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Today, Inspiration and Ideas travels to Ukraine to show you a stunning contemporary design project by the amazing design firm and studio Bolshakova Interiors. Incorporating distinct style elements important to the client, Bolshakova Interiors designed a contemporary homethat feels classic, yet functional, and undoubtedly sleek. Taking inspiration from French and American interiors, such as the personal homes of Christian Dior and Ralph Lauren, in addition to influences from the Four Seasons Hotel designed by Pierre- Yves Rochon, the modern interiors were radically overhauled, from staircases to windows, flooring to façades.

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But before we show you what you came here for, allow us to introduce this amazing studio for all of you who may not know them. And let us start by saying that we regard this studio and its amazing leader Natalia Bolshakova as one of the main modern design forces right now in Europe and we believe this amazing luxury design project will make you think that as well.

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This interior design project is a country house with an area of 550 m2 that is located in Ukraine, not far from the city capital of Kyiv. Bolshakova Interiors such as Natalia Bolshakova, Olga Drachuk, and Petr Gerez were in charge of this project that cleary transmit us a contemporary vibe that is supported by a keen sense of elegance that shines through all the details and all the modern furniture pieces.

“An elegant and refined house for a family with a child, where every detail matters.”

As the very own studio describes it.

Let us start with the Living Room/ Dining Room open space combo! In the afternoon, the beautifully designed living room is flooded with sunlight. The lounge area has a large window and is perfect for family get-togethers. The owner’s personal collection of pictures and ornaments find their ideal place in the house. We highçlight the use of amazing statement pieces of luxury brands like BaccaratBoca do Lobo, and Eichholtz in this amazing room. We particularly highlight the incredible Heritage Sideboard by Boca do Lobo that is placed near the stairs and that it’s, on its own, a luxury design piece of art inside this modern home designed by Bolshakova Interiors. We also love the amazing ceramic pieces by Lladro.

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Heritage Cabinet by Boca do Lobo
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Heritage Cabinet by Boca do Lobo

“Individual style is emphasized in the decoration of the house, which is a testament to our client’s active participation policy. On this project, we worked intensively with the client in the studio and at the facility actively sharing information.”

Bolshakova Interiors Website

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The kitchen area is just as stunning as the living room. The austere furniture design and shining marble used in the design of the kitchen are complemented by cheerful textiles on the windows from the Hermes Jungle Life collection.

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Musing on a predominately white interior, the home seamlessly blends wooden elements with individual color palettes for each distinct area. Deep blue sweep the living room while touches of green encompass the kitchen and soft vanilla plays with light in the charming child’s bedroom.

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The bathroom design features a panel PAMPA from the French house, Pierre Frey. It contrasts powerfully with the marble textures, resulting in a stunning overall finish.

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For this design,  Bolshakova Interiors opted for dark colours that contrast with the more clear color scheme of the child’s bedroom and even of the living room. It was a bold choice, but a strong one!

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The kid’s room designed by Bolshakova Interiors is one of the most touching and charming rooms in the house! Everything in this house is considered carefully to ensure the child is comfortable and safe, but that is also surrounded by a relaxing environment filled with amazing details that can’t be appreciated by the child ye, but that also transforms this room in a relaxing sanctuary for the parents!

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Paris Design Week took place from 3 to 12 September at various venues in Paris, France, and Inspiration and Ideas had its eyes on it to bring to you the ultimate novelties and exciting news about this renowned design event.

Intérieur aux Aubergines by Cristina Celestino for Maison Matisse

Paris Design Week 2020, A Run Down Of The Event's Highlights Interieur aux Aubergines Cristina Celestino Maison Matisse Photo Alice Cuvelier Paris Design Week 2020 Highlight
Paris Design Week 2020, A Run Down Of The Event's Highlights Interieur aux Aubergines Cristina Celestino Maison Matisse Photo Fabrice Gousset Paris Design Week 2020 Highlight

After the success of their first limited series and first permanent La Musique ceramics collection, Maison Matisse has expanded their collections with pieces by Milanese designer Cristina Celestino. A sofa, an armchair, a folding screen, two coffee tables, a rug, wallpaper and a selection of home accessories are the stars of this permanent collection, inspired by the iconic still-life Intérieur aux aubergines (1911), regarded as one of Henri Matisse’s most decorative artworks. Like a living painting, Celestino‘s archetypal pieces interpret the work’s most striking elements in three dimensions, through a set of screens that are superimposed in-depth, mirroring the pictorial composition imagined by Matisse.

Lex Pott & David Derksen and Tijs Gilde at Transnatural Gallery

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Paris Design Week 2020, A Run Down Of The Event's Highlights Lamina Light Yule Tijs Gilde Transnatural Gallery Collectible Design Paris Design Week 2020

Amsterdam gallery Transnatural showcased during Paris Design Week five new works by designers who take material innovation as a starting point of their creative process. By harnessing sustainable production methods and technological innovations, Transnatural cultivates forward-thinking ways to (re-) design our living spaces. Two standouts are the ongoing series by Dutch designers Lex Pott & David Derksen, who unveiled new versions of the Eclipse Transience Mirrors. The Eclipse models celebrate the beauty of the natural oxidizing process inherent in mirrors, which the duo accelerate and manipulate, resulting in handmade pieces that illustrate the various stages of oxidation through a gradient of brown – gold – silver tones. Meanwhile, Tijs Gilde’s Lamina Light features a variety of luminous elements that form a narrative through his unique fascination with pattern and colour. Within a layered, modular structure of recycled acrylic material, Lamina amplifies colour pattern intensity. The design also explores new possibilities for more efficient production and recycling techniques.

See Also: Interior Design Trends For Fall/Winter 2020: Key Tips For You

 

Verso Collection by David/ Nicolas for Pierre Frey

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Paris Design Week 2020, A Run Down Of The Event's Highlights David Nicolas Verso Collection Pierre Frey Paris Design Week 2020 Highlights

In 2017, French decorating house Pierre Frey acquired one of France’s leading manufacturers of furniture, expanding its range of products. Sam Baron, Pierre Frey’s newly appointed artistic director for furniture, worked with Lebanese designers David Raffoul and Nicolas Moussallem of design studio david/nicolas. The duo focused on the theme of travel and the great transatlantic liners by the likes of René Prou, boldly reinterpreting his codes to create the collection. Verso responds to new lifestyles with both functional and modular design. A link between decoration and function, the collection showcased at Paris Design Week, demonstrates an innovative approach by mixing classical, contemporary, and futuristic elements in a timeless aesthetic.

