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In this High Point Market 2020, there are many trends you’ll be able to find that will be used in all the major design projects by top interior designersHigh Point Market‘s Style Spotters give us a little sneak peek of the design trends you’ll find at this event!

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Twice a year, in April and October, High Point Market is ready to inspire you with interior design trends. Even though this year, in April, the design event was canceled due to the pandemic, there is still much to see in October, with a design program that you’ll have the opportunity to see in person with all the safety protocols, but also with digital showrooms and workshops. Check out below the High Point Market 2020 trends you’ll find at this event and the forecast for the 2021 trends!

Curvilinear Lines

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Rachel Cannon, one of the Style Spotters, mention the newest trend of curvilinear lines in interior design. Interesting lines and a nostalgic feeling towards curvy furniture from the mid-century style, make for a trend we definitely wish to continue seeing in 2021. With a focus on staying home, that we’re sure will also continue next year, warm and inviting luxury furniture with curvilinear lines surely will steal your heart this year.

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Odette Sofa By Boca Do Lobo
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Contemporary Sideboards

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Soho Sideboard By Boca Do Lobo
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According to Nancy Fire, one of the Style Spotters, sideboards with a contemporary design and clean lines will be the “it” furniture piece for 2021. A piece that mixes organic vibes, creativity, and nostalgia will be the designer’s go-to for next year. If we’re changing the design to match our needs to stay home, this design trend showcased at High Point Market will definitely match every design lover’s needs, both in function and style.

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Stunning and Modern Sideboards To Revamp Your Dining Room's Design modern sideboards Trendy and Modern Sideboards For Your Luxury Dining Room Celebrating 15 Years of Luxury Design New Ebook by Boca do Lobo 8 Celebrating 15 Years of Luxury Design New Ebook by Boca do Lobo 8
Lapiaz Sideboard By Boca Do Lobo
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Modern Patterns

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Eden Center Table By Boca Do Lobo
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Patterns will always get us excited, and, for next year, you’ll find that modern patterns with neutral tones are the way to go. You’ll be able to successfully complete your decor in a stunning and elegant way. There is no going wrong with patterns like this, whether you add it to a rug, an armchair, or even on wallpaper.

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Empire Round Center Table By Boca Do Lobo
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“Back to Basics” forma parte de Virtual Design Destination, una acción que organiza la galería online Adorno y que este año ha mostrado virtualmente al mundo catorce muestras de diseño de catorce países diferentes durante el London Design Festival Bajo la temática “The New Reality”. La colección española “Back to basics”  de Adorno se inspira en el momento de reflexión creado por la pandemia para explorar un camino hacia lo básico y el diseño sostenible.  Está comisariada por la periodista Ana Domínguez Siemens  y formada por obras de Álvaro Catalán de Ocón, Belén Moneo, Inés Sistiaga, Inma Bermúdez, Júlia Esqué, Lucas Muñoz, Martí Guixé, Mayice Studio, Studio La Cube, Studio todo to do, y Tornasol Studio. Y ha contado con el patrocinio del Museo Nacional de Arte Romano de Mérida, Accion Cultural Española y Dekton by Cosentino.

“Back to Basics nace tras esta experiencia que nos ha obligado a parar, reflexionar y descubrir las infinitas posibilidades que nos pueden proporcionar las cosas más simples, las cosas básicas. Back to Basics  fue algo que ocurrió de forma natural, fue una sensación de huir de cualquier cosa artificial o ‘fantástica’, sentí la necesidad de mirar más a lo humano, más al trabajo en la tierra.”En general son piezas que reutilizan elementos ya existentes o que introducen innovación dentro de una técnica tradicional. Es una forma de experimentar el diseño desde un momento de reflexión, de parar y observar lo que nos es afín, lo que tenemos a mano, sin precipitaciones, sin grandes gestos

Ana Domínguez Siemens. Periodista y comisaria de la exposición

“Back to Basics” que pudo verse un el domingo 20 septiembre de una forma virtual, con las obras suspendidas sobre unos zócalos realizados por Cosentino con su revolucionario producto Dekton. Si no lo pudistéis ver, aquí os dejamos un pequeño avance. Podéis verla completa en la web del evento. Y, además todas las piezas están a la venta en la galería digital Adorno. especializada en  diseño coleccionable y artesanía,  encargó a catorce comisarios  que reflexionaran sobre experiencias, pensamientos y temas concretos acerca del “parón” para plasmarlo posteriormente en sus colecciones nacionales. El objetivo es que el diseño se convierta en herramienta para el cambio y aporte resultados e innovadoras soluciones a la nueva realidad.

Os muestro aquí a los diseñadores españoles seleccionados y sus proyectos:

Inés Sistiaga: Trip Collection

En esta colección Inés explora el color y la materialidad de la lana en composiciones gráficas que no representan más que los movimientos de sus manos mientras garabatea intuitivamente. Ella los ve como pinturas rápidas que se traducen cuidadosamente en hilo; líneas que pertenecen a movimientos de la mano escaladas a tapices textiles. Compara la creación de estos paneles con un paseo sin destino. Esta falta de rigor desaparece cuando empieza a hacerlos, los mechones en su estudio de Madrid con una pistola de hilo. El esfuerzo físico y la concentración que requiere este proceso, le parece un mantra. El sonido y el movimiento de la máquina, la velocidad y la tensión del hilo, y los límites dibujados a mano que marcan la composición, son el motivo de este viaje simbiótico entre ella y la máquina. Hecho a mano con lana de oveja holandesa teñida naturalmente. Acabado con lana “Latxa” del País Vasco.

Lucas Muñoz Tubular Chair (Edición especial)

Producida con conductos de ventilación y conectores estándar, además de una pieza de cuero colgante, esta edición única ha sido ilustrada por Antigoon, un street artist holandés. Lucas Muñoz

Álvaro Catalán de Ocón. ACdO. CU. Ceramic Vases

“CU”, es una colección de piezas creadas en cerámica, cobre y sílice con una técnica innovadora donde, como una especie de alquimia, cada pieza se transforma en un nuevo objeto en el que los colores y las líneas que lo adornan emergen de forma absolutamente única a través del proceso de cocción. Álvaro Catalán

Júlia Esqué. Narciso Mirror

Narciso” es tanto un espejo funcional como lúdico, ofrece nuevas dimensiones dentro de su interacción. Inspirado en los espejos biselados, tiene cinco planos separados. En consecuencia, cada cara interpreta una nueva realidad, reflejando vistas impredecibles del entorno. Hecho de una placa de acero inoxidable doblada, pulida en la parte delantera y cepillada mate en la parte trasera. Proyecto encargado por el Estudio Reisinger.

