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In this High Point Market 2020, there are many trends you’ll be able to find that will be used in all the major design projects by top interior designersHigh Point Market‘s Style Spotters give us a little sneak peek of the design trends you’ll find at this event!

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Twice a year, in April and October, High Point Market is ready to inspire you with interior design trends. Even though this year, in April, the design event was canceled due to the pandemic, there is still much to see in October, with a design program that you’ll have the opportunity to see in person with all the safety protocols, but also with digital showrooms and workshops. Check out below the High Point Market 2020 trends you’ll find at this event and the forecast for the 2021 trends!

Curvilinear Lines

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Rachel Cannon, one of the Style Spotters, mention the newest trend of curvilinear lines in interior design. Interesting lines and a nostalgic feeling towards curvy furniture from the mid-century style, make for a trend we definitely wish to continue seeing in 2021. With a focus on staying home, that we’re sure will also continue next year, warm and inviting luxury furniture with curvilinear lines surely will steal your heart this year.

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Odette Sofa By Boca Do Lobo
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Contemporary Sideboards

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Soho Sideboard By Boca Do Lobo
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According to Nancy Fire, one of the Style Spotters, sideboards with a contemporary design and clean lines will be the “it” furniture piece for 2021. A piece that mixes organic vibes, creativity, and nostalgia will be the designer’s go-to for next year. If we’re changing the design to match our needs to stay home, this design trend showcased at High Point Market will definitely match every design lover’s needs, both in function and style.

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Stunning and Modern Sideboards To Revamp Your Dining Room's Design modern sideboards Trendy and Modern Sideboards For Your Luxury Dining Room Celebrating 15 Years of Luxury Design New Ebook by Boca do Lobo 8 Celebrating 15 Years of Luxury Design New Ebook by Boca do Lobo 8
Lapiaz Sideboard By Boca Do Lobo
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Modern Patterns

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Eden Center Table By Boca Do Lobo
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Patterns will always get us excited, and, for next year, you’ll find that modern patterns with neutral tones are the way to go. You’ll be able to successfully complete your decor in a stunning and elegant way. There is no going wrong with patterns like this, whether you add it to a rug, an armchair, or even on wallpaper.

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Empire Round Center Table By Boca Do Lobo
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“Back to Basics” forma parte de Virtual Design Destination, una acción que organiza la galería online Adorno y que este año ha mostrado virtualmente al mundo catorce muestras de diseño de catorce países diferentes durante el London Design Festival Bajo la temática “The New Reality”. La colección española “Back to basics”  de Adorno se inspira en el momento de reflexión creado por la pandemia para explorar un camino hacia lo básico y el diseño sostenible.  Está comisariada por la periodista Ana Domínguez Siemens  y formada por obras de Álvaro Catalán de Ocón, Belén Moneo, Inés Sistiaga, Inma Bermúdez, Júlia Esqué, Lucas Muñoz, Martí Guixé, Mayice Studio, Studio La Cube, Studio todo to do, y Tornasol Studio. Y ha contado con el patrocinio del Museo Nacional de Arte Romano de Mérida, Accion Cultural Española y Dekton by Cosentino.

“Back to Basics nace tras esta experiencia que nos ha obligado a parar, reflexionar y descubrir las infinitas posibilidades que nos pueden proporcionar las cosas más simples, las cosas básicas. Back to Basics  fue algo que ocurrió de forma natural, fue una sensación de huir de cualquier cosa artificial o ‘fantástica’, sentí la necesidad de mirar más a lo humano, más al trabajo en la tierra.”En general son piezas que reutilizan elementos ya existentes o que introducen innovación dentro de una técnica tradicional. Es una forma de experimentar el diseño desde un momento de reflexión, de parar y observar lo que nos es afín, lo que tenemos a mano, sin precipitaciones, sin grandes gestos

Ana Domínguez Siemens. Periodista y comisaria de la exposición

“Back to Basics” que pudo verse un el domingo 20 septiembre de una forma virtual, con las obras suspendidas sobre unos zócalos realizados por Cosentino con su revolucionario producto Dekton. Si no lo pudistéis ver, aquí os dejamos un pequeño avance. Podéis verla completa en la web del evento. Y, además todas las piezas están a la venta en la galería digital Adorno. especializada en  diseño coleccionable y artesanía,  encargó a catorce comisarios  que reflexionaran sobre experiencias, pensamientos y temas concretos acerca del “parón” para plasmarlo posteriormente en sus colecciones nacionales. El objetivo es que el diseño se convierta en herramienta para el cambio y aporte resultados e innovadoras soluciones a la nueva realidad.

Os muestro aquí a los diseñadores españoles seleccionados y sus proyectos:

Inés Sistiaga: Trip Collection

En esta colección Inés explora el color y la materialidad de la lana en composiciones gráficas que no representan más que los movimientos de sus manos mientras garabatea intuitivamente. Ella los ve como pinturas rápidas que se traducen cuidadosamente en hilo; líneas que pertenecen a movimientos de la mano escaladas a tapices textiles. Compara la creación de estos paneles con un paseo sin destino. Esta falta de rigor desaparece cuando empieza a hacerlos, los mechones en su estudio de Madrid con una pistola de hilo. El esfuerzo físico y la concentración que requiere este proceso, le parece un mantra. El sonido y el movimiento de la máquina, la velocidad y la tensión del hilo, y los límites dibujados a mano que marcan la composición, son el motivo de este viaje simbiótico entre ella y la máquina. Hecho a mano con lana de oveja holandesa teñida naturalmente. Acabado con lana “Latxa” del País Vasco.

