both have a laugh at the absurdity of a two-metre high water bottle and to look into the colonial past of India itself. To see the spidery legs on their Nika Zupanc pieces, which seem to float above the floor, is to realise the genius of 1950s furniture design, and to see the 88 Secrets Bar cabinet is to know that these people have a fine respect for the Art Deco period. Plainly put, they know their stuff.

Above: Siblings Ashish Bajoria and Suman Kanodia

UDesign talked to Ashish Bajoria shortly after the release of the brand’s latest collection, which brings together designers from Italy, Slovenia and Holland.

The motto of your company is “Craft, drama and luxury”. Where does the drama fit in?

Each product is hand-made, each is a luxury piece, and each is dramatic and maximalist as well. We know it creates a certain drama in the space around it, wherever it is. For us the drama is about standing out and creating impact. I don’t want to call them statement pieces, but they are indeed dramatic.

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Mayrit es festival inclusivo y participativo con diez propuestas articuladas por Miguel Leiro, su director, con un claro objetivo: reivindicar el diseño contemporáneo como un motor cultural que desde Madrid abre horizontes al mundo

En el contexto temporal del Madrid Design Festival, Mayrit nace como una alternativa joven y emergente al margen de circuitos comerciales y oficiales y ha presentado diez proyectos que se alejan del aspecto funcional del diseño y exploran otros ámbitos de la cultura, el pensamiento y la comunicación.. “Mayrit, que significa tierra rica en agua, fue el nombre del asentamiento medieval que dio lugar a la capital”, explica Miguel Leiro. Una metáfora acuática, un guiño, con la que el director del festival quiere explicar cómo “la capacidad artística de los jóvenes creadores es el caudal que nutre y enriquece la ciudad”.

Un torrente que ya veíamos llegar y al que se han ido sumando de forma espontánea muchos diseñadores de distintas partes de España y del mundo que trabajan o pasan temporadas en Madrid. Desde que surgiera Molto molto fuori en 2018, varias muestras daban indicios de que algo emergía…, un entusiasmo por generar nuevas dinámicas y contenidos alternativos con una identidad ‘glocal’, universal, pero también autóctona. La iniciativa del diseñador Miguel Leiro, que ya organizó una muestra de jóvenes creadores en el evento NYXDesign “Errata Books”, en Nueva York, –al que asistió Diseño Interior–, ha reunido a creadores como Tomás Alonso, gallego residente en Londres, o Jorge Penadés, malagueño y madrileño; y pretende potenciar y realzar el papel del nuevo diseño como herramienta de compromiso y cambio: “Igual que el agua enriquecía aquel pequeño enclave en el que se fraguó el origen de nuestra ciudad, continúa Leiro, el talento de los participantes en Mayrit nos guía hacia un futuro incierto en el que el diseño desempeñará un papel fundamental”.

Arranging Porcelain
por Tomás Alonso. Foto Laura San Segundo.

Una antigua carbonería (estudio del artista Aldo Chamorro) el Aparador Monteleón se transforma en un nuevo offspace, y encuentro de reflexión en el arte y el diseño. Participa el diseñador, con base en Londres, Tomás Alonso

Órbitas por Tornasol Studio. Foto Asier Rúa.

Exposición que presentó la obra reciente e inédita de Tornasol
Studio en el espacio Nave Pilarica, un conjunto de objetos y muebles entre lo
arquitectónico y el diseño de producto. Inés Llasera y Guillermo Trapiello
exploran más allá de la funcionalidad variables no tan evidentes como la
identidad material o el valor simbólico de las cosas.

Extraperlo por Jorge
Penadés. Foto: Asier Rúa.

Comisariada
por Jorge Penadés, en la 2º edición de Extraperlo, plataforma curatorial para
lo “inortodoxo, participaron: Matylda Krzykowski, Attua Aparicio, Odd Matter,
Juan García Mosqueda, Fredrik Paulsen, Lex Pott. Objetivo: desafiar los
sistemas, estructuras y códigos que rigen el diseño y ofrecer una alternativa
independiente al margen de los circuitos comerciales e institucionales.