Martí Guixé. Respect Cheap Furniture  (Respetar los muebles baratos)  (7/50)

Silla de plástico monobloque de Turquía, pintura acrílica, inscrita con un marcador: Respect Cheap Furniture. Edición limitada de 50 +5 ap. Cada uno firmado y numerado. Marti Guixe

Studio La Cube: Trigo Perro Roca R4

Dicen Stefano Fusani y Clara Hernáncez:  ¿Alguien conoce a la naturaleza?.

La naturaleza que nos rodea diariamente es, o naturaleza humanizada (intervenida, afectada), o falsa naturaleza (creada directamente): cada estado revela una profunda y antigua domesticación del mundo, una adaptación y modelización de éste para las necesidades o ambiciones humanas. Tal vez por esta razón, la naturaleza bruta siempre se ha percibido como sublime y aterradora; todo lo que queda fuera del entorno domus se convierte en un inquietante “otro”. La humanidad necesita domesticarla y darle una función según las reglas de la racionalidad.

El terror y la sublimidad de la naturaleza desconocida sólo sirve para alimentar el misterio del mundo, para crear mitos literarios y dioses incontrolables. El positivismo exige explicación y función. Lo que todo en el mundo sigue el ejemplo del trigo, el perro, la cebada, la cabra, las rosas. El pan, la leche, la compañía, la belleza. Démosle una función y para ello no las tomamos como tales, no esculpimos: hacemos rocas, cambiamos su genética para disponer de ellas a nuestro gusto y necesidad. Hagamos rocas de objetos humanos, hagamos paños. Lleguemos al extremo, convirtamos los minerales en rocas domésticas, que buscan una función, para satisfacer el papel que les hemos asignado. Funcionalidad, belleza, compañía.

Seamos domésticos, comportémonos. Studio La Cuve

Tornasol Studio. Drift Armchair

Inés LLasera y Guillermo Trapiello han  ideado El sillón “Drift” es el resultado de la exploración de nuevas formas de representar la identidad náutica y el verano, construido a partir de diferentes elementos y materiales característicos del mar. Las boyas inflables sirven como respaldo y apoyabrazos de esta pieza. Ensambladas con una construcción ágil y un sistema mecánico, las boyas se insertan en la estructura de tubos metálicos. Tornasol Studio

Inma BermúdezAnother Nature

Esta poética serie de platos ha sido decorada con un lenguaje gráfico contemporáneo: por eso la colección se  Another Nature. Evoca, de hecho, una forma diferente de ver el mundo que nos rodea. La cuidadosa elección de los motivos se basa en una atenta investigación de los ricos archivos del atelier de Este Ceramiche; los animales y las flores, típicos del reconocido patrimonio de  Este Ceramiche porcelana han sido retratados en los platos con un ritmo inesperado para recrear escenas fantásticas. El delicado uso del dorado enriquece la percepción de la vajilla con sus brillantes destellos.

Another Nature es un proyecto desarrollado junto con la firma italiana Este Ceramiche en el marco del proyecto Doppia Firma, que reúne la innovación del diseño europeo y la tradición de la gran artesanía y está creando una colección única de objetos originales y refinados. Se venden individualmente. Cuatro colores disponibles: azul con pez, verde con caballo, marrón con perro y rojo con pájaro. Inma Bermúdez

Studio Todo to do. Obreras Vases

Las hermanas Elena Y Selina Feduchi,  han creado “Obreras” una colección de jarrones hechos con desechos de construcción encontrados en las calles.

La planta que nace de los escombros. Lo aparentemente frágil supera lo irrompible. ¿Por qué un jarrón se asocia con lo femenino? ¿Por qué el trabajo de construcción se asocia a lo masculino? De este contexto, traemos materiales y objetos de las obras de construcción, fríos y anodinos, al contrario, el mundo cálido y afectuoso del jarrón. Proponemos una vuelta de tuerca cambiando completamente el uso por defecto de los materiales de construcción. Studio Todo to do

Belén Moneo. Emérita Shelf

El diseño de la estantería de Emérita se enmarca dentro del proyecto REmix Vol.5 diseñadas en colaboración con BD Barcelona Design.La transparencia de los estantes de plexiglás (nuestro material característico) nos permite ver un bosque de columnas de madera. La rotundidad y solidez de este elemento se magnifica, revelando todas sus poderosas cualidades. Al mismo tiempo, la suspensión y rotación de las columnas, que parecen flotar, desafiando la gravedad, jugando con la percepción del espectador, y aligerando la pieza. Belen Moneo

Mayice Studio. Anello. Edición limitada

Anello”, un diseño de iluminación de círculos concéntricos que proyectan la luz, llenando el espacio en tres dimensiones. Los efectos de luz adornan el espacio en sus parámetros horizontales y verticales. Los tres brazos de aluminio pueden ser ajustables y movibles. Hechos a mano en España con vidrio soplado, aluminio, metal y tecnología LED.  Mayice

Para ver la exposición de España Back to Basichttps://virtualdesigndestination.com/country/spain/ y Adorno

se publicó primero en teresaherreroliving.com.

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48 Galerías, con más de 75 artistas, inauguran simultáneamente para poner en marcha el sector. Apertura transforma Madrid en capital del arte contemporáneo durante un fin de semana y así inicia la temporada artística. Apertura Madrid Gallery Weekend se celebra del 10 al 13 de septiembre

Apertura celebra su edición 10+1 y empieza este primer año de segunda década con el objetivo de acercarse y abrirse aún más a otros sectores de creación contemporánea. Habrá visitas programadas y colaboraciones con otras disciplinas,, en concreto este año la danza. las galerías acogerán intervenciones de ocho jóvenes compañías de danza residentes del Centro Coreográfico Canal.