Lucas Muñoz Tubular Chair (Edición especial)

Producida con conductos de ventilación y conectores estándar, además de una pieza de cuero colgante, esta edición única ha sido ilustrada por Antigoon, un street artist holandés. Lucas Muñoz

Álvaro Catalán de Ocón. ACdO. CU. Ceramic Vases

“CU”, es una colección de piezas creadas en cerámica, cobre y sílice con una técnica innovadora donde, como una especie de alquimia, cada pieza se transforma en un nuevo objeto en el que los colores y las líneas que lo adornan emergen de forma absolutamente única a través del proceso de cocción. Álvaro Catalán

Júlia Esqué. Narciso Mirror

Narciso” es tanto un espejo funcional como lúdico, ofrece nuevas dimensiones dentro de su interacción. Inspirado en los espejos biselados, tiene cinco planos separados. En consecuencia, cada cara interpreta una nueva realidad, reflejando vistas impredecibles del entorno. Hecho de una placa de acero inoxidable doblada, pulida en la parte delantera y cepillada mate en la parte trasera. Proyecto encargado por el Estudio Reisinger.

Martí Guixé. Respect Cheap Furniture  (Respetar los muebles baratos)  (7/50)

Silla de plástico monobloque de Turquía, pintura acrílica, inscrita con un marcador: Respect Cheap Furniture. Edición limitada de 50 +5 ap. Cada uno firmado y numerado. Marti Guixe

Studio La Cube: Trigo Perro Roca R4

Dicen Stefano Fusani y Clara Hernáncez:  ¿Alguien conoce a la naturaleza?.

La naturaleza que nos rodea diariamente es, o naturaleza humanizada (intervenida, afectada), o falsa naturaleza (creada directamente): cada estado revela una profunda y antigua domesticación del mundo, una adaptación y modelización de éste para las necesidades o ambiciones humanas. Tal vez por esta razón, la naturaleza bruta siempre se ha percibido como sublime y aterradora; todo lo que queda fuera del entorno domus se convierte en un inquietante “otro”. La humanidad necesita domesticarla y darle una función según las reglas de la racionalidad.

El terror y la sublimidad de la naturaleza desconocida sólo sirve para alimentar el misterio del mundo, para crear mitos literarios y dioses incontrolables. El positivismo exige explicación y función. Lo que todo en el mundo sigue el ejemplo del trigo, el perro, la cebada, la cabra, las rosas. El pan, la leche, la compañía, la belleza. Démosle una función y para ello no las tomamos como tales, no esculpimos: hacemos rocas, cambiamos su genética para disponer de ellas a nuestro gusto y necesidad. Hagamos rocas de objetos humanos, hagamos paños. Lleguemos al extremo, convirtamos los minerales en rocas domésticas, que buscan una función, para satisfacer el papel que les hemos asignado. Funcionalidad, belleza, compañía.

Seamos domésticos, comportémonos. Studio La Cuve

Tornasol Studio. Drift Armchair

Inés LLasera y Guillermo Trapiello han  ideado El sillón “Drift” es el resultado de la exploración de nuevas formas de representar la identidad náutica y el verano, construido a partir de diferentes elementos y materiales característicos del mar. Las boyas inflables sirven como respaldo y apoyabrazos de esta pieza. Ensambladas con una construcción ágil y un sistema mecánico, las boyas se insertan en la estructura de tubos metálicos. Tornasol Studio

Inma BermúdezAnother Nature

Esta poética serie de platos ha sido decorada con un lenguaje gráfico contemporáneo: por eso la colección se  Another Nature. Evoca, de hecho, una forma diferente de ver el mundo que nos rodea. La cuidadosa elección de los motivos se basa en una atenta investigación de los ricos archivos del atelier de Este Ceramiche; los animales y las flores, típicos del reconocido patrimonio de  Este Ceramiche porcelana han sido retratados en los platos con un ritmo inesperado para recrear escenas fantásticas. El delicado uso del dorado enriquece la percepción de la vajilla con sus brillantes destellos.

Another Nature es un proyecto desarrollado junto con la firma italiana Este Ceramiche en el marco del proyecto Doppia Firma, que reúne la innovación del diseño europeo y la tradición de la gran artesanía y está creando una colección única de objetos originales y refinados. Se venden individualmente. Cuatro colores disponibles: azul con pez, verde con caballo, marrón con perro y rojo con pájaro. Inma Bermúdez

Studio Todo to do. Obreras Vases

Las hermanas Elena Y Selina Feduchi,  han creado “Obreras” una colección de jarrones hechos con desechos de construcción encontrados en las calles.