En Mayrit han colaborado artistas, diseña- dores, artdesigners, makers, colectivos… Además de Penadés y Tomás Alonso, Parasite 2.0, Tornasol Studio, Joel Blanco y Julen Ussía, Pablo Ferreira y Andrés Izquierdo, Studio LaCube y Luminous Studio, Koln y Ruge…, todos estos últimos realizando proyectos o acciones conjuntas y participativas. El programa ha incluido una decena de actividades, entre charlas, talleres, exposiciones e instalaciones, como Turning into Red Thin Air, de los madrileños Andrés Izquierdo y Pablo Ferreira, un proyecto inmersivo alrededor de relatos de historias de “metamorfosis” como la de Ovidio; todos con un punto común: una transformación física pero sobre todo psicológica. Un fenómeno que vive perpetuamente en el objeto y se manifiesta como un hechizo en el espectador.

Cenicers Siempre
por Joel Blanco + Julen Ussia. Foto Asier Rúa.

Taller de ceniceros
inclusivo y abierto organizado por los diseñadores Julen Ussía (Amurrrio
1993) y Joel Blanco (A Coruña 1991) en el Espacio Abastos, en el que intentaron
dar forma a los sueños, “en el caso en
que sueñes con ceniceros, explican
” Cada participante creó su propio
diseño.

Por su parte, Habitar el espacio instalativo, el proyecto del estudio LaCube, formado por Stefano Fusani y Clara Hernández, estaba compuesto por dos partes: la instalación Desert Plateau, creada por el colectivo Parasite 2.0 en la facultad de Arquitectura de la UPM, que recreaba un desierto doméstico a través de imágenes y sensaciones, siendo obra y espacio a la vez; la segunda, un workshop para alumnos en la ETSAM. “Hemos montado un desierto, cuna de civilizaciones y religiones, pero en un espacio cerrado y pensando en el calentamiento global”, explica Stefano Fusani, fundador de LaCube Otro de los platos fuertes de Mayrit ha sido Extraperlo, plataforma curatorial en la que su comisario, el diseñador Jorge Penadés, volvió a pedir a creadores como Matylda Krzykowski, Attua Aparicio, Odd Matter, Juan García Mosqueda, Fredrik Paulsen y Lex Pott el envío de una obra que entrase en una caja de zapatos. Las piezas se vendían entre 1 y 500 euros, importe íntegro para los autores. La ubicación, secreta hasta el último momento. Jorge Penadés, para el que Mayrit “es el futuro de los creadores independientes”, la respuesta de la gente, de dentro y fuera, ha sido espectacular. “Me han ofrecido llevar Extraperlo a otros países”, cuenta. Este año con el apoyo de Mayrit ha sido más fácil, esperamos repetir”.

Desert Plateau por Parasite 2.0 +LaCube. Foto Asier Rúa.

El  proyecto del estudio La Cube consistió en una
instalación del colectivo Parasite 2.0 que recrea un desierto en la facultad de
arquitectura de la UPM de Madrid, una obra y un espacio a la vez que pasa a
formar parte de la facultad.

Liminal Encounters fue otro de los hits del Festival. Una exposición colectiva que re- unió proyectos de diseñadores y arquitectos que mostraron piezas que abarcan desde el diseño de producto más funcional, hasta el pensamiento arquitectónico más conceptual. La idea partió de la firma suiza de cerramientos Panoramah!, que ha cedido parte de sus instalaciones para que un grupo de diseñadores montaran un coworking: Guillermo e Inés de Tornasol Studio, Claudia Paredes, Teresa Fernández Pello y Selina Feduchi contactaron con otros creadores como Miguel Leiro, Fabien Cappello, los arquitectos de Maio o el colectivo Objects of Common Interest con el objetivo de trabajar con los materiales básicos de la firma, vidrio y aluminio, para diseñar productos susceptibles de estar en un espacio de tránsito, el vestíbulo de la empresa, de ahí el nombre de Liminal Encounters, que, según explica la arquitecta Claudia Paredes, coordinadora de la muestra, simboliza un espacio de espera o transición.

Liminal Encounters
(Espacio Liminal) Expo Colectiva. Fotos Geray Mena.

En  la sede de la firma Panoramah, empresa suiza especializada en ventanas, un grupo de diseñadores creó objetos funcionales explorando sus materiales: vidrio y aluminio. Piezas creadas por: MAIO, estudio de arquitectura, Claudia Paredes, Fabien Capello Teresa Fernández-Pello, Piovenefabi, Miguel Leiro (creador de Mayrit), Selina Feduchi, Objects of Common InterestTornasol Studio

Untitled blue por Luminous Studio y La Cube. Foto Asier Rúa

Un espacio de diálogo entre la alta joyería y el diseño
contemporáneo. A través de la luz se relacionaban las delicadas joyas de Luminous Studio con las
sutiles piezas de luz elaboradas con tubos de hierro doblado de La Cube.