Rosa Brun. DYSNOMIA. 2020. Óleo y acrilico sobre lienzo y madera. 209 x 109 x 16 cm. Galeria Fernandez Braso

 “En un contexto complicado y dominado por la incertidumbre –galerías que han visto mermados sus recursos e ingresos, ferias canceladas, exposiciones suspendidas…, Apertura Madrid Gallery Weekend 2020 cobra aún un mayor sentido en su undécima edición. Es el acto que volverá a poner en marcha el sector del arte contemporáneo

Manuel Fernández-Braso, presidente de Arte Madrid.

Nacho Criado. Mírame Senza Occhi. Galería Álvaro Alcázar

Este año la gran apuesta ha sido la digitalización. Arte Madrid se ha asociado con varios partners tecnológicos para ofrecer, además de la experiencia física, una experiencia 100% digital de Apertura Madrid Gallery Weekend. Gracias a ellos, las 50 exposiciones de las 48 galerías se podrán visitar también de manera virtual, desde cualquier dispositivo y desde cualquier lugar. Se realizarán muestras virtuales, visitas en streaming… se podrá buscar información sobre el trabajo de los artistas, estudiar las obras , incluso, comprar.

Daniel Verbis. El que guarda su boca guarda su alma, 2020. Galeria Daniel Cuevas

Todas las exposiciones de Apertura Madrid Gallery Weekend estarán disponibles, además de en la web de Arte Madrid https://www.artemadrid.com/, en la plataforma de información y venta online Artsy. Como escaparate de la escena cultural madrileña, esta página permanecerá activa durante todo el mes de septiembre, acercando la oferta de Madrid a otros mercados. Las muestras también serán visitables, en recorridos virtuales y en tres dimensiones, a través de Artland una plataforma que permite acercar las propuestas de las galerías a una audiencia global.

Concha Gómez Acebo. Die Stiefschwestern. 2020. Galería Utopía Parkway

En definitiva, vuelven a abrir las galerías como espacios seguros –respetando los aforos y manteniendo los requisitos sanitarios– con lo último en la creación contemporánea, siendo un escaparate para el trabajo de los artistas y queriendo convertirse también en un punto de encuentro del arte con otras disciplinas.

Isabel Muñoz. ST, serie Japón. 2020. Galería Blanca Berlín

La entrada Apertura: Madrid Gallery Weekend 2020 se publicó primero en teresaherreroliving.com.

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Convertir la cotidianidad en pura tendencia. Lo han conseguido el ilustrador Abe the Ape y el fotógrafo  Manu Toro al diseñar un manual visual para los nuevos envases de Pepsi Max, la bebida zero de Pepsi. De esta manera la firma se une a la tendencia creciente de asociarse a artistas y creadores que impriman su personalidad en la comunicación de sus productos

Esta es una campaña dirigida a la reina de las redes, Instagram, de la que me confieso adicta (podéis seguirme en @teresaherreroliving)  y dos creativos que navegan en ella como delfines.  Desde luego, Instagram es la mejor ventana para lanzar un nuevo envase a la medida de influencers y foodies y ellos Abe the Ape y Manu Toro lo han bordado. El ilustrador y el fotógrafo (de los que me declaro súper fan) no podían defraudar en absoluto. Ellos han sido capaces de inventarse un lenguaje visual inspirándose en los envases, con una personal línea línea gráfica. Y de ahí han nacido dos ilustraciones Arty y dos fotos oníricas y con un marcado estilo pop, que descubren cómo sería ‘La comida más instagrameable’ y ‘La cena más cool’ .

“Mi idea era mostrar tanto la lata como la botella de Pepsi MAX de manera conceptual. Para ello, imaginé un mantel de cuadrículas sobre el que colocar una serie de alimentos dibujados en un estilo #MidCenturyModern’ y representando alimentos típicos de la ‘Generación Z’ que van desde las pastas y las ensaladas, hasta el ramen y los pokes”.

Abraham Menéndez (Abe the Ape) , ilustrador, ceramista y personaje locuaz y crítico y comedor de Risketos

Un divertido viaje en el que ilustración y fotografía van de la mano por la senda de lo cotidiano. Porque las dos imágenes que han montado los dos  creativos y que firma Manu Toro escenifican lo que, sin duda, ya tiene garantizado una avalancha de likes. Queda clarísimo que estos eclécticos ejercicios visuales elevan al podio de mesa de autor el almuerzo y la cena de cada día. “La inspiración para recrear estos momentos de disfrute de Pepsi MAX, parte de los conceptos ilustrados por ‘Abe The Ape’ y los hace físicos a través de instalaciones abstractas que reflejan ese momento de sentarse a la mesa”, afirma el fotógrafo.

¿Y esto está al alcance de cualquiera? El osado Abraham dice que sí y  hasta ha dado unos tips para lograrlo: mezclar vajillas, formas y texturas, añadir unos toques de color con los alimentos, agitar hasta que surja algo muy personal, acertar con el ángulo y la toma… ¡y a triunfar en Instagram!

www.abetheape.es
www.instagram.com/manutoro.work

La entrada La comida más instagrameable y la cena más cool por Abe the Ape y Manu Toro: un tour por cuatro mesas de autor se publicó primero en teresaherreroliving.com.

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Tras colaborar con Coperni en el lanzamiento de sus últimas colecciones en Nueva York y en París durante las fashion weekeng, nace este proyecto común de USM y Coperni que se inspira en el concepto WWW (World Wide Web), el sistema público de hipertexto que ya inventó en 1990 por Tim Berners-Lee. A través de la instalación “WORLD WIDE HOME” se expresan los pilares del ADN de ambas empresas.

Coperni interesada en trasladar
al mundo de la moda conceptos como tecnología,
innovación y entorno digital,
y USM que ha basado su cultura de marca en la modernidad, la anticipación
y la conectividad, desde
la creación en 1963 del pionero sistema de mobiliario modular USM Haller.