La planta que nace de los escombros. Lo aparentemente frágil supera lo irrompible. ¿Por qué un jarrón se asocia con lo femenino? ¿Por qué el trabajo de construcción se asocia a lo masculino? De este contexto, traemos materiales y objetos de las obras de construcción, fríos y anodinos, al contrario, el mundo cálido y afectuoso del jarrón. Proponemos una vuelta de tuerca cambiando completamente el uso por defecto de los materiales de construcción. Studio Todo to do

Belén Moneo. Emérita Shelf

El diseño de la estantería de Emérita se enmarca dentro del proyecto REmix Vol.5 diseñadas en colaboración con BD Barcelona Design.La transparencia de los estantes de plexiglás (nuestro material característico) nos permite ver un bosque de columnas de madera. La rotundidad y solidez de este elemento se magnifica, revelando todas sus poderosas cualidades. Al mismo tiempo, la suspensión y rotación de las columnas, que parecen flotar, desafiando la gravedad, jugando con la percepción del espectador, y aligerando la pieza. Belen Moneo

Mayice Studio. Anello. Edición limitada

Anello”, un diseño de iluminación de círculos concéntricos que proyectan la luz, llenando el espacio en tres dimensiones. Los efectos de luz adornan el espacio en sus parámetros horizontales y verticales. Los tres brazos de aluminio pueden ser ajustables y movibles. Hechos a mano en España con vidrio soplado, aluminio, metal y tecnología LED.  Mayice

Para ver la exposición de España Back to Basichttps://virtualdesigndestination.com/country/spain/ y Adorno

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48 Galerías, con más de 75 artistas, inauguran simultáneamente para poner en marcha el sector. Apertura transforma Madrid en capital del arte contemporáneo durante un fin de semana y así inicia la temporada artística. Apertura Madrid Gallery Weekend se celebra del 10 al 13 de septiembre

Apertura celebra su edición 10+1 y empieza este primer año de segunda década con el objetivo de acercarse y abrirse aún más a otros sectores de creación contemporánea. Habrá visitas programadas y colaboraciones con otras disciplinas,, en concreto este año la danza. las galerías acogerán intervenciones de ocho jóvenes compañías de danza residentes del Centro Coreográfico Canal.

Rosa Brun. DYSNOMIA. 2020. Óleo y acrilico sobre lienzo y madera. 209 x 109 x 16 cm. Galeria Fernandez Braso

 “En un contexto complicado y dominado por la incertidumbre –galerías que han visto mermados sus recursos e ingresos, ferias canceladas, exposiciones suspendidas…, Apertura Madrid Gallery Weekend 2020 cobra aún un mayor sentido en su undécima edición. Es el acto que volverá a poner en marcha el sector del arte contemporáneo

Manuel Fernández-Braso, presidente de Arte Madrid.

Nacho Criado. Mírame Senza Occhi. Galería Álvaro Alcázar

Este año la gran apuesta ha sido la digitalización. Arte Madrid se ha asociado con varios partners tecnológicos para ofrecer, además de la experiencia física, una experiencia 100% digital de Apertura Madrid Gallery Weekend. Gracias a ellos, las 50 exposiciones de las 48 galerías se podrán visitar también de manera virtual, desde cualquier dispositivo y desde cualquier lugar. Se realizarán muestras virtuales, visitas en streaming… se podrá buscar información sobre el trabajo de los artistas, estudiar las obras , incluso, comprar.

Daniel Verbis. El que guarda su boca guarda su alma, 2020. Galeria Daniel Cuevas

Todas las exposiciones de Apertura Madrid Gallery Weekend estarán disponibles, además de en la web de Arte Madrid https://www.artemadrid.com/, en la plataforma de información y venta online Artsy. Como escaparate de la escena cultural madrileña, esta página permanecerá activa durante todo el mes de septiembre, acercando la oferta de Madrid a otros mercados. Las muestras también serán visitables, en recorridos virtuales y en tres dimensiones, a través de Artland una plataforma que permite acercar las propuestas de las galerías a una audiencia global.

Concha Gómez Acebo. Die Stiefschwestern. 2020. Galería Utopía Parkway

En definitiva, vuelven a abrir las galerías como espacios seguros –respetando los aforos y manteniendo los requisitos sanitarios– con lo último en la creación contemporánea, siendo un escaparate para el trabajo de los artistas y queriendo convertirse también en un punto de encuentro del arte con otras disciplinas.

Isabel Muñoz. ST, serie Japón. 2020. Galería Blanca Berlín

La entrada Apertura: Madrid Gallery Weekend 2020 se publicó primero en teresaherreroliving.com.

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Rambling old house, located deep along a Shanghai alley, houses the Coexist art exhibition. Starting from architecture and space, the modern art exhibition presents a journey to discover beauty across time and space. The century-old house is a perfect combination of Shanghai and Western contemporary design styles.

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The staircases and facades painted in grey-green bring the exuberant green moss of Shanghai summer into space. Set to a light green tonality, the art installation continues a vibrant aesthetic exploration from the outside in.

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“The beauty of life lies in collision and harmony. It is my objective to present an object objectively.” These are Chris Shao’s equally opening and concluding thoughts.