Haute Couture by Servomuto, curated by Margherita Ratti

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Paris Design Week 2020, A Run Down Of The Event's Highlights Haute Couture Servomuto Paris Design Week 2020 Photo Alessandro Zambianchi

Italian Institute of Culture in Paris hosted the launch of Haute Couture installation by Servomuto, curated by Margherita Ratti. Hôtel de Galliffet was transformed into a hall of art with seven oversized floor lamps paying homage to the visionary spirit of Parisian Haute Couture – the synthesis of different cultures and subcultures that acts as a bridge between tradition and innovation.

Humbert & Poyet’s Metamorphosis Collection for Maison Pouenat

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Comprising unique pieces and collectibles designs such as lights, sofas, armchairs, and tables, Metamorphosis features pure, clean lines and a resolutely contemporary spirit, brought to life with bespoke craftsmanship both the historic iron maker Maison Pouenat and interior architects Humbert & Poyet are renowned for. Inspired by the Art Deco movement and the designs of the 1950s and 1970s, the collection pays tribute to a number of Humbert & Poyet’s favorite artists including Jean Royère, Paavo Tynell, and Josef Hoffmann. These inspirations are apparent in not only the design but choice of shapes, assorted textures, and exquisite attention to detail. The bold choices of materials – lacquered wood, stone, plaster, and brass, note a striking contrast from the raw to the ornate. The collection was unveiled during Paris Design Week as a scenography that was a tribute to Christo & Jeanne Claude. Statement by statement, wrapped and unwrapped.

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Connected (Conectados) ha sido un experimento destinado a explorar cómo el diseñador y el editor, dos partes del mismo todo, han ajustado sus métodos a la nueva realidad. Por encargo de la la American Hardwood Export Council (AHEC), Benchmark Furniture y el Design Museum nueve diseñadores internacionalmente reconocidos, crear una mesa y una silla en madera durante el confinamiento. El desafío: que se adaptase a las nuevas formas de trabaja y vivir en casa

Y es que nuestras formas de interactuar,  trabajar y vivir  han cambiado significativamente. Utilizando la tecnología hemos tenido que adaptarnos para trabajar juntos a distancia y crear, diseñar y escribir desde nuevos despachos, oficinas y talleres improvisados.

Todos los diseños se han fabricado utilizando madera de tres frondosas estadounidenses: roble rojo, arce y cerezo que, en conjunto, representan más del 40% del volumen de toda la madera en pie en los bosques estadounidenses de frondosas. Y es un material tan poco utilizado como bello y sostenible.  Cada diseñador fue emparejado con un artesano del taller de carpintería Benchmark en Berkshire, con quien ha desarrollado su pieza. Tanto los diseñadores como los artesanos han trabajado para hacer realidad las ideas de los diseñadores basándose, únicamente, en la comunicación digital y en la videoconferencia.  Desde que comenzó el proceso, en el mes de junio, los diseñadores han trabajado grabando los procesos creativos, ideas, bocetos y compartiéndolos con los artesanos.  El enfoque ha requerido la máxima confianza en los  en los fabricantes ya que los diseñadores no han visto prototipos ni han tenido ningún contacto físico con las piezas hasta verlas expuestas en el Design Museum.

Los nueve diseñadores participantes en el proyecto Connected han sido (ver imagen, de izquierda a derecha y de arriba a abajo): Maria Jeglinska-Adamczewska (Polonia); Ini Archibong (Suiza); Jaime Hayon (España); Thomas Heatherwick (Heatherwick Studio-Reino Unido); Azusa Murakami y Alexander Groves (Studio Swine- Reino Unido / Japón); Sabine Marcelis (Holanda); Maria Bruun (Dinamarca); Arianna Lelli Mami y Chiara di Pinto (Studiopepe-Italia);. Sebastian Herkner (Alemania). Los resultados se han presentado en el Design Museum de Londres.

Ini Archibong (Suiza). Kadamba Gate

Cerezo, roble rojo modificado térmicamente estadounidense

Kadamba Gate está impulsada por una fuerte narrativa que guía la elección del material y la construcción de la pieza. Tanto la mesa como el banco son piezas para el exterior. Los pilares escultóricos, están inspirados en la Calzada del Gigante en Irlanda del Norte y construidos con una mezcla de roble rojo, cerezo y roble rojo modificado térmicamente. La tapa es de madera laminada y mecanizada, con un acabado epoxi brillante lleno de color y con complicados detalles de latón extraible, que también funcionan como sistema de drenaje en el exterior. El banco es de una construcción similar y ambos, se pueden cubrir con una funda extraible de cuero curtido con el perímetro cosido, hecho por los especialistas en cuero de Bill Amberg Studio.

“Para mí es importante formar parte del proyecto Connected porque “es una oportunidad de trabajar con madera y de ser consciente del efecto que nuestro uso de la madera va a tener en el planeta en 2020”

Ini Archibong

Maria Bruun (Dinamarca). Nordic Pioneer

Arce estadounidense

La colección de Maria, Nordic Pioneer, es una lección magistral de diseño nórdico. De una gran pureza, tanto la silla como la mesa dejan el protagonismo a los materiales y la fabricación. Realizada íntegramente en arce estadounidense, un detalle clave del diseño es la elegante bisagra de madera que recorre todo el tablero de la mesa para levantar y para abatir la hoja. Los pies torneados y redondeados embuten el perfil cuadrado de las patas. El asiento de Maria hace referencia a la linealidad y funcionalidad de la mesa, mientras que los taburetes apilables, con asientos redondeados, mecanizados a partir de arce macizo celebran la elección del material.