El proyecto además, pone en práctica parte de las reflexiones llevadas a cabo por USM durante varios años sobre la evolución de los estilos de vida y el trabajo, y los lugares donde estos se encuentran. Ideas que ah ido materializando a través de sus instalaciones. He tenido la suerte de poderlas conocer en profundidad y disfrutar in situ en los, en el stand de USM de los dos últimos Salone del Mobile, en la Designers Saturday de Lagenthal, y además, por supuesto, en las instalaciones de su fábrica de Musingen, muy cerca de Berna.

Este espacio de trabajo aparece completamente transformado: refinado, más imponente o incluso orgánico con elementos agregados en un nivel superior (estantes, reposa libros, etc.)  El escritorio está compuesto por tubos muy cortos y bolas de conexión USM. Las bandejas de trabajo de plexiglás personalizadas proporcionan la funcionalidad necesaria al mismo tiempo que ofrecen la posibilidad de individualizarla de acuerdo con las necesidades del usuario, que puede agregar módulos satelitales también cubiertos con una bandeja de plexiglás.

Trabajo y relax

La escenografía imaginada por Coperni está diseñada en dos espacios:  Un primer espacio de “trabajo”evoca el ambiente de trabajo de los grandes inventores de Information Technology de los años 90. La oficina está en el centro y a su alrededor gravitan elementos como la biblioteca o la impresora.

La monumental biblioteca de USM está inspirada en el código binario y su bit se usa para representar números usando la numeración de posición con solo dos dígitos: 0 y 1.A través de esta pieza, los creadores rinden homenaje directo a los lenguajes de programación y codificación por computadora, alternando de manera repetitiva y sistemática módulos abiertos o cerrados, pero todos de dimensiones idénticas.

El segundo espacio, un dormitorio se ha imaginado como: “un lugar para la reflexión, el descanso y la ensoñación”. Una cama contrasta con un tocador que se eleva hacia el cielo. La cómoda luce en el espacio, sencilla y sobria. Su idea: que el acto de vestirse sea lo más eficiente posible. Cada mueble está diseñado como un lienzo, neutral e infinitamente modular y totalmente personalizable.

Una cama baja está rodeada por 4 mesitas de noche en esquina, formadas por módulos USM Haller en una disposición inusual. La construcción de este conjunto evoca la inmaterialidad de la WEB y más particularmente la ausencia de altibajos. El conjunto es totalmente modular, adaptándose a cualquier tamaño de cama.

La alfombra azul, una evocación directa de la iconografía WEB, reviste los dos ambientes y se extiende verticalmente en la pared del dormitorio. Simboliza la inmaterialidad de la red: sin parte superior, sin fondo. Un mundo sin principio, sin fin, sin antes ni después, así nos lo cuentan y así nos quedamos: totalmente fascinados.

Un tocador con proporciones amplificadas se imagina como un objeto de reflexión que cuestiona el concepto de verticalidad y la voluntad de elevarse. El gabinete está completamente formado por tubos cortos y bolas de conexión USM en las que se injertan módulos externos de acuerdo con la elección del cliente (estantes, reposa-secador, espejo de aumento, etc.).

Más info: USM

La entrada El icónico fabricante de muebles suizo USM y la firma de moda Coperni, presentan su última instalación “WORLD WIDE HOME” se publicó primero en teresaherreroliving.com.

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In real life/En la vida real vuelve a abrir sus puertas este mes de junio. Fue una de las últimas grandes exposiciones en inaugurarse en febrero y probablemente, pocos, los afortunados en recorrerla. Ahora, según comunica el museo Guggheim Bilbao se va a prolongar hasta los meses de verano. Así que, apuntadla en la wishlist de actividades post covid.

La Tate Modern de Londres, organizó la
exposición, que después en colaboración con el Guggheim ha viajado a Bilbao
para brindarnos algunas de las instalaciones y obras más emblemáticas del
artista danés-islandés. Comisariada por Mark Godfrey, Senior Curator de International Art, Tate Modern,
y Lucía Agirre, Curator del Museo Guggenheim Bilbao la muestra de Olafur
Eliasson nos anima a reflexionar. A
través de materiales como  musgo, agua,
hielo de glaciares, niebla, luz o reflejos metálicos invita a la participación
y a comprender el mundo

Del interés de Eliasson, un artista integral que aúna ciencia, humanismo y belleza por la percepción, el movimiento, la física y las sensaciones, nace su arte. Desde su estudio de Berlín lanza su preocupación por la naturaleza, inspirada por el tiempo que pasó en Islandia; su investigación sobre la geometría o sus análisis sobre como o percibimos, sentimos y nos enfrentamos al mundo que nos rodea.

La exposición cuenta con 30 obras entre pintura, escultura, fotografías e instalaciones entre 1990 y 2020. Las hay creadas con musgo hielo, niebla, luz y color Son obras que buscan, sus el espectador cuestione su comprensión y percepción del mundo físico. Como aperitivo, os traigo este avance y os sugiero que hagáis alguna de las visitas guiadas, que a puerta cerrada, ha estado haciendo su comisaria y que podéis encontrar en la web del museo y Youtube.

Entre ellas destaca la cascada de más de 11 m de  altura, que en el exterior adorna la fachada del museo. Hecha con un andamio y una serie de bombas (a Eliasson le gusta enseñar los mecanismos) vierte el agua en el estanque del museo. Un primer intento de transmitir la sintonía entre tecnología y naturaleza.  Antes de llegar a Bilbao ha estado expuesta en Sidney, Nueva York, Sao Paulo y Versalles.

Espejos, túneles caleidoscópicos, niebla...

“¿Es real lo que vemos? Los sentidos se pueden ver modificados por muchos elementos, la luz, el color, el espacio…. Esto es lo que nos esta diciendo Eliasson a lo largo de esta exposición”.

Lucía Agirre. Comisaria de la exposición.

Y a continuación nos muestra, una de las piezas estrella de la muestra: Pared de liquen (Moss wall) (1994), una gigantesca pared de musgo, una pared hecha con un liquen de reno (cultivado) que llega desde de Islandia. Una de mis favoritas, precursora de los jardines verticales.

La niebla protagoniza Tu atlas atmosférico de color (Your atmospheric color atlas) (2009) el visitante penetra en una sala multicolor cubierta de niebla. Tres colores, rojo, verde y azul, actúan a  modo de guía visual. La idea que utilicemos otros sentidos ya que la niebla nos impide ver. Observamos como la luz hace que se proyecten las formas interiores.