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New York and Shanghai-based designer Chris Shao staged an inaugural showcase of contemporary design via his new platform Objective Collection, set within a heritage house in Shanghai’s Xintiandi neighborhood. At Coexist art Exhibition, two seemingly incongruent elements – an old house and new contemporary art, now exist together under one roof. Viewers are invited to appreciate both the beauty and functionality of the objects, their differences becoming a metaphor for the essence of life.

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“From architecture, interior, to furniture, fabric; from 3D to 2D, Co-exist is a story about the ingenious integration of art, furniture design, and space, inspiring thinking from more dimensions,” explains Chris Shao about the Objective Collection art exhibition.

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On show until September 12th (and guest curated by Simon Wang alongside Shao), the Coexist art exhibition sees the union of different layers, colors, and stories that together create an intriguing viewing experience.

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Source: Yellow Trace

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Whether it’s a colorful living room that always helps the party to last a bit longer or a zingy bathroom that takes you to the Tropics with its emerald green gloss tiles and palm print wallpaper combination, the hues in a modern home are the perfect place to start having some fun.

IMMERSIVE WALL MURALS

By paying homage to one of the world’s oldest decorative art forms, you grant your modern home a sense of theatre and opulence. There’s the classic Chinoiserie look, the old-world map-style mural, or trompe l’oeil paneling as a more pared-back take on the traditional mural. On the whole, dining rooms, hallways and bathrooms particularly suit this painterly style of decor where there’s a little less to distract by way of furniture and accessories. Or, if you opt for a more minimal mural wallpaper, a restful bedroom space might make for the perfect setting. This is where the hand-painted mural can give rise to pretty rooms such as cute bedrooms for girls, with a delicately-does-it illustration serving as a bedtime story that shall always result in a very happily-ever-after ending.

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If you’re looking to brighten your modern home, you may want to consider our colorful room designs and ideas, just in time for the summer vibes!

Colourful Room Designs For A Fresh And Modern Home (6)   Colourful Room Designs For A Fresh And Modern Home 6

EXPERIMENTAL ART INSTALLATIONS

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Diamond Sideboard by Boca do Lobo

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For many, art is a source of everlasting pleasure. Collectables, heirlooms, pieces to take with you from home to home and appreciate in a new light as the years go by. It all comes down to color psychology and how brightness, shade, tint, tone, and overall color temperature can alter your experience of a given hue. Warm colors such as red, orange, and yellow are especially linked to happiness, optimism, and energy, as are bright, light pastels such as peach, soft pink, and lilac. Studies show they all release the happy hormone, dopamine. Colour theorists also suggest that blending multiple primary and secondary colors—be it in an outfit, a color scheme, or indeed a painting—will produce a happier outcome, so if you’re working with an art buyer, suggest they hunt high and low for works that tick these boxes.

 

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PLAYFUL COLOUR PALETTES

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Colorful rooms come in all shapes and sizes, so don’t be fooled into thinking that only the large living rooms can take a dramatic dose of pigment. In fact, a prudent piece of advice often offered by interior designers is to really go to town on one of the smallest spaces in the whole home—the downstairs guest bathroom or cloakroom. It’s in here that many clients test their bravery, experimenting with colorful wallpaper that they might never have dared to try in their bedroom. If this scenario rings true, think about how it makes you feel and whether that playfulness could be taken into an additional room to maximize on the spirit. After all, color is one of the most powerful tools at your disposal to dramatically alter the character of your modern home.

UPBEAT PATTERNS TO MIX AND MATCH

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Pattern clashes are a surefire way to change the pace of your decor. A modern home that combines contemporary geometrics with Art Deco pineapple motifs is a home that is dynamic and gregarious. It’s a conversation starter—a reminder to not take life too seriously, to let our hair down, and to have fun. As with color, go as zany with your pairings as suits your personal style. But a heady mix of the pattern doesn’t have to be in the realm of wacky to have a mood-boosting effect. For a gentler approach, make sure your prints have points in common, such as color, which will make them sit together far more naturally.

UNEXPECTED FURNITURE PAIRINGS

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It’s important to distinguish that happy rooms don’t necessarily equate to tantalizingly experimental interiors. Boldness is of course not the sole route to achieving beauty. One of the most dependable ways to ensure your furniture selections will bring a smile to your face on the regular is to really take the time to satisfy some sort of nostalgia. That could be sourcing an antique armoire and dressing table for the bedroom that brings up the memory of you playing dress up as a child in your grandmother’s bedroom. In essence, memory lane is your key to unlocking the most meaningful furniture pairings.

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El sofá Bocca® acaba de cumplir los 50. Y para celebrar su exitoso medio siglo, la firma italiana Gufram ha decidido celebrar el aniversario una de sus piezas más emblemáticas. Y lanza Bocca®  Unlimited una edición abierta, que despliega el clásico rojo de labios a 25 nuevos y vibrantes colores

Bocca®, un brillante símbolo de sensualidad, y ya todo un clásico del diseño, fue diseñado por Studio65 en 1970. Según explicaron sus creadores se basaron en un diseño original: el sofa Labios que Salvador Sali creó como homenaje a Mae West en 1938.  Esta pieza, posteriormente en el 72 fue recreado por Salvador Dalí y Oscar Tusquets para la sala Mae West del Teatre-Museu de Figueres y que desde el 2002 edita BD Barcelona Design como pieza de artdesign.