“Durante la pandemia, descubrí que “necesitaba rodearme de materiales hermosos y significativos. También quería crear un lugar donde pudiera conectarme con el mundo nuevamente

María Bruun

Jaime Hayon (España). Mesamachine

Cerezo estadounidense

El representante de España, el prolífico diseñador Jaime Hayón ha creado una mesa multiusos en madera de cerezo. Mesamachine proporciona al mismo tiempo, un espacio para trabajar, para jugar, para comer y para pasar tiempo con la familia. Como una navaja suiza, los elementos funcionales pueden abrirse y ampliarse para cumplir una multitud de funciones. La tapa principal de la mesa está creada como si fuese una caja hueca, con nervaduras tensoras ocultas a lo largo de su longitud. Las diversas soluciones de almacenaje y estanterías extensibles funcionan sobre guías de madera que han implicado un elevado grado de precisión para su fabricación. Dos taburetes y un banco de diseño similar, con caras sonrientes recortadas en la superficie , agregan el toque lúdico y happy que caracteriza al diseñador.

 “Me gusta la idea de honrar algo tan simple como un trozo de madera, un material básico que se ha utilizado durante generaciones. Me encanta eso. Estamos explorando este material y buscamos hacer algo asombroso con él”.  “En este proyecto se puede esperar de mí algo que nunca antes se había visto porque mi desafío ha sido hacer una pieza extraordinaria y aprender haciéndola

Jaime Hayon

Heatherwick Studio (Reino Unido). Stem

Arce estadounidense

Stem hace honor a la biofilia al incorporar plantaciones en patas de arce estadounidense mecanizadas con tecnología CNC, sujetas a la tapa de vidrio de la mesa.  Los  miembros del equipo, después de pasar tres meses en el misma mesa de trabajo, comunicándose por videoconferencias, anhelaban el contacto con la naturaleza ya que comenzaban a ver el espacio a su alrededor como un mini estudio de televisión en el que lo que está detrás y alrededor de cada uno Ahora queda a la vista de todo el mundo. La inspiración inicial se desarrolló a partir del oficio de tallar cucharas de madera El mismo principio se aplica a una estantería con montantes de madera tallada y estantes de vidrio. El asiento está tapizado con piel de oveja, con una base tallada que hace juego con los elementos de la mesa.

“Esta crisis nos ha arrojado repentinamente a nuestros hogares. Los trabajadores pasan tres meses sentados en una silla. Los muebles significan incluso más que antes y son parte de una experiencia colectiva, así como una experiencia personal. Siento como si faltara una herramienta en nuestros hogares. En un momento de videoconferencia ¿ tenemos realmente lo que necesitamos a nuestro alrededor?. Intentamos que los lugares se involucren en la dimensión humana de nosotros mismos. He visto el proyecto como una oportunidad para hacer que nuestro trabajo sea más vivo: con la naturaleza, con nuestras ideas y con nuestra imaginación”

Heatherwick Studio

Sebastian Herkner (Alemania). Stammtisch

Roble rojo y arce estadounidenses

Con una forma orgánica y modular, Sebastian quiso crear un paisaje donde los diversos elementos de quehacer diario se uniesen. El nombre Stammtisch se traduce como la “mesa de los habituales“, un espacio alrededor del cual amigos y familiares se reúnen. Ha utilizado materiales cuidadosamente seleccionados, la mesa está hecha de roble rojo, blanqueado con un acabado de aceite natural blanco mate. La bandeja grande está hecha en arce, tratada con amoniaco y con un acabado de aceite natural mate transparente. Sus taburetes y la bandeja pequeña están hechos con roble rojo enegrecido. La madera para el tablero de la mesa y otros componentes se ha moldeado en una tupí para lograr la forma específica deseada que es un aspecto clave en el diseño de Sebastian. Los componentes se unieron y encolaron cuidadosamente para que el diseño jugase con los contrastes producidos por las diferentes direcciones de la fibra de la tapa de la mesa y de las bandejas móviles, que pueden desplazarse a lo largo de la tapa por sus carriles marcados.

“Algunas personas dicen que es la nueva normalidad. Sin duda, es una nueva forma de comunicación. Es un tipo de diálogo diferente y una forma diferente de desarrollar un proyecto. Es una aventura”.“Nos inspiramos mucho en los propios materiales. La madera es honesta, lo cual es muy importante para mi diseño. En casa necesitamos algo que tenga una calidad táctil. Esto podría ser una mesa de madera

Sebastian Herkner

Maria Jeglinska-Adamczewska (Polonia). Arco

Cerezo estadounidense

El asiento y la mesa Arco de María se inspiran en las formas escultóricas y la arquitectura de las abadías benedictinas. La mesa toma como elemento clave de diseño una curva prominente a lo largo del canto longitudinal de la tapa y está fabricada en madera de cerezo estadounidense de la más alta calidad con tablas cuidadosamente emparejadas por su veteado y mecanizadas. Las patas de la mesa, en ángulo respecto a la vertical, tienen una forma inusual de cuarto de luna. La silla está diseñada para ser escultural y para imitar las curvas del cuerpo. Aunque puedan parecer estructuralmente simples, algunos procesos de su construcción, como el emparejamiento de marcos, muestran el nivel de competencia que ha habido en la fabricación. Los paneles laterales de la silla están fabricados siguiendo una técnica extraída de la fabricación de barriles.

“La pieza recuerda el consuelo emocional que los objetos pueden brindarnos. Proporcionan un sentido de identidad y son capaces de comunicar quién eres a otras personas. Me encanta el color y la veta de la madera de cerezo estadounidense”.

”La pandemia me ha abierto los ojos sobre el trabajo desde casa y la calidad del espacio que me gustaría lograr. También me ha recordado el consuelo emocional que los objetos pueden brindarnos. Proporcionan un sentido de identidad y son capaces de comunicar quién eres a otras personas”

Maria Jeglinska-Adamczewska

Sabine Marcelis. (Países Bajos). Candy Cubicle

Arce estadounidense

El escritorio inspirado en la escena de la maleta en Pulp Fiction, se transforma del “modo trabajo” al “modo escondido” con un elemento de sorpresa en el interior. Las superficies exteriores utilizan chapa de arce estadounidense con un acabado de aceite blanco. El interior, que tiene compartimentos para libros y un ordenador, está fabricado con la misma chapa de arce, pero recubierto con una laca translúcida de alto brillo amarillo y pulido a mano para obtener un fino acabado. Ofrece un impacto de brillante color cuando el cubículo está abierto, viéndose la fina veta del arce a través de la laca. La pieza se soporta sobre ruedas amarillas a juego que permiten cerrar la pieza fácilmente al terminar la jornada laboral. El asiento de Sabine, un taburete circular, es de arce macizo, con ruedas a juego.