Otra de mis favoritas: Tu sombra incierta (color) [Your uncertain shadow (colour)]. 2010, nuestra sobre se fragmenta en diferentes colores, nuestras sombras revelan los colores que componen una luz aparentemente blanca proyectada sobre una pared. A medida que te acercas la sombra se funde en un solo color.

‘Habitación para un color’ (‘Room for one colour’), 1997, hace desaparacer los colores. Las lámparas emiten una luz amarilla, que reduce la percepción del color por parte del observador, a marillo, negro y grises. Todo se vuelve de pronto blanco y negro, como en su Islandia natal.

La comisaria destaca en el recorrido la Sala de maquetas Model room (2003) que agrupa cerca de 450 modelos, prototipos y estudios de geometría de varis tamaños. Algunas corresponden a piezas que están en la exposición, otras no se han hecho y otros funcionan como el objeto en sí mismo. Es evidente el gusto del artista por los espejos y los reflejos para que el visitante experimente con su propia figura.

Otra de las salas, totalmente a oscuras, acoge la Fuente Big Bang (2014) que cuenta una luz estroboscópica que ilumina una fuente de agua y hace que el chorro se tenga en una secuencia única a la vez que toma diferentes formas.

Somos Naturaleza

 “We are nature”, ha explicado Eliasson, “somos bacterias, células, átomos… y cuando pensamos en lo que nos compone es cuando creamos cultura”. La naturaleza recorre toda la trayectoria de Olafur Eliasson, conocido por su compromiso con la sostenibilidad, con su entorno natural y social.

Sus obras son un grito de alerta, una llamada de atención que propone cambio de formas en la manera de experimenta el mundo. “Podemos construir un futuro mejor” explica a sus espectadores , a los que invita a experimentar y a tomar partido Así busca el diálogo y la conexión con las personas.  Es su forma de entender el arte, de mirar hacia adelante. Eliasson está convencido de que el arte puede influir en el futuro.

“Estamos a tiempo de redefinir esas estructuras conservadoras, de hacer visible lo invisible, de rediseñarlas, para que el mañana sea mejor que el ayer”.

Olafur Eliasson

Más info: Museo Guggenheim Bilbao y Olafur Eliasson

La entrada El museo Guggenheim Bilbao reabre la exposición “En la Vida Real” de Olafur Eliasson se publicó primero en teresaherreroliving.com.

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Mayrit es festival inclusivo y participativo con diez propuestas articuladas por Miguel Leiro, su director, con un claro objetivo: reivindicar el diseño contemporáneo como un motor cultural que desde Madrid abre horizontes al mundo

En el contexto temporal del Madrid Design Festival, Mayrit nace como una alternativa joven y emergente al margen de circuitos comerciales y oficiales y ha presentado diez proyectos que se alejan del aspecto funcional del diseño y exploran otros ámbitos de la cultura, el pensamiento y la comunicación.. “Mayrit, que significa tierra rica en agua, fue el nombre del asentamiento medieval que dio lugar a la capital”, explica Miguel Leiro. Una metáfora acuática, un guiño, con la que el director del festival quiere explicar cómo “la capacidad artística de los jóvenes creadores es el caudal que nutre y enriquece la ciudad”.

Un torrente que ya veíamos llegar y al que se han ido sumando de forma espontánea muchos diseñadores de distintas partes de España y del mundo que trabajan o pasan temporadas en Madrid. Desde que surgiera Molto molto fuori en 2018, varias muestras daban indicios de que algo emergía…, un entusiasmo por generar nuevas dinámicas y contenidos alternativos con una identidad ‘glocal’, universal, pero también autóctona. La iniciativa del diseñador Miguel Leiro, que ya organizó una muestra de jóvenes creadores en el evento NYXDesign “Errata Books”, en Nueva York, –al que asistió Diseño Interior–, ha reunido a creadores como Tomás Alonso, gallego residente en Londres, o Jorge Penadés, malagueño y madrileño; y pretende potenciar y realzar el papel del nuevo diseño como herramienta de compromiso y cambio: “Igual que el agua enriquecía aquel pequeño enclave en el que se fraguó el origen de nuestra ciudad, continúa Leiro, el talento de los participantes en Mayrit nos guía hacia un futuro incierto en el que el diseño desempeñará un papel fundamental”.

Arranging Porcelain
por Tomás Alonso. Foto Laura San Segundo.

Una antigua carbonería (estudio del artista Aldo Chamorro) el Aparador Monteleón se transforma en un nuevo offspace, y encuentro de reflexión en el arte y el diseño. Participa el diseñador, con base en Londres, Tomás Alonso

Órbitas por Tornasol Studio. Foto Asier Rúa.

Exposición que presentó la obra reciente e inédita de Tornasol
Studio en el espacio Nave Pilarica, un conjunto de objetos y muebles entre lo
arquitectónico y el diseño de producto. Inés Llasera y Guillermo Trapiello
exploran más allá de la funcionalidad variables no tan evidentes como la
identidad material o el valor simbólico de las cosas.

Extraperlo por Jorge
Penadés. Foto: Asier Rúa.

Comisariada
por Jorge Penadés, en la 2º edición de Extraperlo, plataforma curatorial para
lo “inortodoxo, participaron: Matylda Krzykowski, Attua Aparicio, Odd Matter,
Juan García Mosqueda, Fredrik Paulsen, Lex Pott. Objetivo: desafiar los
sistemas, estructuras y códigos que rigen el diseño y ofrecer una alternativa
independiente al margen de los circuitos comerciales e institucionales.

En Mayrit han colaborado artistas, diseña- dores, artdesigners, makers, colectivos… Además de Penadés y Tomás Alonso, Parasite 2.0, Tornasol Studio, Joel Blanco y Julen Ussía, Pablo Ferreira y Andrés Izquierdo, Studio LaCube y Luminous Studio, Koln y Ruge…, todos estos últimos realizando proyectos o acciones conjuntas y participativas. El programa ha incluido una decena de actividades, entre charlas, talleres, exposiciones e instalaciones, como Turning into Red Thin Air, de los madrileños Andrés Izquierdo y Pablo Ferreira, un proyecto inmersivo alrededor de relatos de historias de “metamorfosis” como la de Ovidio; todos con un punto común: una transformación física pero sobre todo psicológica. Un fenómeno que vive perpetuamente en el objeto y se manifiesta como un hechizo en el espectador.