Ambos han sido y son archicopiados, así que atención. Si os gusta el Bocca®, aseguraros de que sea el sofá original que produce en Gufram exclusiva. Es una joya del arte pop y un símbolo de la belleza que se adapta a todos los espacios. Llamado también Lips® en países de habla inglesa,  ha brillado en exposiciones en los museos más importantes del mundo y ha sido fuente de inspiración para varias generaciones de artistas, diseñadores, y creativos de todos los campos.

El sensual sofa Bocca®de Gufram, forma ya parte parte del imaginario colectivo, de las obras de Andy Warhol y otras piezas maestras del Pop Art y el Surrealismo. Inmortalizado  por los mejores fotógrafos del mundo como David La Chapelle y Richard Avedon, ha acompañando a iconos de estilo, musas y  bellezas como Marisa Berenson, Heidi Klum, Anne Hathaway y Sharon Stone. Y aún más, también  ha sido la pieza central de los escenarios de la gira mundial de Beyoncé, Kylie Minogue y Katy Perry.

La nueva edición Bocca® Unlimited  llega con una carta de 25 nuevos colores que revoluciona su propia imagen con esta carta de  25 colores se fusionan con sus líneas sinuosas (y un innocador y nuevo tejido) para dar vida a una nueva etapa a través de un efecto de color vibrante, en el que los tonos más vivos conviven con los neutros. Desde los colores más cálidos como el rojo y el naranja hasta los más neutros como el gris y el beige, pasando por el verde y los diversos tonos de azul. Bocca®Unlimited juega con un vibrante espectro de tonos pero sin perder, medio siglo después de su creación,  su espíritu radical y su poderosa energía vital que se mantiene intacta.

La popular imagen de labios rojos de este icono del diseño, síntesis de la perfecta abstracción de la feminidad da un giro con su nuevo look. “Ofrece nueva imagen que se abre a nuevos horizontes, explica Gufram, y aporta nuevas posibilidades de uso. La plasticidad cromática le aportan una personalidad a la vez fuerte y versátil, ideal tanto para las casas más contemporáneas como para espacios de contract.

Más info: Gufram

La entrada 50 años de una leyenda: Bocca® el mítico sofá de Gufram ahora de colores se publicó primero en teresaherreroliving.com.

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Convertir la cotidianidad en pura tendencia. Lo han conseguido el ilustrador Abe the Ape y el fotógrafo  Manu Toro al diseñar un manual visual para los nuevos envases de Pepsi Max, la bebida zero de Pepsi. De esta manera la firma se une a la tendencia creciente de asociarse a artistas y creadores que impriman su personalidad en la comunicación de sus productos

Esta es una campaña dirigida a la reina de las redes, Instagram, de la que me confieso adicta (podéis seguirme en @teresaherreroliving)  y dos creativos que navegan en ella como delfines.  Desde luego, Instagram es la mejor ventana para lanzar un nuevo envase a la medida de influencers y foodies y ellos Abe the Ape y Manu Toro lo han bordado. El ilustrador y el fotógrafo (de los que me declaro súper fan) no podían defraudar en absoluto. Ellos han sido capaces de inventarse un lenguaje visual inspirándose en los envases, con una personal línea línea gráfica. Y de ahí han nacido dos ilustraciones Arty y dos fotos oníricas y con un marcado estilo pop, que descubren cómo sería ‘La comida más instagrameable’ y ‘La cena más cool’ .

“Mi idea era mostrar tanto la lata como la botella de Pepsi MAX de manera conceptual. Para ello, imaginé un mantel de cuadrículas sobre el que colocar una serie de alimentos dibujados en un estilo #MidCenturyModern’ y representando alimentos típicos de la ‘Generación Z’ que van desde las pastas y las ensaladas, hasta el ramen y los pokes”.

Abraham Menéndez (Abe the Ape) , ilustrador, ceramista y personaje locuaz y crítico y comedor de Risketos

Un divertido viaje en el que ilustración y fotografía van de la mano por la senda de lo cotidiano. Porque las dos imágenes que han montado los dos  creativos y que firma Manu Toro escenifican lo que, sin duda, ya tiene garantizado una avalancha de likes. Queda clarísimo que estos eclécticos ejercicios visuales elevan al podio de mesa de autor el almuerzo y la cena de cada día. “La inspiración para recrear estos momentos de disfrute de Pepsi MAX, parte de los conceptos ilustrados por ‘Abe The Ape’ y los hace físicos a través de instalaciones abstractas que reflejan ese momento de sentarse a la mesa”, afirma el fotógrafo.

¿Y esto está al alcance de cualquiera? El osado Abraham dice que sí y  hasta ha dado unos tips para lograrlo: mezclar vajillas, formas y texturas, añadir unos toques de color con los alimentos, agitar hasta que surja algo muy personal, acertar con el ángulo y la toma… ¡y a triunfar en Instagram!

www.abetheape.es
www.instagram.com/manutoro.work

La entrada La comida más instagrameable y la cena más cool por Abe the Ape y Manu Toro: un tour por cuatro mesas de autor se publicó primero en teresaherreroliving.com.