Super Spacio Seguro por Joel Blanco. Foto Asier Rúa. Comisariada por Joel Blanco

Un espacio en donde expresar de  forma segura, sin complejos y con total sinceridad, el amor en todas sus formas. Objetivo: que todas estas muestras de amor pueden ser representantas dentro de un espacio seguro, amable y con la tolerancia como valor máximo.

A destacar también el Súper Espacio Seguro de Joel Blanco, una paradójica acción sobre visibilidad con participantes secretos; la exposición de Órbita en la blanquísima Nave Pilarica y la muestra de Tomás Alonso en el Aparador Monteleón, un espacio con el concepto experimental que tienen los offspaces –como el alemán Kabinett füraktuelle Kunst de los años 60 o el reciente White Cubicle Toilet Gallery de Londres–, lugares de experimentación y divulgación para dar acceso a planteamientos y reflexiones sobre el arte y el diseño al margen de los circuitos comerciales e institucionales tradicionales. Igualmente, Koln X Rug, una acción de improvisación en la que los artistas visitaban los talleres de otros y, tras elegir 10 o 15 objetos, realizaron con ellos una pieza conjunta única.

Turning into red thin Air por Andrés Izquierdo y Pablo Ferreira. Foto Geray Mena.

Ambos creadores
participaron en Mayrit con esta instalación inmersiva en la que cuestiones
espirituales y metafísicas planteadas a través de la luz y el espacio se
mezclaron con temáticas terrenales como lo corpóreo, lo ritual, lo simbólico o
lo divino.

Mayrit ha concluido con un gran éxito. Para mi equipo, Cristina Schaver, Víctor Clemente, y para mí, ha sido todo un reto montar el festival. Nunca habíamos afrontado un proyecto independiente de semejante envergadura y nos ha permitido aprender muchísimo. Además, su objetivo: reunir una generación de nuevos diseñadores españoles, se ha cumplido con creces. Y hemos logrado crear creado una plataforma con la cual se ha podido dar un golpe sobre la mesa. Madrid ya se está considerando como una ciudad para el diseño, y estamos muy satisfechos de haber puesto nuestro granito de arena a base de un esfuerzo colectivo brutal”.

Miguel Leiro, Director del Festival Mayrit

El esfuerzo colectivo es el motor del cambio

Más Info:

Mayrit

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UNA EXPERIENCIA ÚNICA EN LA VIDA Panorama Glass Lodge
Sleeping Under the Midnight Sun – Iglú de cabina de vidrio escandinavo en estilo vikingo con ese pequeño extra de lujo. Maravillosos paisajes y vistas panorámicas desde su cama súper cómoda o bañera de hidromasaje privada.

UNA EXPERIENCIA ÚNICA EN LA VIDA

Panorama Glass Lodge

Sleeping Under the Stars: increíbles puestas de sol, amaneceres y observación de estrellas y, con un poco de suerte, ver las luces del norte bailando sobre todos ustedes desde la comodidad de su cálida cama, no es necesario salir y congelarse.

  • Cabina
  • 2 huéspedes (1 cama)
  • 1 baño

Si desea llevar su aurora boreal al siguiente nivel, entonces el Panorama Glass Lodge en Islandia lo es. Un diseño simple e inteligente para una cabina que ofrece una vista increíble del paisaje islandés y el cielo nocturno gracias a las grandes ventanas de vidrio únicas que rodean la cama.

YOUR ONCE IN A LIFETIME EXPERIENCE - Panorama Glass Lodge

YOUR ONCE IN A LIFETIME EXPERIENCE – Panorama Glass Lodge

Creado para dormir dos personas, puedes relajarte mientras contemplas las estrellas y el cielo nocturno que te rodea. Al encerrar el área de dormir en vidrio, los visitantes tienen garantizada una vista sin obstáculos de la naturaleza día y noche.

La casa de lujo cuenta con una pequeña cocina totalmente equipada, una mesa de comedor, un baño de tamaño completo y una cama king-size hecha a medida (que puede alojar cómodamente a 2 personas). Hay persianas para las paredes si se necesita más privacidad, mientras que el techo de vidrio permanece expuesto al cielo.