Mi objetivo ha sido acercarme a la madera de una manera inesperada e intentar crear una pieza que contuviese un interior inesperado. No hay nada que me guste más que trabajar juntos, intercambiar ideas y hacer cosas presencialmente. Cuando colaboro con los fabricantes siempre trato de ir y estar presente. Definitivamente la situación actual es muy diferente, pero, por otra parte, pienso que trabajar digitalmente puede suprimir barreras”

Sabine Marcelis

Studiopepe (Italia). Pink Moon

Arce estadounidense

Pink Moon juega con la idea de ciclos de renovación y nuevos comienzos, inspirados en la luna rosa de primavera. Su fabricación incluyó incrustaciones en las patas de la mesa para crear contrastes y un asiento contemporáneo inspirado la silla de Charles Rennie Mackintosh. Para esta pieza se eligió la madera de arce estadounidense. Primero se seleccionó la madera y, con CNC, se hicieron los rebajes para las incrustaciones de las patas. Las piezas fueron luego teñidas y aceitadas. El tablero de la mesa fue cortado también a la forma deseada inspirada en la naturaleza. Se empalmaron las patas y luego, las incrustaciones de contraste, se enrasaron. El inusual respaldo de la silla comprende una gran “luna” de arce, mecanizada por CNC en dos mitades, perforada para aceptar las patas traseras y luego teñida. Cuando las dos mitades se unen, se crea una unión sin costuras, con Pink Moon suspendida por el marco inspirado en Mackintosh.

Queríamos ver la pandemia como una oportunidad para repensar nuestra forma de trabajar juntos. Ha sido una época muy desafiante. Curiosamente, ha sido un período bastante creative y un período de transformación.”  

“Nos gusta la honestidad de la madera. Amamos los materiales naturales. La madera es interesante porque puedes pintarla, grabarla o crear incrustaciones. Puedes hacer muchas cosas con la madera. Es un material muy fuerte, es muy táctil, tiene una belleza interior. Es lo que es y es hermoso

Arianna Lelli Mami y Chiara Di Pinto. Studiopepe

Studio Swine (Reino Unido / Japón) Humble Administrator

Roble rojo y cerezo estadounidense

Studio Swine diseñó un asiento y una mesa como si fuese un trono, inspirados en los jardines tradicionales chinos y en el arquetipo de la silla Ming. Después de pasar el confinamiento en Tokio, la pareja que forma Studio Swine tenían ansía de naturaleza y querían hacer honor a la madera en su forma más pura. Eligieron el cerezo estadounidense por su calidez y los tonos caramelo para el asiento y la pata trasera macizos, con patas delanteras, brazos y respaldo de roble rojo estadounidense curvados al vapor. El curvado de los brazos fue ambicioso y complejo de fabricar, ya que se dobla a través de una doble curvatura, lo que requiere un equipo de seis artesanos y una plantilla especialmente construida para crear su forma inusual. La mesa utiliza para las patas, una pieza limpia y suave de cerezo estadounidense, con el perfil y la veta de testa visibles a través de la parte superior de la tapa de la mesa. Bajo la la tapa, un estante, útil para colocar el portátil, actúa como elemento tensor de la mesa.

“Nos gusta  la honestidad de la madera. Amamos los materiales naturales. La madera es interesante porque puedes pintarla, grabarla o crear incrustaciones. Puedes hacer muchas cosas con la madera. Es un material muy fuerte, es muy táctil, tiene una belleza interior. Es lo que es y es hermoso. Tiene calidez, grandes cualidades sensoriales y nos puede conectar con la naturaleza incluso estando confinados

Azusa Murakami y Alexander Groves. Studio Swine

Los resultados se pueden ver hasta el 11 de octubre en el Design Museum” y en la página web de Connected

La entrada Connected: nuevas formas de trabajar y diseñar en el Design Museum de Londres se publicó primero en teresaherreroliving.com.

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The new Versace Home collection features exceptional furniture that combines luxury and interior design to suit the ever-changing demands of luxury living. This time, the Versace allure is translated into a lifestyle concept through statement pieces for the bedroom, living room, dining area, library and office.

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The Versace Home collection can be effortlessly exemplified using three words — glamorous, sophisticated, and distinctive. It is the embodiment of Versace’s Italian codes that are defined by the emblematic Medusa head, geometric lines, and gold tones.

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Versace Home collection 2020 is comprised of three signature lines — Virtus, Medusa Carezza and The Medusa — for every living space.

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Virtus Collection

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The sophisticated Virtus line is crafted from luxurious woods, marble, and leather. Evoking the feeling of carrying a coveted Virtus handbag, the designs feature emblematic Barocco V hardware enriched with acanthus leaf accents. Key pieces boast sleek lines, gold-tone accents, and plush upholstery.

See Also: What’s Haute! – 2020’s Fashion Tendencies Meet Your Home Design


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Medusa Carezza Collection

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Brand heritage permeates the Medusa Carezza collection. Denoted by Medusa-shaped details and outlines, the range features curved lines accentuated with gold-tone hardware. Expertly crafted, key designs are complemented with leather, velvet and patterned jacquard upholstery. Medusa-shaped illuminations complete the ambience.

The Medusa Collection

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Versace Home’s strong aesthetic point of view is translated into the office space with The Medusa collection. A symbol of the Versace creative universe, the mythical woman breathes an air of glamour into the work environment. Crafted in cinder wood, the bold office line features a desk and chairs enriched with leather and golden Medusa décor.