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The creative insight behind “unusual living rooms” comes from two small handwritten booklets, recently discovered in the Fornasetti archive. This collection of unpublished drawings and writings by Piero Fornasetti depicts suns with human faces and other unusual features. One of the unusual living rooms — “Solitario“, “sole” meaning “sun” in Italian — presents these unseen illustrations as part of furnishing decorations that form a complete interior setting.

Malachite living room

Fornasetti Reveals Five Unusual Living Rooms Designs (19)   Fornasetti Reveals Five Unusual Living Rooms Designs 19

Fornasetti Reveals Five Unusual Living Rooms Designs (20)   Fornasetti Reveals Five Unusual Living Rooms Designs 20  Fornasetti Reveals Five Unusual Living Rooms Designs (6)   Fornasetti Reveals Five Unusual Living Rooms Designs 6

Fornasetti Reveals Five Unusual Living Rooms Designs (4)   Fornasetti Reveals Five Unusual Living Rooms Designs 4
Soli a Ventaglio living room

Fornasetti has unveiled “unusual living rooms” — five different proposals for interior settings. United by the imaginative fantasy that distinguishes the atelier’s decorations, the five living rooms are titled: leopardo, facciata quattrocentesca, malachite, soli a ventaglio, and solitario. Sofas, armchairs, and benches are complemented with tables, lamps, mirrors, and other accessories, endowing a living room with an ironic yet sophisticated ambiance.

Fornasetti Reveals Five Unusual Living Rooms Designs (17)   Fornasetti Reveals Five Unusual Living Rooms Designs 17

Fornasetti Reveals Five Unusual Living Rooms Designs (18)   Fornasetti Reveals Five Unusual Living Rooms Designs 18

Fornasetti Reveals Five Unusual Living Rooms Designs (16)   Fornasetti Reveals Five Unusual Living Rooms Designs 16

“From a collection of ironic drawings, made by my father with that lightness of his that was never sentimental, there emerged a desire to build spaces that create a special atmosphere for a time and a place that will once again be shared,” explains Barnaba Fornasetti.

Fornasetti Reveals Five Unusual Living Rooms Designs (5)   Fornasetti Reveals Five Unusual Living Rooms Designs 5
Facciata Quattrocentesca living room

Fornasetti Reveals Five Unusual Living Rooms Designs (9)   Fornasetti Reveals Five Unusual Living Rooms Designs 9

Fornasetti Reveals Five Unusual Living Rooms Designs (7)   Fornasetti Reveals Five Unusual Living Rooms Designs 7

Fornasetti Reveals Five Unusual Living Rooms Designs (8)   Fornasetti Reveals Five Unusual Living Rooms Designs 8

Although diverse in inspiration — architectural, natural, or purely graphic — the decorations all pay tribute to the unmistakable style found in Fornasetti’s drawings and engravings.

 

See Also: Fornasetti’s Art Furniture: The Story Behind It


Soleil Sofa   news pieces 2 soleilsofa

 

Fornasetti Reveals Five Unusual Living Rooms Designs (1)   Fornasetti Reveals Five Unusual Living Rooms Designs 1
Leopardo living room

Fornasetti Reveals Five Unusual Living Rooms Designs (10)   Fornasetti Reveals Five Unusual Living Rooms Designs 10

Fornasetti Reveals Five Unusual Living Rooms Designs (11)   Fornasetti Reveals Five Unusual Living Rooms Designs 11

Fornasetti Reveals Five Unusual Living Rooms Designs (12)   Fornasetti Reveals Five Unusual Living Rooms Designs 12

Attention to detail and expert craftsmanship brings life to the original drawings, resulting in truly artistic creations that reflect Fornasetti’s inexhaustible imagination. The fabrics that cover the seats have printed trompe l’oeil or optical motifs that continue on the tubular iron structures, thereby creating subtle echoes and illusions.

Fornasetti Reveals Five Unusual Living Rooms Designs 2
Solitario living room

Fornasetti Reveals Five Unusual Living Rooms Designs (13)   Fornasetti Reveals Five Unusual Living Rooms Designs 13

Fornasetti Reveals Five Unusual Living Rooms Designs (14)   Fornasetti Reveals Five Unusual Living Rooms Designs 14

Fornasetti Reveals Five Unusual Living Rooms Designs (15)   Fornasetti Reveals Five Unusual Living Rooms Designs 15

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See Also: Product Designers That Will Fuel Your Inspiration Throughout The Week


Soleil Sofa   news pieces 2 soleilsofa

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Tras colaborar con Coperni en el lanzamiento de sus últimas colecciones en Nueva York y en París durante las fashion weekeng, nace este proyecto común de USM y Coperni que se inspira en el concepto WWW (World Wide Web), el sistema público de hipertexto que ya inventó en 1990 por Tim Berners-Lee. A través de la instalación “WORLD WIDE HOME” se expresan los pilares del ADN de ambas empresas.