Una bañera de hidromasaje ubicada directamente al lado del albergue lo mantendrá tostado mientras observa las estrellas y es una excelente opción para los recién casados aventureros. Los propietarios se aseguran de mantener el jacuzzi caliente a 38 ° C (102 ° F) para que pueda estar seguro de que lo mantendrá caliente, incluso en las noches más frías.

Luxury Travel

Además de la bañera de hidromasaje, también hay una terraza al aire libre de 129 pies cuadrados con una pequeña mesa y dos sillas para comidas al aire libre.

WHEN TO VISIT

Viajes de lujo

Para tener la mejor oportunidad de ver la aurora boreal, Panorama Glass Lodge recomienda visitar entre finales de agosto y finales de abril y consultar con frecuencia el Pronóstico Aurora.

Sin duda, esta pequeña cabaña es uno de los lugares más únicos para alojarse en Islandia que no querrá perderse.

INSTALACIONES
Maquina de cafe
Esenciales
Estacionamiento (gratis)
Calefacción
Bañera de hidromasaje
Cocina autoservicio
WiFi gratis)

more information: Luxury Travel

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El estudio Alfaro-Manrique Atelier firma el cambio de imagen de este hotel que han transformado en un resort internacional para Hilton Barcelona Golf y la cadena Hotel Collection International.

Su idea: dar personalidad y carácter en una privilegiada localización junto a un campo de golf de Barcelona en una antigua masía y a 30 minutos de Barcelona. El proyecto de los arquitectos e interioristas Gema Alfaro y Emili Manrique refleja el entorno natural, su paleta de colores, y a la vez hace referencia al golf, con un predominio de tonos neutros y verdes y elementos naturales como la madera y la cuerda.

El toque de sofisticación, que no podría
faltar en un resort de estas características, lo han conseguido con piezas
geométricas, diseños muy personales como las lámparas, los muebles y elementos
centrales del lobby, que son a la
vez  sofás o butacas y a la vez elementos
escultóricos, formalmente muy potentes y que mantienen un diálogo con el carácter
natural que caracteriza al proyecto.

Los tonos, principalmente verdes y azules se inspiran en el paisaje, el cielo y los verdes campos de alrededor así como los grises en toda su gama de las montañas de Monserrat, y se reparten en cálidos textiles así como en las formas esculturales que inundan el lobby, unidos a las maderas naturales.

Es precisamente, en este espacio el lobby, el corazón del hotel, creado como un lugar de encuentro, híbrido y flexible, con zonas diferenciadas por interiorismo para responder a las necesidades de un viajero de hoy, rincones de estar, zonas de des canso, espacios de coworking o reunión informal, así como otros más de relax y ocio como las zonas de chill out vinculadas al bar o de trabajo con formatos más flexibles.

La fotografía es también uno de los grandes protagonistas del proyecto, y no sólo como elemento artístico, sino como parte fundamental del concepto. Todas las imágenes pertenecen al entorno marcado por las montañas de Monserrat, los viñedos de la región vinícola del Penedés y el campo de Golf. En blanco y negro y en distintos formatos están presentes en los cabeceros en las habitaciones, en pasillos o en las grandes dobles alturas del lobby.

La mayoría de las piezas de mobiliario se han diseñado ex profeso para el hotel. Destacan las butacas Silfo creadas para el lobby de color azul intenso y con una escala y formas rotundas, a medio camino entre el mueble y la escultura. Muy interesantes también el sistema de mesas TOP con patas formadas por grandes cilindros de chapa y sobres de roble natural y cantos biselados, que con diferentes combinaciones y alturas, conforman las mesas bajas del lobby, la mesa de coworking, las mesas de reunión informal; las mesas comunes y altas del bar o las grandes mesas de banquete de las rinconeras del restaurante. Los pequeños detalles también se han cuidado, llaman la atención los cabeceros o el tocador de la suite, hasta el mostrador de la recepción con las montañas de Montserrat al fondo. Igualmente, destacan las sillas y taburetes de la firma Vergés, o las clásicas butacas Butterfly de la zona chill out del bar, en rafia negra.

Las alfombras,
tanto la de la suite como las zonas mantienen el mismo lenguaje formal y
geométrico del resto del proyecto  son
también diseño de los interioristas lanas naturales y colores en grises,
tierras, verde bosque y azul intenso.