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See Also: Unveiling Releases of The Month by Your Favorite Modern Design Brands


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“Back to Basics” forma parte de Virtual Design Destination, una acción que organiza la galería online Adorno y que este año ha mostrado virtualmente al mundo catorce muestras de diseño de catorce países diferentes durante el London Design Festival Bajo la temática “The New Reality”. La colección española “Back to basics”  de Adorno se inspira en el momento de reflexión creado por la pandemia para explorar un camino hacia lo básico y el diseño sostenible.  Está comisariada por la periodista Ana Domínguez Siemens  y formada por obras de Álvaro Catalán de Ocón, Belén Moneo, Inés Sistiaga, Inma Bermúdez, Júlia Esqué, Lucas Muñoz, Martí Guixé, Mayice Studio, Studio La Cube, Studio todo to do, y Tornasol Studio. Y ha contado con el patrocinio del Museo Nacional de Arte Romano de Mérida, Accion Cultural Española y Dekton by Cosentino.

“Back to Basics nace tras esta experiencia que nos ha obligado a parar, reflexionar y descubrir las infinitas posibilidades que nos pueden proporcionar las cosas más simples, las cosas básicas. Back to Basics  fue algo que ocurrió de forma natural, fue una sensación de huir de cualquier cosa artificial o ‘fantástica’, sentí la necesidad de mirar más a lo humano, más al trabajo en la tierra.”En general son piezas que reutilizan elementos ya existentes o que introducen innovación dentro de una técnica tradicional. Es una forma de experimentar el diseño desde un momento de reflexión, de parar y observar lo que nos es afín, lo que tenemos a mano, sin precipitaciones, sin grandes gestos

Ana Domínguez Siemens. Periodista y comisaria de la exposición

“Back to Basics” que pudo verse un el domingo 20 septiembre de una forma virtual, con las obras suspendidas sobre unos zócalos realizados por Cosentino con su revolucionario producto Dekton. Si no lo pudistéis ver, aquí os dejamos un pequeño avance. Podéis verla completa en la web del evento. Y, además todas las piezas están a la venta en la galería digital Adorno. especializada en  diseño coleccionable y artesanía,  encargó a catorce comisarios  que reflexionaran sobre experiencias, pensamientos y temas concretos acerca del “parón” para plasmarlo posteriormente en sus colecciones nacionales. El objetivo es que el diseño se convierta en herramienta para el cambio y aporte resultados e innovadoras soluciones a la nueva realidad.

Os muestro aquí a los diseñadores españoles seleccionados y sus proyectos:

Inés Sistiaga: Trip Collection

En esta colección Inés explora el color y la materialidad de la lana en composiciones gráficas que no representan más que los movimientos de sus manos mientras garabatea intuitivamente. Ella los ve como pinturas rápidas que se traducen cuidadosamente en hilo; líneas que pertenecen a movimientos de la mano escaladas a tapices textiles. Compara la creación de estos paneles con un paseo sin destino. Esta falta de rigor desaparece cuando empieza a hacerlos, los mechones en su estudio de Madrid con una pistola de hilo. El esfuerzo físico y la concentración que requiere este proceso, le parece un mantra. El sonido y el movimiento de la máquina, la velocidad y la tensión del hilo, y los límites dibujados a mano que marcan la composición, son el motivo de este viaje simbiótico entre ella y la máquina. Hecho a mano con lana de oveja holandesa teñida naturalmente. Acabado con lana “Latxa” del País Vasco.

Lucas Muñoz Tubular Chair (Edición especial)

Producida con conductos de ventilación y conectores estándar, además de una pieza de cuero colgante, esta edición única ha sido ilustrada por Antigoon, un street artist holandés. Lucas Muñoz

Álvaro Catalán de Ocón. ACdO. CU. Ceramic Vases

“CU”, es una colección de piezas creadas en cerámica, cobre y sílice con una técnica innovadora donde, como una especie de alquimia, cada pieza se transforma en un nuevo objeto en el que los colores y las líneas que lo adornan emergen de forma absolutamente única a través del proceso de cocción. Álvaro Catalán

Júlia Esqué. Narciso Mirror

Narciso” es tanto un espejo funcional como lúdico, ofrece nuevas dimensiones dentro de su interacción. Inspirado en los espejos biselados, tiene cinco planos separados. En consecuencia, cada cara interpreta una nueva realidad, reflejando vistas impredecibles del entorno. Hecho de una placa de acero inoxidable doblada, pulida en la parte delantera y cepillada mate en la parte trasera. Proyecto encargado por el Estudio Reisinger.

Martí Guixé. Respect Cheap Furniture  (Respetar los muebles baratos)  (7/50)

Silla de plástico monobloque de Turquía, pintura acrílica, inscrita con un marcador: Respect Cheap Furniture. Edición limitada de 50 +5 ap. Cada uno firmado y numerado. Marti Guixe

Studio La Cube: Trigo Perro Roca R4

Dicen Stefano Fusani y Clara Hernáncez:  ¿Alguien conoce a la naturaleza?.

La naturaleza que nos rodea diariamente es, o naturaleza humanizada (intervenida, afectada), o falsa naturaleza (creada directamente): cada estado revela una profunda y antigua domesticación del mundo, una adaptación y modelización de éste para las necesidades o ambiciones humanas. Tal vez por esta razón, la naturaleza bruta siempre se ha percibido como sublime y aterradora; todo lo que queda fuera del entorno domus se convierte en un inquietante “otro”. La humanidad necesita domesticarla y darle una función según las reglas de la racionalidad.

El terror y la sublimidad de la naturaleza desconocida sólo sirve para alimentar el misterio del mundo, para crear mitos literarios y dioses incontrolables. El positivismo exige explicación y función. Lo que todo en el mundo sigue el ejemplo del trigo, el perro, la cebada, la cabra, las rosas. El pan, la leche, la compañía, la belleza. Démosle una función y para ello no las tomamos como tales, no esculpimos: hacemos rocas, cambiamos su genética para disponer de ellas a nuestro gusto y necesidad. Hagamos rocas de objetos humanos, hagamos paños. Lleguemos al extremo, convirtamos los minerales en rocas domésticas, que buscan una función, para satisfacer el papel que les hemos asignado. Funcionalidad, belleza, compañía.