Cenicers Siempre
por Joel Blanco + Julen Ussia. Foto Asier Rúa.

Taller de ceniceros
inclusivo y abierto organizado por los diseñadores Julen Ussía (Amurrrio
1993) y Joel Blanco (A Coruña 1991) en el Espacio Abastos, en el que intentaron
dar forma a los sueños, “en el caso en
que sueñes con ceniceros, explican
” Cada participante creó su propio
diseño.

Por su parte, Habitar el espacio instalativo, el proyecto del estudio LaCube, formado por Stefano Fusani y Clara Hernández, estaba compuesto por dos partes: la instalación Desert Plateau, creada por el colectivo Parasite 2.0 en la facultad de Arquitectura de la UPM, que recreaba un desierto doméstico a través de imágenes y sensaciones, siendo obra y espacio a la vez; la segunda, un workshop para alumnos en la ETSAM. “Hemos montado un desierto, cuna de civilizaciones y religiones, pero en un espacio cerrado y pensando en el calentamiento global”, explica Stefano Fusani, fundador de LaCube Otro de los platos fuertes de Mayrit ha sido Extraperlo, plataforma curatorial en la que su comisario, el diseñador Jorge Penadés, volvió a pedir a creadores como Matylda Krzykowski, Attua Aparicio, Odd Matter, Juan García Mosqueda, Fredrik Paulsen y Lex Pott el envío de una obra que entrase en una caja de zapatos. Las piezas se vendían entre 1 y 500 euros, importe íntegro para los autores. La ubicación, secreta hasta el último momento. Jorge Penadés, para el que Mayrit “es el futuro de los creadores independientes”, la respuesta de la gente, de dentro y fuera, ha sido espectacular. “Me han ofrecido llevar Extraperlo a otros países”, cuenta. Este año con el apoyo de Mayrit ha sido más fácil, esperamos repetir”.

Desert Plateau por Parasite 2.0 +LaCube. Foto Asier Rúa.

El  proyecto del estudio La Cube consistió en una
instalación del colectivo Parasite 2.0 que recrea un desierto en la facultad de
arquitectura de la UPM de Madrid, una obra y un espacio a la vez que pasa a
formar parte de la facultad.

Liminal Encounters fue otro de los hits del Festival. Una exposición colectiva que re- unió proyectos de diseñadores y arquitectos que mostraron piezas que abarcan desde el diseño de producto más funcional, hasta el pensamiento arquitectónico más conceptual. La idea partió de la firma suiza de cerramientos Panoramah!, que ha cedido parte de sus instalaciones para que un grupo de diseñadores montaran un coworking: Guillermo e Inés de Tornasol Studio, Claudia Paredes, Teresa Fernández Pello y Selina Feduchi contactaron con otros creadores como Miguel Leiro, Fabien Cappello, los arquitectos de Maio o el colectivo Objects of Common Interest con el objetivo de trabajar con los materiales básicos de la firma, vidrio y aluminio, para diseñar productos susceptibles de estar en un espacio de tránsito, el vestíbulo de la empresa, de ahí el nombre de Liminal Encounters, que, según explica la arquitecta Claudia Paredes, coordinadora de la muestra, simboliza un espacio de espera o transición.

Liminal Encounters
(Espacio Liminal) Expo Colectiva. Fotos Geray Mena.

En  la sede de la firma Panoramah, empresa suiza especializada en ventanas, un grupo de diseñadores creó objetos funcionales explorando sus materiales: vidrio y aluminio. Piezas creadas por: MAIO, estudio de arquitectura, Claudia Paredes, Fabien Capello Teresa Fernández-Pello, Piovenefabi, Miguel Leiro (creador de Mayrit), Selina Feduchi, Objects of Common InterestTornasol Studio

Untitled blue por Luminous Studio y La Cube. Foto Asier Rúa

Un espacio de diálogo entre la alta joyería y el diseño
contemporáneo. A través de la luz se relacionaban las delicadas joyas de Luminous Studio con las
sutiles piezas de luz elaboradas con tubos de hierro doblado de La Cube.

Super Spacio Seguro por Joel Blanco. Foto Asier Rúa. Comisariada por Joel Blanco

Un espacio en donde expresar de  forma segura, sin complejos y con total sinceridad, el amor en todas sus formas. Objetivo: que todas estas muestras de amor pueden ser representantas dentro de un espacio seguro, amable y con la tolerancia como valor máximo.

A destacar también el Súper Espacio Seguro de Joel Blanco, una paradójica acción sobre visibilidad con participantes secretos; la exposición de Órbita en la blanquísima Nave Pilarica y la muestra de Tomás Alonso en el Aparador Monteleón, un espacio con el concepto experimental que tienen los offspaces –como el alemán Kabinett füraktuelle Kunst de los años 60 o el reciente White Cubicle Toilet Gallery de Londres–, lugares de experimentación y divulgación para dar acceso a planteamientos y reflexiones sobre el arte y el diseño al margen de los circuitos comerciales e institucionales tradicionales. Igualmente, Koln X Rug, una acción de improvisación en la que los artistas visitaban los talleres de otros y, tras elegir 10 o 15 objetos, realizaron con ellos una pieza conjunta única.

Turning into red thin Air por Andrés Izquierdo y Pablo Ferreira. Foto Geray Mena.

Ambos creadores
participaron en Mayrit con esta instalación inmersiva en la que cuestiones
espirituales y metafísicas planteadas a través de la luz y el espacio se
mezclaron con temáticas terrenales como lo corpóreo, lo ritual, lo simbólico o
lo divino.