Coperni interesada en trasladar
al mundo de la moda conceptos como tecnología,
innovación y entorno digital,
y USM que ha basado su cultura de marca en la modernidad, la anticipación
y la conectividad, desde
la creación en 1963 del pionero sistema de mobiliario modular USM Haller.

El proyecto además, pone en práctica parte de las reflexiones llevadas a cabo por USM durante varios años sobre la evolución de los estilos de vida y el trabajo, y los lugares donde estos se encuentran. Ideas que ah ido materializando a través de sus instalaciones. He tenido la suerte de poderlas conocer en profundidad y disfrutar in situ en los, en el stand de USM de los dos últimos Salone del Mobile, en la Designers Saturday de Lagenthal, y además, por supuesto, en las instalaciones de su fábrica de Musingen, muy cerca de Berna.

Este espacio de trabajo aparece completamente transformado: refinado, más imponente o incluso orgánico con elementos agregados en un nivel superior (estantes, reposa libros, etc.)  El escritorio está compuesto por tubos muy cortos y bolas de conexión USM. Las bandejas de trabajo de plexiglás personalizadas proporcionan la funcionalidad necesaria al mismo tiempo que ofrecen la posibilidad de individualizarla de acuerdo con las necesidades del usuario, que puede agregar módulos satelitales también cubiertos con una bandeja de plexiglás.

Trabajo y relax

La escenografía imaginada por Coperni está diseñada en dos espacios:  Un primer espacio de “trabajo”evoca el ambiente de trabajo de los grandes inventores de Information Technology de los años 90. La oficina está en el centro y a su alrededor gravitan elementos como la biblioteca o la impresora.

La monumental biblioteca de USM está inspirada en el código binario y su bit se usa para representar números usando la numeración de posición con solo dos dígitos: 0 y 1.A través de esta pieza, los creadores rinden homenaje directo a los lenguajes de programación y codificación por computadora, alternando de manera repetitiva y sistemática módulos abiertos o cerrados, pero todos de dimensiones idénticas.

El segundo espacio, un dormitorio se ha imaginado como: “un lugar para la reflexión, el descanso y la ensoñación”. Una cama contrasta con un tocador que se eleva hacia el cielo. La cómoda luce en el espacio, sencilla y sobria. Su idea: que el acto de vestirse sea lo más eficiente posible. Cada mueble está diseñado como un lienzo, neutral e infinitamente modular y totalmente personalizable.

Una cama baja está rodeada por 4 mesitas de noche en esquina, formadas por módulos USM Haller en una disposición inusual. La construcción de este conjunto evoca la inmaterialidad de la WEB y más particularmente la ausencia de altibajos. El conjunto es totalmente modular, adaptándose a cualquier tamaño de cama.

La alfombra azul, una evocación directa de la iconografía WEB, reviste los dos ambientes y se extiende verticalmente en la pared del dormitorio. Simboliza la inmaterialidad de la red: sin parte superior, sin fondo. Un mundo sin principio, sin fin, sin antes ni después, así nos lo cuentan y así nos quedamos: totalmente fascinados.

Un tocador con proporciones amplificadas se imagina como un objeto de reflexión que cuestiona el concepto de verticalidad y la voluntad de elevarse. El gabinete está completamente formado por tubos cortos y bolas de conexión USM en las que se injertan módulos externos de acuerdo con la elección del cliente (estantes, reposa-secador, espejo de aumento, etc.).

Más info: USM

La entrada El icónico fabricante de muebles suizo USM y la firma de moda Coperni, presentan su última instalación “WORLD WIDE HOME” se publicó primero en teresaherreroliving.com.

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Due to the world’s recent state, the Metropolitan Museum of Art had to postpone its blockbuster spring 2020 Costume Institute art exhibition“About Time: Fashion and Duration” Met Galawhich was originally planned to take place on 4th May 2020.

Met Gala‘s “About Time: Fashion and Duration” was set to explore fashion’s unique ability to time travel, melding clothing styles from different periods together to create ‘new’ ideas, moving in cycles at the same time as moving forward, and ensuring that some styles are considered timeless and ephemeral. Let’s take a look!

Unraveling Details About Met Gala's "About Time: Fashion and Duration"   Discover The Luxury Fashion Garments Behind The Postponed Met Gala 12

Unraveling Details About Met Gala's "About Time: Fashion and Duration"   Discover The Luxury Fashion Garments Behind The Postponed Met Gala 9
Left: Suit, Gabrielle Chanel, Spring/Summer 1963; Brooklyn museum costume collection at the MET, a gift of the Brooklyn Museum, 2009; Gift of Jane Holzer, 1977 | Right: Suit, Karl Lagerfeld for the house of Chanel, Spring/Summer 1994; courtesy CHANEL Patrimoine collection, Paris; all garment images © Nicholas Alan Cope, courtesy of the Metropolitan Museum of Art

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Left: Dress, Iris Van Herpen, Fall/Winter 2012–13 Haute Couture; gift of Iris Van Herpen, in honor of Harold Koda, 2016 | Right: Ballgown, Charles James, 1951; Brooklyn museum costume collection at the MET, a gift of the Brooklyn Museum, 2009; gift of Mr. and Mrs. Robert Coulson, 1964

While the Met is still closed, the organization decided to share its curated collection of contemporary and historic garments which traces a century and a half of fashion. Scheduled to open to the public on October 29, 2020, the presented work dates as far back as 1870, in honor of the museum’s 150th anniversary.