Seamos domésticos, comportémonos. Studio La Cuve

Tornasol Studio. Drift Armchair

Inés LLasera y Guillermo Trapiello han  ideado El sillón “Drift” es el resultado de la exploración de nuevas formas de representar la identidad náutica y el verano, construido a partir de diferentes elementos y materiales característicos del mar. Las boyas inflables sirven como respaldo y apoyabrazos de esta pieza. Ensambladas con una construcción ágil y un sistema mecánico, las boyas se insertan en la estructura de tubos metálicos. Tornasol Studio

Inma BermúdezAnother Nature

Esta poética serie de platos ha sido decorada con un lenguaje gráfico contemporáneo: por eso la colección se  Another Nature. Evoca, de hecho, una forma diferente de ver el mundo que nos rodea. La cuidadosa elección de los motivos se basa en una atenta investigación de los ricos archivos del atelier de Este Ceramiche; los animales y las flores, típicos del reconocido patrimonio de  Este Ceramiche porcelana han sido retratados en los platos con un ritmo inesperado para recrear escenas fantásticas. El delicado uso del dorado enriquece la percepción de la vajilla con sus brillantes destellos.

Another Nature es un proyecto desarrollado junto con la firma italiana Este Ceramiche en el marco del proyecto Doppia Firma, que reúne la innovación del diseño europeo y la tradición de la gran artesanía y está creando una colección única de objetos originales y refinados. Se venden individualmente. Cuatro colores disponibles: azul con pez, verde con caballo, marrón con perro y rojo con pájaro. Inma Bermúdez

Studio Todo to do. Obreras Vases

Las hermanas Elena Y Selina Feduchi,  han creado “Obreras” una colección de jarrones hechos con desechos de construcción encontrados en las calles.

La planta que nace de los escombros. Lo aparentemente frágil supera lo irrompible. ¿Por qué un jarrón se asocia con lo femenino? ¿Por qué el trabajo de construcción se asocia a lo masculino? De este contexto, traemos materiales y objetos de las obras de construcción, fríos y anodinos, al contrario, el mundo cálido y afectuoso del jarrón. Proponemos una vuelta de tuerca cambiando completamente el uso por defecto de los materiales de construcción. Studio Todo to do

Belén Moneo. Emérita Shelf

El diseño de la estantería de Emérita se enmarca dentro del proyecto REmix Vol.5 diseñadas en colaboración con BD Barcelona Design.La transparencia de los estantes de plexiglás (nuestro material característico) nos permite ver un bosque de columnas de madera. La rotundidad y solidez de este elemento se magnifica, revelando todas sus poderosas cualidades. Al mismo tiempo, la suspensión y rotación de las columnas, que parecen flotar, desafiando la gravedad, jugando con la percepción del espectador, y aligerando la pieza. Belen Moneo

Mayice Studio. Anello. Edición limitada

Anello”, un diseño de iluminación de círculos concéntricos que proyectan la luz, llenando el espacio en tres dimensiones. Los efectos de luz adornan el espacio en sus parámetros horizontales y verticales. Los tres brazos de aluminio pueden ser ajustables y movibles. Hechos a mano en España con vidrio soplado, aluminio, metal y tecnología LED.  Mayice

Para ver la exposición de España Back to Basichttps://virtualdesigndestination.com/country/spain/ y Adorno

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London Design Festival marches on with virtual launches, public modern art projects, art installations, and tightly-controlled, socially-distanced exhibitions throughout the British capital. Inspiration and Ideas leads you on a journey through these incredible novelties of modern furniture, art exhibitions, and modern design in general.

Maestro chair by Lee Broom

In a dramatic virtual presentation that enlisted an orchestra performing with social distance for the first time since lockdown, designer Lee Broom presented the Maestro modern chair.

Ion lighting collection by Bohinc Studio

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An ongoing exploration on geometry inspired by the rings of Jupiter gave rise to Ion, Bohinc Studio‘s new lighting collection launched during London Design Festival.

Envisioned Comfort armchair by Vytautas Gecas and MarijaPuipaite

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A new initiative conceived in response to the events of 2020, “Adorno,” on view through September 20, is LDF’s first virtual contemporary design destination. The online art exhibition features more than 200 art and design objects and 14 country-specific environments.

Puck glassware by Tom Dixon

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With a thick base resembling a hockey puck, the Puck collection of mouth-blown cocktail glassware by Tom Dixon has the resilience to withstand the professional restaurant environment.

Half a Square table by Michael Anastassiades for Molteni & C|Dada

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A minimalist table with luxurious materials marks the first collaboration between Molteni & C|Dada and designer Michael Anastassiades just in time for London Design Festival.

Kadamba Gate table by Ini Archibong

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“There’s an idea of being connected to the earth, the earth being connected to the stars, and the notion of microcosm and macrocosm. That led me to be inspired by The Giant’s Causeway and its columns of basalt hexagons.”

says designer Ini Archibong.

Slump Rock coffee table by Paul Cocksedge

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The table is one of eight featuring melted or “slumped” glass included in “Paul Cocksedge: Slump,” an exhibition of the designer’s new work on view at Carpenters Workshop Gallery through December

“Walala Parade” by Camille Walala

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“Walala Parade” by Camille Walala sees the artist transform an entire East London street. The initiative is now one of the capital’s largest public art projects.

A Verdant Global Warming Warning

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Designed as a petite Victorian glasshouse, the balmy structure—which will remain in place for a year—is filled with tropical crops that by 2050 could potentially thrive outdoors in the U.K. if no drastic environmental measures are taken.

Marlene Huissoud’s Inflatable Sculpture

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French designer Marlene Huissoud makes just as powerful a statement about humanity with Unity, her piece at Coal Drops Yard in the King’s Cross Design District in time for London Design Festival.

Tom Dixon’s Evolving Vision and Yair Neuman’s Installation

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For this year’s London Design Festival, the hub will embrace the theme “Octagon,” showcasing eight different spaces, including a pop-up bar, a disco adorned with the dramatic LED chandelier Burst, and two lounges.


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The next generation of interior designers is utterly thriving in the modern design world. With the freshest interior design ideas and the most creative minds, the names that we are about to mention are pushing the boundaries of beauty and leaving their mark when it comes to 2021 trends. Let’s meet them!