Mayrit ha concluido con un gran éxito. Para mi equipo, Cristina Schaver, Víctor Clemente, y para mí, ha sido todo un reto montar el festival. Nunca habíamos afrontado un proyecto independiente de semejante envergadura y nos ha permitido aprender muchísimo. Además, su objetivo: reunir una generación de nuevos diseñadores españoles, se ha cumplido con creces. Y hemos logrado crear creado una plataforma con la cual se ha podido dar un golpe sobre la mesa. Madrid ya se está considerando como una ciudad para el diseño, y estamos muy satisfechos de haber puesto nuestro granito de arena a base de un esfuerzo colectivo brutal”.

Miguel Leiro, Director del Festival Mayrit

El esfuerzo colectivo es el motor del cambio

Más Info:

Mayrit

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Casa Decor 2020

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Profesionales de la edición Casa Decor 2020 (5)
27 / 02 / 2020

Llegamos a la cuarta planta, final de nuestro repaso para conocer a los profesionales que estarán en Casa Decor 2020. A tan solo una semana de la inauguración de la Exposición, todos ellos ultiman los detalles que harán de sus espacios fuente de inspiración para visitantes y profesionales, y de Casa Decor, la mejor plataforma de interiorismo, tendencias y estilo de vida de Europa.

Habitaca

Inspirándose en la decoración palaciega de los siglos XVIII y XIX con todo su esplendor, mezclado con el espíritu del apar-tamento de Coco Chanel en la Rue Cambon de París, Begoña Nicolau y Ela Blasco Villanueva, han proyectado el recibidor «Renacer». A la inherente elegancia del estilo clásico, le han querido dar un toque de modernidad, haciendo que resurja con las tendencias actuales que incluyen arte, colores neutros y contraste. Atreviéndose a jugar con la luz y proponiendo las lámparas antiguas como nueva tendencia decorativa.

Pia Paisajismo

Coqueta y magníficamente decorada, la terraza proyectada por el equipo de Pia Paisajismo en Casa Decor 2019 demostró una cosa: que se puede crear un bosque en un ático en pleno centro de Madrid, convirtiéndolo en un oasis de calma y tranquilidad donde olvidarnos del estrés y la rapidez del entorno urbano que nos rodea.

En Casa Decor 2020, a falta de espacios exteriores, a los componentes de Pia Paisajismo les surgió la duda de su participación en la Exposición de este año. Sin embargo, nada más entrar en Velázquez 21 y ver los espacios disponibles, les surgió una idea de manera natural, tan sencilla y compleja a la vez: crearían un bosque onírico en un interior y qué mejor manera de completarlo que con una biblioteca, algo imposible de encontrar, pero que todo el mundo desearía tener. Así han completado su espacio «Biblioteca en un bosque». Estamos seguros que lo han resuelto con toda garantía.

Ele Room 62

Participantes por separado en varias ediciones de Casa Decor, entre los años 2012 y 2014, en la edición de  2016 las interioristas Inmaculada Recio y Silvia Trigueros se presentaron con su estudio de interiorismo Ele Room 62.  Su primer proyecto como equipo fue el comedor privado «Ínsula Barataria«, un espacio organizado en tres ambientes: una cocina y dos comedores.

En 2017 participaron con dos espacios: el dormitorio «Living Green» y el baño para Jacob Delafon, con una zona para ella y otra para él. En 2018, Ele Room 62 realizó tres proyectos: el hall «La espera de la dama» para Alvic; el apartamento de Bélgica y el baño «Luí, lei» para Axor.

En 2019, Ele Room 62 colaboró con la firma Gira para recrear «The Cage» un lobby de hotel con un aire atrevido, pero con un estilo elegante, contemporáneo y fresco. En esta edición, Ele Room 62 dará forma al espacio de Bang & Olufsen, un salón-comedor-bar de estética japonesa.

Cynthia Román

El baño «Perdurabilidad en el tiempo» fue el proyecto con el que la interiorista participó en Casa Decor 2014. Su segunda intervención no llegó hasta la edición del año pasado, donde se encargó de diseñar otro proyecto de baño, en este caso se traba de los aseos de uso público de Núñez de Balboa, 86.

En Casa Decor 2020, ha cambiado de registro para presentarnos un dormitorio con el que que nos invita a conectar con nosotros mismos y a dejar al otro lado de la puerta cualquier preocupación, convirtiéndose así en nuestro templo mas privado.

Angelina Sanz

En Perpendicular Arquitectura, una empresa joven, pero compuesta por profesionales con más de 20 años de experiencia en la construcción de retail, gestionan proyectos arquitectónicos completos, ofreciendo un servicio integral con una calidad excelente, desde la realización del proyecto, construcción e instalación, hasta llegar al mantenimiento una vez finalizada la obra.

Llega por primera vez a Casa Decor con el proyecto «Sinergía», ambientado en una habitación de juegos para hombres, que representa la sinergia entre un estilo clásico con otro minimalista, con una base monocromática para que sus formas y relieves sean lo representativo de cada estilo.

Personalk

PersonalK. Diseño de Interiores a Medida, el estudio fundado por Pilar Alberola y Lucía González-Orús cuya actividad principal es la arquitectura de interiores y la decoración, interviene por primera vez en Casa Decor de la mano de la firma Delamora Espacio Integral para realizar el proyecto «Cocina in & out», inspirado en una villa mediterránea donde convive el mueble de vanguardia con la naturaleza.

Wanna

El equipo de Wanna ha sido el encargado de diseñar el espacio Formica Group. Se trata de un dormitorio con baño al que han llamado «Horizonte 88. Glamping lunar donde ver las estrellas», donde se une el glamping, un estilo de viaje en auge que cobrará relevancia en hospitality, con un interior inmersivo de colores inspirados en el cielo y la tierra, a los que aportan contraste gráfico mediante metálicos.

Francisco Silván

Francisco Silván, funda Arquitectura de Interior, en el 2002. De familia con fuertes inquietudes artísticas, crece y se desarrolla como Artista Plástico, desde muy joven en distintos ámbitos artísticos. En su estudio, realiza proyectos a medida dirigidos a un perfil de cliente que aprecia la exclusividad, la originalidad y la calidad. Como diseñador vanguardista ha desarrollado proyectos de arquitectura de interior, para empresas del sector servicios, hostelería, así como para un público privado. En la actualidad, enfoca su desarrollo artístico hacia el mundo del diseño contemporáneo.