Unraveling Details About Met Gala's "About Time: Fashion and Duration"   Discover The Luxury Fashion Garments Behind The Postponed Met Gala 1
Left: Dinner dress, Mrs. Arnold; Brooklyn museum costume collection at the MET, a gift of the Brooklyn Museum, 2009; gift of Sally Ingalls, 1932 | Right: Ensemble, Comme des Garçons, Fall/Winter 2004–5; courtesy Comme des Garçons

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left: riding jacket, Morin Blossier; gift of Miss Irene Lewisohn, 1937 | Right: ensemble, Nicolas Ghesquière for Louis Vuitton, Spring/Summer 2018; courtesy collection Louis Vuitton

Unraveling Details About Met Gala's "About Time: Fashion and Duration"   Discover The Luxury Fashion Garments Behind The Postponed Met Gala 3
left: evening dress, Weeks; Brooklyn museum costume collection at the MET, a gift of the Brooklyn Museum, 2009; gift of the estate of Mrs. Arthur F. Schermerhorn, 1957 | right: dress, Comme des Garçons, Fall/Winter 2012–13; courtesy Comme des Garçons

Presented entirely with black garments, the Met Gala‘s “About time: fashion and duration” emphasizes the evolving silhouettes and use of secondary detailing. With the collection of pieces ranging from 1870 to the present, curators aim to connect the concept of “duration” with debates about diversity, inclusivity, sustainability, and other ethical issues that will surely express a continuing impact throughout the next decade of luxury fashion. Employing Henri Bergson’s concept of la durée (duration), it will explore how clothes generate temporal associations that conflate past, present, and future. Virginia Woolf will serve as the “ghost narrator” of the exhibition.

See Also: What’s Haute! – 2020’s Fashion Tendencies Meet Your Home Design

Limited Edition Collection Boca do Lobo   bl limited edition 750

Unraveling Details About Met Gala's "About Time: Fashion and Duration"   Discover The Luxury Fashion Garments Behind The Postponed Met Gala 4
left: dress, Jean-Paul Gaultier, Fall/Winter 1984– 85; purchase, friends of the costume institute gifts, 2010 | right: ‘tulip’ evening dress, Charles James; gift of Elizabeth de Cuevas, 2015

Unraveling Details About Met Gala's "About Time: Fashion and Duration"   Discover The Luxury Fashion Garments Behind The Postponed Met Gala 5
left: ensemble, Viktor & Rolf, Spring/Summer 2005; on loan from the central museum, Utrecht | right: evening dress, Madeleine Vionnet, 1939; gift of Mrs Harrison Williams, 1952

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left: afternoon dress, American, ca. 1877; gift of Theodore Fischer Ells, 1975 | right: ‘bumster’ skirt, Alexander McQueen, Fall/Winter 1995–96, edition 2010; courtesy Alexander McQueen

A timeline of 120 garments will unfold in two adjacent galleries fabricated as enormous clock faces and organized around the principle of sixty minutes of fashion. Each “minute” will feature a pair of garments—the primary work representing the linear nature of fashion and the secondary work its cyclical character. Each pair will be connected through shape, motif, material, pattern, technique, or decoration. For example, a black silk faille princess-line dress from the late 1870s will be paired with an Alexander McQueen “bumster” skirt from 1995.

Unraveling Details About Met Gala's "About Time: Fashion and Duration"   Discover The Luxury Fashion Garments Behind The Postponed Met Gala 7
left: evening dress, probably American, ca. 1928; gift of Richard Martin and Harold Koda, 1992 | right: dress, John Galliano, Spring/Summer 1997, edition 2008; gift of John Galliano, 2012

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left: evening jacket, Elsa Schiaparelli, winter 1938–39; gift of Mrs. Pauline potter, 1950 | right: ‘broken mirrors’ ensemble, Yves Saint Laurent, Fall/Winter 1978–79; courtesy Musée Yves Saint Laurent Paris © Yves Saint Laurent

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All of the primary garments will be black, to emphasize their evolving silhouettes, and the second will be either black or white, to underscore their mutually reinforcing associations. The exhibition will conclude with a small selection of garments from 2020 that links the concept of duration to debates about diversity, inclusivity, sustainability, traceability, transparency, longevity, collaboration, and other ethical issues germane to the next decade of fashion. The exhibition will be accompanied by a catalog.

Still yet to be seen is the theatrical design of the gallery space, which is scheduled to be unveiled this fall.

“Fashion is indelibly connected to time. It not only reflects and represents the spirit of the times, but it also changes and develops with the times, serving as an especially sensitive and accurate timepiece. Through a series of chronologies, the exhibition will use the concept of duration to analyze the temporal twists and turns of fashion history.” – Andrew Bolton, the Wendy Yu curator in charge of the Met Gala‘s costume institute

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See Also: Met Gala 2019 – “Notes On Camp” A Cry For Extravaganza

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