Noz Nozawa, San Francisco

Noz Nozawa, San Francisco

“Life is more beautiful and more livable when nothing is perfect,” says Nozawa, who founded her firm, Noz Design, in 2014. “I like deliberate imperfection, deliberate asymmetry, and messing things up a bit.”

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Noz Nozawa, San Francisco

 

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Noz Nozawa, San Francisco

 JSN Studio, Los Angeles

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JSN Studio, Los Angeles

“The hardest thing is to do simple, but that’s what we love: simple and smart,” says Adair Curtis (opposite, left) of the decorating, staging, and product-design studio that he co-founded with Jason Bolden, his celebrity fashion-stylist husband.

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JSN Studio, Los Angeles

“Everything in a room should be essential, and the space should have a story, with furnishings and art pulled from what the clients enjoy or what has been passed down to them.”

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JSN Studio, Los Angeles

Matthew Monroe Bees, Charleston, South Carolina

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Matthew Monroe Bees, Charleston, South Carolina

He relocated to Charleston and opened a short-lived antique shop where the ever-changing decors launched his career. “I’d rather be thought of as a collector than a designer”.

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Matthew Monroe Bees, Charleston, South Carolina

“A room doesn’t seem complete to me unless it has an English secretary”

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Matthew Monroe Bees, Charleston, South Carolina

Alizée Brion, Miami

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Alizée Brion, Miami

After receiving her master’s in architecture from Columbia University, the French-born talent landed her first job working for an architecture studio that was, at the time, collaborating on a project with Philippe Starck, whose attention to detail would shape Brion’s perspective.

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Alizée Brion, Miami
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Alizée Brion, Miami

Forbes Masters, Atlanta

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Forbes Masters, Atlanta

By 2016, they were officially in business together, building an impressive list of clients (Real Housewives of Atlanta star Kandi Burruss, NFL players Josh Bynes and Bobby Rainey) with bold, personality-driven modern design interiors, among them a glam, purple-lacquer karaoke room for Burruss’s poolhouse.

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Forbes Masters, Atlanta
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Forbes Masters, Atlanta

Garrett Hunter, Houston

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Guided by site and context, Hunter’s incisive eye lends a sense of history and gravitas to modern, white-box spaces while animating traditional rooms with a vivid, contemporary design spirit. Five years ago, he opened Tienda X, an experimental Houston gallery of art and design, with architect Michael Landrum, a frequent collaborator who shares his office. Do you like his modern design ideas?

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Garrett Hunter, Houston
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Garrett Hunter, Houston

Carmeon Hamilton, Memphis

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Carmeon Hamilton, Memphis

When it comes to boho modern design interiors by Hamilton—a self-styled “environmental curator”—it’s a jungle in there. “Plants are a super-identifiable part of my aesthetic, but the foundation is always modern and clean-lined,” says the rising star, who got her start in the health-care industry, a job that demanded wellness-conscious furnishings, palettes, and, yes, plants.


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Homo Faber Guide es una plataforma digital dedicada a la artesanía fina en Europa que ha creado la Fundación Michelangelo para la Creatividad y la Artesanía y estará operativa desde el 17 de septiembre de 2020

La Homo Faber Guide funciona como un sofisticado buscador on line, que descubre artesanos, talleres, museos, galerías y experiencias relacionadas con el mundo de la artesanía fina en toda Europa. Un portal que conecta a apasionados del arte, coleccionistas, clientes, galerías, viajeros curiosos y diseñadores con diferentes maestros artesanos de toda Europa

Si quieres descubrir las ciudades europeas a través de sus propios métiers d’art  diferentes oficios en talleres seleccionados y conocer las recomendaciones de expertos del mundo del arte, la creatividad y el diseño. Eres  diseñador, arquitecto o artista que busca colaborar con un artesano, galerista o coleccionista que busca objetos únicos. O un joven talento que busca descubrir cosas, nuevas esta es tu guía.

He tenido la oportunidad de colaborar con la Fundación, de la que soy una gran apasionada. Este verano he podido de descubrir en primicia la guía y entrar en la plataforma antes de su puesta online y, como me ha fascinado, quiero compartir desde TeresaHerreroLiving, un avance de sus posibilidades y cómo navegar por ella.

En primer lugar encontraréis la la posibilidad de buscar por  o temas comisariados por la fundación y sus embajadores. Personas de renombre dentro del mundo de la artesanía, la creatividad y el diseño que  son seleccionados por la fundación según los once criterios de excelencia, identificados por Alberto Cavalli, codirector de la Fundación Miguel Ángel.

Piezas de Asya Kozina

La Guía Homo Faber te descubrirá artesanos únicos de todos los rincones de Europa, desde sopladores de vidrio de Venecia hasta ceramistas de Estocolmo, desde tejedores de tapices de París hasta grabadores de Londres, desde joyeros de San Petersburgo hasta doradores de Viena, e incluso los de los rincones más recónditos del continente. Entre otros traigo aquí a algunos de los que próximamente veréis publicados en TeresaHerreroLiving que me han entusiasmado. Asya Kozina, de San Petersburgo, Rusia, artesana del papel. Dimitri Shabalin, también ruso, de Moscú, que realiza  máscaras enjoyadas y brillantes que crea con objetos antiguos recuperados. El belga Julien Feller, tallador de madera. Desde su estudio en Alfugeria, al sur de Portugal, e inspirándose en el océano Vanesa Barragao, diseñadora textil, recicla hilos y los transforma en jardines marinos con crochet, ganchillo.

Madera tallada de Julien Feller

Dimitri Shabalin. Máscara enjoyada

Vanesa Barragao junto a una de sus piezas

La artesanía española en Homo Faber Guide

Por supuesto tras una visita rápida por todos los rincones de la guía. España y su  artesanía ha sido mi primera parada. Madrid, Sevilla y Barcelona son las ciudades que aparecen en primer lugar pero hemos podido comprobar, tras un rato de navegación que la guía no se deja rincón sin descubrir, desde Úbeda a Mallorca pasando por Valencia, Burgos o Galicia.

De la mano de Tomás Alía, arquitecto, diseñador y embajador de la Homo Faber Guide en Madrid, encontramos el taller del luthier Felipe Conde, el de Elena Goded y Ana María Gil en Collado Hermoso, Ábbate,  o el tan instagramedado taller de esparto de Javier Medina.