En cuanto a la iluminación se combinan los diseños creados por Alfaro- Manrique Atelier, como las pirámides de madera negra del lobby o los sistemas de pared, todos con globos opales blancos y cerrajería negra con las lámparas de fibras trenzadas  de la línea vanguardista Ole! de la firma valenciana FM que mantienen el diálogo de elementos y materiales naturales con la simplicidad estética del sistema Link de líneas rectas y oblicuas de  Faro Barcelona.

En definitiva, un hotel con personalidad propio dentro de un edificio existente, con un enclave natural revalorizado para una firma como Hilton y con el diseño y el estilo que caracteriza al estudio Alfaro-Manrique Atelier. Si os ha gustado y queréis ver otros hoteles de estos arquitectos e interioristas, aquí tenéis uno muy distinto el One Shot Fortuny 07 en Madrid.

Más info:

Hotel Double Tree by Hilton Barcelona Golf: https://www.hotelbarcelonagolf.com/

Alfaro-Manrique:  http://alfaro-manrique.com/

La entrada El nuevo Hotel Double Tree por Alfaro Manrique-Atelier se publicó primero en teresaherreroliving.com.

Para esta 55ª edición, espacios proyectados de Casa Decor se ubica en el corazón del Barrio Salamanca. Es la duodécima vez que el evento se celebra en este señorial barrio de Madrid, en esta ocasión en una casa-palacio de principios del siglo XX. Sus más de 5.600 m2 distribuidos en 5 plantas y la singularidad de sus detalles arquitectónicos lo convierten en la localización ideal para que los participantes nos cautiven con sus propuestas.

Casa Decor 2020 | La plataforma de interiorismo – TOUR VIRTUAL

Planta Baja

 

Planta Segunda

Planta Tercera

 

Nuestro hogar es mucho más que un espacio. Es dónde descansamos, dónde nos relacionamos, comemos, descansamos, dónde nos sentimos a salvo, dónde vivimos experiencias y acumulamos recuerdos…

Nuestro hogar es nuestra “segunda piel” y Rituals, fiel a su filosofía de ofrecer productos exquisitos para hacer de nuestro hogar un lugar mejor y más bello, presenta la nueva Private Collection, una colección de productos lujosos con los que convertirlo en un verdadero santuario sensorial, compuesta por tres líneas olfativas: FLORAL – FRESH – INTENSE

HOME RITUALS
Private Collection, creada para hacerte sentir bien

FLORAL

FRAGANCE STICKS

Una manera lujosa de aromatizar el ambiente y decorar las estancias elegantemente. Cada jarrón guarda un exclusivo aceite que van absorbiendo las barritas y liberando la fragancia continuamente hasta 5 meses, sin necesidad de girarlas para activar su función. Ahora, también disponibles en formato mini.

3 FLORAL – 3 FRESH – 3 INTENSE

 

Sweet Jasmine Cítricos, frutos del bosque y sándalo.
Imperial Rose – Rosa, té verde y notas acuáticas.
Orris Mimosa – Violeta y orris.

 

Green Cardamom – Cardamomo verde.
Savage Garden – Vetiver, limón y salvia.
Oriental Vetiver – Cardamomo, galbanum, cedro y vetiver.

 

 

Black OudhMadera de Oudh, especias, pachuli.
Wild Fig – Higo, orris y clavo.
Precious Amber – Ámbar, enebro, cardamomo, ylang ylang, pachuli, vetiver.

 

Pvp: 44,50€ – 450ml
Tamaño mini: 19,50€ – 50ml

 

LOGO RITUALS

Este es un ejemplo de un sofá modular en su forma más pura. Su geometría ortogonal se basa en un diseño de modularidad rectangular, lo que significa que puede adaptarse fácilmente para adaptarse a cualquier situación y optimizar el espacio en el que se sienta.

KETTAL: Molo Collection by Rodolfo Dordoni

Cada módulo se puede desmontar y reorganizar, creando nuevos usos y configuraciones.

El diseño es estéticamente minimalista con piezas intencionalmente sobredimensionadas.

Por otro lado, los elementos decorativos no se han enfatizado concienzudamente para dar protagonismo a las diversas combinaciones de telas,
colores y detalles cuidadosamente seleccionados.

“Molo, o embarcadero en inglés, jetée en francés y embarcadero en español, es una estructura construida a orillas de un océano, mar, lago o río que se extiende desde la tierra sobre el agua; un lugar de amarre para botes, un descanso entre viajes y un refugio del oleaje. Un regreso a tierra firme y gente.