Geberit, firma que ha colaborado en varias ediciones de edición de Casa Decor, este año ha elegido a Francisco Silván como diseñador oficial de su espacio, después de que éste se hiciera con el primer premio del concurso convocado por la firma suiza, experta en porcelana sanitaria y tecnología para el baño, y el Colegio Oficial de Decoradores y Diseñadores de Interior de Madrid.  

Mónica Garrido

En 2015, los baños de La Palma, 10, diseñados por Mónica Garrido, gustaron tanto que no se desmontaron después de la exposición. Siguieron siendo los baños públicos de El Paracaidista, un gran multiespacio, con concept store, decoración, belleza, coctelería, cine, café y restaurante con terraza, hasta su cierre el años.

Tres años después, en 2018, la decoradora volvió a Casa Decor para diseñar el lobby de un hotel, donde interpretaba las luminarias de LZF Lamps: elegantes, sobrias, naturales y con unas curvas delicadamente perfectas.

En Casa Decor 2020, Mónica está realizando un dormitorio para el espacio de La Redoute, la tienda online especializada en moda y decoración del hogar.

Deulonder

Cada vez que Deulonder, el estudio de interiorismo especializado en la realización de cocinas y planchadores dirigido por las interioristas Chone de la Sotilla y Lluïsa Deulonder, ha realizado un proyecto en Casa Decor, y llevan 12 entre Madrid y Barcelona, visitantes y profesionales del sector quedan fascinados.

En la primera edición de los Premios Casa Decor en 2013, los visitantes con sus votos dieron como ganador a su proyecto de cocina, con planchador, comedor y zona de despensa. Tres años después, en 2016, volvieron a alzarse con el premio por su maravillosa cocina  Las dos doncellas – Family Room, con zona de comedor y dos espacios adicionales: una despensa y un cuarto de lavabo y plancha.

En Casa Decor 2019, volvieron a alzarse con el Premio del Público por su cocina-comedor «The Living Cook», un espacio con múltiples zonas, lleno de detalles que delataban el placer por el arte culinario y la buena mesa.

En esta edición, seguro que volverán a dejarnos fascinados con el cuarto de lavado y plancha «Utility Room» en el que están aplicando el principio de “un sitio para cada cosa y cada cosa en su sitio”, con el estilo “cosy” que les caracteriza.

Gabriel Bautista

Y llegamos al espacio 64 y último que configura la edición de Casa Decor 2020, donde Gabriel Bautista, de Antro Design, está realizando el proyecto «Mainstream», una sala de televión para el disfrute de la cultura popular, difundida a través de la televisión. Un ambiente irreal que transporte a un espacio de abstracción, donde la música, la iluminación y el televisor son protagonistas.

Gabriel Bautista se estrenó en Casa Decor con el mural de expositores de 2018, «La Rotativa«, una instalación con más de 65 metros de papel impreso en continuo movimiento con la cual el decorador consiguió mostrar toda la creatividad de las empresas que hicieron posible el evento. Y en 2019, nos sorprendió con el espacio que acogía la entrada y la taquilla de Núñez de Balboa 86, un proyecto que firmó con la colaboración del arquitecto Andrés Ruiz Bernabé.

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Después de presentar la colección Objets Nomades en el Palazzo Serbelloni de Milán en Fuorisalone 2019, Louis Vuitton ahora tiene una exposición en Los Ángeles. Sillas, sofás y estanterías son las nuevas piezas que adquieren cualidades mágicas.

Caminar por esta exhibición de lujo en Los Ángeles de alguna manera se siente reconfortantemente familiar y deliciosamente inesperado. En esencia, las piezas en exhibición son los tipos de artículos cotidianos que encontraría en cualquier hogar (sillas, sofás y estanterías), pero cada uno ha sido reinventado, creaciones de mentes innovadoras de diseñadores de todo el mundo.

El espectáculo representa la primera asociación entre la marca de moda francesa de lujo y Frieze Los Angeles, una plataforma para el arte moderno y contemporáneo desde 1991. La colaboración puede ser nueva, pero Louis Vuitton ha estado encargando piezas inspiradas en viajes para su colección Objets Nomades desde 2012 En ese tiempo, se creó una plataforma para más de una docena de diseñadores para crear trabajos influenciados y comentando sobre la experiencia de viajar.

 

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Louis Vuitton Diamond Mirror PM de Marcel Wanders, Bell Lamp de Edward Barber y Jay Osgerby, Blossom Stool de Tokujin Yoshioka, Bomboca Sofa de Fernando y Humberto Campana, Mandala de Zanellato / Bortotto
Considere el Swell Wave Shelf de Andrew Kudless, el primer diseñador estadounidense en crear una pieza para la colección. Sus estantes de roble suavemente curvados están suspendidos, uno debajo del otro, por correas de cuero rojo enhebradas a través de ranuras lisas en cada tablero. Esto crea una sensación de movimiento, un empujón que lo hace cobrar vida.Algunos de los fabricantes piensan en viajar un poco más prácticamente. El diseñador brasileño Humberto Campana, quien, junto con su hermano Fernando, creó varias piezas para la colección, dice que le gusta inspirarse en los materiales únicos que encuentra en el extranjero y crear hermosas piezas de arte que tienen alma y función.

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Louis Vuitton Bulbo by Fernando and Humberto Campana; Cocoon by Fernando and Humberto Campana

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Los hermanos Campana también se inspiran en la naturaleza, especialmente en la belleza de su país de origen, Brasil. Cuando miramos la pieza Cocoon, una silla colgante con forma de huevo revestida de cuero, perforada por completo con recortes ondulados, podrías pensar que son hojas. Así es como incorporan bellamente la naturaleza en su arte moderno.

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Y debido a que las piezas de Objets Nomades están hechas a mano por los artesanos de Louis Vuitton, la experiencia y la atención al detalle son evidentes. Todos los conceptos de esta colección encarnan sus ideales compartidos del amor por la belleza de los materiales nobles, la posibilidad de formas y proporciones perfectamente equilibradas, la artesanía compleja y meticulosa y la atención a los detalles.

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Outside the Louis Vuitton Objets Nomades exhibition in partnership with Frieze Los Angeles.