Pieza de la española Mercedes Vicente

En Andalucía, las anticuarias Ana María Abascal y Patricia Medina guían nuestros pasos a dos talleres sevillanos que me apasionan  el de Exvotos o el Kúu de Yukiko Kitahara en Gelves.  En Barcelona la Fundación Michelangelo nos recomienda al escultor en piedra Jean Briac o el ceramista, Roger Coll.

EOI Fundestarte nos sugiere visitar el taller de sombreros de  Charo Iglesias, o el de la diseñadora textil Natalia Lumbreras y  en Galicia, en Outeiro de Rei, el de Ioia Cuesta que fabrica preciosas cestas. Igualmente nos invita a conocer el universo del cuero gótico punk de Cecilio Castrillo en Villacienzo Burgos o a descubrir las creaciones de Mercedes Vicente escultora textil de Brion (A Coruña) que crea formas espirales inspiradas en conchas marinas.

Pieza de Jean Briac realizada por la artesana Julieta Ansalas

Solo son una mínima muestra de lo que podéis encontrar. Mi recomendación es navegar y navegar y montar tu propio recorrido personalizado a tu estilo, porque la guía es totalmente interactiva. “Tú eres el maestro artesano, dicen, la guía es tu herramienta” Pues manos al ratón. Ah y para facilitar la navegación la guía tiene una app que puedes descargarte para descubrir nuevos artesanos. ¡Disfrutarla!

A partir del 17 de septiembre de 2020

Más info:  Guía Homo Faber

La entrada La Fundación Michelangelo lanza: Homo Faber Guide todo un referente de la artesanía europea se publicó primero en teresaherreroliving.com.

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48 Galerías, con más de 75 artistas, inauguran simultáneamente para poner en marcha el sector. Apertura transforma Madrid en capital del arte contemporáneo durante un fin de semana y así inicia la temporada artística. Apertura Madrid Gallery Weekend se celebra del 10 al 13 de septiembre

Apertura celebra su edición 10+1 y empieza este primer año de segunda década con el objetivo de acercarse y abrirse aún más a otros sectores de creación contemporánea. Habrá visitas programadas y colaboraciones con otras disciplinas,, en concreto este año la danza. las galerías acogerán intervenciones de ocho jóvenes compañías de danza residentes del Centro Coreográfico Canal.

Rosa Brun. DYSNOMIA. 2020. Óleo y acrilico sobre lienzo y madera. 209 x 109 x 16 cm. Galeria Fernandez Braso

 “En un contexto complicado y dominado por la incertidumbre –galerías que han visto mermados sus recursos e ingresos, ferias canceladas, exposiciones suspendidas…, Apertura Madrid Gallery Weekend 2020 cobra aún un mayor sentido en su undécima edición. Es el acto que volverá a poner en marcha el sector del arte contemporáneo

Manuel Fernández-Braso, presidente de Arte Madrid.

Nacho Criado. Mírame Senza Occhi. Galería Álvaro Alcázar

Este año la gran apuesta ha sido la digitalización. Arte Madrid se ha asociado con varios partners tecnológicos para ofrecer, además de la experiencia física, una experiencia 100% digital de Apertura Madrid Gallery Weekend. Gracias a ellos, las 50 exposiciones de las 48 galerías se podrán visitar también de manera virtual, desde cualquier dispositivo y desde cualquier lugar. Se realizarán muestras virtuales, visitas en streaming… se podrá buscar información sobre el trabajo de los artistas, estudiar las obras , incluso, comprar.

Daniel Verbis. El que guarda su boca guarda su alma, 2020. Galeria Daniel Cuevas

Todas las exposiciones de Apertura Madrid Gallery Weekend estarán disponibles, además de en la web de Arte Madrid https://www.artemadrid.com/, en la plataforma de información y venta online Artsy. Como escaparate de la escena cultural madrileña, esta página permanecerá activa durante todo el mes de septiembre, acercando la oferta de Madrid a otros mercados. Las muestras también serán visitables, en recorridos virtuales y en tres dimensiones, a través de Artland una plataforma que permite acercar las propuestas de las galerías a una audiencia global.

Concha Gómez Acebo. Die Stiefschwestern. 2020. Galería Utopía Parkway

En definitiva, vuelven a abrir las galerías como espacios seguros –respetando los aforos y manteniendo los requisitos sanitarios– con lo último en la creación contemporánea, siendo un escaparate para el trabajo de los artistas y queriendo convertirse también en un punto de encuentro del arte con otras disciplinas.

Isabel Muñoz. ST, serie Japón. 2020. Galería Blanca Berlín

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Rambling old house, located deep along a Shanghai alley, houses the Coexist art exhibition. Starting from architecture and space, the modern art exhibition presents a journey to discover beauty across time and space. The century-old house is a perfect combination of Shanghai and Western contemporary design styles.

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The staircases and facades painted in grey-green bring the exuberant green moss of Shanghai summer into space. Set to a light green tonality, the art installation continues a vibrant aesthetic exploration from the outside in.

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“The beauty of life lies in collision and harmony. It is my objective to present an object objectively.” These are Chris Shao’s equally opening and concluding thoughts.

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See Also: Sara Story Designs A Luxury Home That Balances Sophistication and Art

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New York and Shanghai-based designer Chris Shao staged an inaugural showcase of contemporary design via his new platform Objective Collection, set within a heritage house in Shanghai’s Xintiandi neighborhood. At Coexist art Exhibition, two seemingly incongruent elements – an old house and new contemporary art, now exist together under one roof. Viewers are invited to appreciate both the beauty and functionality of the objects, their differences becoming a metaphor for the essence of life.

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“From architecture, interior, to furniture, fabric; from 3D to 2D, Co-exist is a story about the ingenious integration of art, furniture design, and space, inspiring thinking from more dimensions,” explains Chris Shao about the Objective Collection art exhibition.

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On show until September 12th (and guest curated by Simon Wang alongside Shao), the Coexist art exhibition sees the union of different layers, colors, and stories that together create an intriguing viewing experience.

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Source: Yellow Trace

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